!Saludos! Después de un tiempo estoy lista para volver a escribir algo de su agrado. Hoy me gustaría hablarles sobre mi género favorito, que nos muestra los síntomas del enamoramiento:Shōjo o bien Shoujo.

El shōjo o shoujo literalmente es una palabra japonesa que significa «niña joven», y es el término usado para nombrar la categoría del manga y anime dirigida especialmente al público femenino adolescente, pero que también puede interesar a los chicos. El nombre proviene de la romanización del japonés 少女 

Es cierto que no todos disfrutan del anime romantico, pero es difícil que un buen amante del anime no sienta curiosidad por echarle una ojeada a algún manga o anime de este género. Algo interesante de este género es que no es solamente "diabetes", siempre he admirado la capacidad de poder crear comedias románticas, es fascinante como se pueden complementar ambos géneros y crear una atmósfera en las que la diversión y el romance tierno y leal pueden ir juntos perfectamente, matizadas con diálogos y frases de la vida que representan las experiencias que muchos hemos pasado.

Hablando un poco respecto a mi punto de vista, opino que es un género en el cual no solo la relación de los personajes protagonistas avanza, también ellos mismos como personajes, e incluso los secundarios que les rodean. Un género sobre la amistad sincera y el romance puro. Me fascina como funcionan estas historias, usualmente se presentan en un entorno escolar, en el cual muchas personas el algún momento se movieron o lo hacen todavía, haciendo sentir al espectador un poco más alejado de la ficción.

¡Hola a todos! Esta semana les traigo una recomendación anime algo particular: Genshiken. ¿En algún momento has pensado cómo se verían los otakus si protagonizaran un anime? Esta es la respuesta! Una serie llena de situaciones muy otaku y personajes arquetípicos de nuestro género, que la disfruten!

Kanako Ohno, esta chica hace unos cosplay que deben ver

Información técnica

Título: げんしけん - Genshiken.

Estudio: Palm Studio.

Año: 2004.

Director: Takashi Ikehata.

Capítulos: 12

Argumento

¿Quién nunca ha visto a las doll así?

Genshiken gira en torno a un grupo de jóvenes universitarios interesados en el anime y toda su subultura, son verdaderos otakus (en la concepción japonesa del término). A sabiendas que el término otaku no es muy bien visto en Japón, contextualizan a nuestros personajes en una situación que lo demuestra: estos muchachos han creado un club de apreciación y estudio de anime.

A pesar de que han mantenido este interesante club, no cuentan con la cantidad mínima de integrantes y, en suma a eso, son completamente rechazados por los demás por su condición otaku. Esto da comienzo a nuestra historia, cuando dos integrantes nuevos se unen al grupo logran hacer de este casi moribundo club uno totalmente radiante y lleno de comedia. Uno de ellos, una chica típica otaku, el otro, un tipo que no tiene ni idea ni gusto por el anime.

De aquí en adelante,  nos muestran situaciones que nos identifican a muchos de nosotros: convenciones de anime y manga, cosplay y muchas otras picarescas peripecias.

¿Por qué ver Genshiken? 

• Se puede ver el conjunto de arquetipos otaku que existen, recordemos que el término tiene cierto aire peyorativo, entonces los otakus que nos muestran cumplen con todo lo esperado de personas de ese tipo.
• Nos muestra los ojos con que la sociedad japonesa los ve, los otakus como seres socialmente incompetentes y algo ridículos.
• La comedia rebosa y no puedes parar de reírte al ver cómo nuestro grupo de otakus vive normalmente.
• Es interesante el sentirse identificado con mucho de lo que los protagonistas son, hacen y viven; en momentos creí formar parte de este grupo de chicos.

Finalizando, a modo de conclusión, los invito a ver esta serie, les aseguro que les va a sacar más de una risa y cuando vean un grupo de otakus como protagonistas, no podrán evitar sentirse identificados y caricaturizados, ¡que la disfruten!

Sin más que decir, espero haberlos convencido y agradezco el haber leído, ¡hasta la próxima!

¿Qué te ha parecido? ¿Ya has visto Genshiken? ¿Te gustaría que trabajara algún tema de la serie?

¡No dudes en comentar!

Esta es una oportunidad que muchos otakus de Costa Rica estaban esperando. Hubo una época cuando habian muchos clubes funcionando, permitiendo el desarrollo de múltiples habilidades y que se compartieran muchos conocimientos. Sin embargo, con los años estos clubes han desaparecido hasta casi extinguirse, siendo una importante razón del estancamiento de la cultura otaku en favor del consumismo vacio entre los otakus.

Como una propuesa que busca revertir esta tendencia, viene este club a tratar de revitalizar esta subcultura con ideas y proyectos positivos.

Este sábado 21 se inauguró el club Nakama, una propuesta ambiciosa de Cosplay Party CR (ahora Producciones Nirvana S.A.) que busca revivir los clubes de fans que hace menos de una década prosperaban en nuestro país.

Club Nakama busca promover el desarrollo de sub-grupos que adopten algunos de los valores de la cultura japonesa, como la actitud de servicio, y al mismo tiempo, servir de semillero donde los otakus puedan promover proyectos y desarrollarlos. Entre otras opciones, encontramos sub clubes de dibujo manga, baile coreográfico, práctica de canto, creación de artículos para cosplay. En resumen, no se trata de solamente un clásico club social, sino más bien, busca ser un club propositivo que convierta las aficiones de los jóvenes en acciones de repercución social.

Además de estos objetivos, el club proveerá de otros beneficios a los miembros. Para empezar, los miembros del club recibirán un 50% de descuento en los festivales de los organizadores del club, así también como descuentos en otros convenios con tiendas y participación en actividades privadas.

La Universidad Creativa brinda su apoyo en esta aventura, institución que ha demostrado tener la visión para entender los beneficios comerciales de apoyar al desarrollo de la subcultura otaku de Costa Rica. Además de permitir el uso de sus cómodas y bien equipadas instalaciones, aportará acompañamiento para sus actividades y descuento del 15% en matrículas, materiales y talleres. 

Lugar: U Creativa San Pedro
Horario: de 1 pm a 5 pm
Inscripción: 10 000 colones el Trimestre, incluye camiseta, carnet con beneficios y pin coleccionable.

Para todos aquellos que deseen pertenecer al Club NAKAMA este sábado 20 de junio en el edificio de San Pedro de la Universidad Creativa, se estarán realizando las inscripciones de 1:00 p.m. a 5:00 p.m.

Supervivencia del mas fuerte

La convivencia del ser humano con distintas especies dentro de su propio ambiente ha conducido a la humanidad a un ciclo de continua adaptación y lucha; al igual que el ser humano, uno de los animales más destacados por su capacidad de adaptabilidad a lo largo de la historia han sido las cucarachas, esos pequeños y desagradables bichos que pocas veces producen otros sentimientos más que asco, incomodidad, pavor e incluso miedo.

Pero, ¿cuál es el punto de mencionar a estas tan distintas especies?

En ocasiones, la batalla del hombre y la cucaracha culmina con la muerte del segundo bajo la suela del zapato, en otras menos plácidas, el animal huye de una muerte segura, para continuar con su poco apreciada existencia. Si bien el ser humano como animal es frágil y lento (en comparación con otras especies), como especie ha alcanzado una relativa estabilidad en la cima de la cadena alimenticia, valiéndose de su inteligencia y capacidades de adaptabilidad en grupo; de igual forma, el insecto alado se erige en una posición plácida en la cadena alimenticia, donde sólo es cazada como alimento por pocas especies que generalmente no conviven en los ambientes donde las cucarachas han aprendido a vivir.

Sin duda alguna, un punto en común (de muy pocos) entre la cucaracha y el humano es su capacidad de adecuar su modus vivendi a ambientes hostiles y dominados por otras especies más aptas que ellos; tomando eso como primicia es que esta serie Terra Formars ha entretejido su trama.

El proyecto "Terraforming"

En su búsqueda de adaptar el planeta Marte para ser habitable, la humanidad comenzó el proceso de terraformación, que consistía inicialmente en enviar una especie de alga que absorbiera la luz solar y purificara la atmósfera; para ello, junto a dicha alga enviaron cucarachas que se encargarían de esparcir esta alga a través del planeta entero; tomando como base la capacidad de adaptación de la cucaracha tanto como especie como individuo.

Aunque se esperaba que el artrópodo sobreviviera y se adaptara, el resultado del proceso de adecuación de la cucaracha fue más allá de las expectativas humanas: la cucaracha se volvió -hasta cierto punto- inteligente, poderosa y peligrosa, tanto como para que una sola pudiese acabar con un humano con facilidad.

A nuestra imagen y semejanza

Algo que a mi parecer evidencia la egolatría humana es que la cucaracha como especie se volviera más poderosa modificando su estructura física de forma radical; resultado aparente de los procesos evolutivos, tomando más una apariencia antropomorfa, esto quiere decir, que su cuerpo alado, casi rastrero conformado por seis patas con tres articulaciones se redujera a un cuerpo "humano" con un vestigio de alas, ojos redondos y grandes y unas pequeñas antenas sin mayor complejidad.

Ésto evidencia el pensamiento humano de que su estructura corporal es la más eficiente a nivel general (o al menos la mas poderosa), lo cual no es algo nuevo, la humanidad ha creado seres mitológicos a su imagen y semejanza por milenos; de cualquier forma, la nueva apariencia de la cucaracha no es aclarada del todo en la serie, que hasta cierto punto no es algo conveniente. Esto no es algo exclusivo de esta serie, en general los monstruos que los humanos combaten son mas poderosos en la medida de que su fisiología se acerca a la humana, por ejemplo, y para demostrar que ésto no es algo nuevo:

• Inu Yasha: aquí los demonios más poderosos son aquellos de forma humana (Naraku es sustancialmente más fuerte que otros demonios de apariencia monstruosa).

Y ahora, un par de ejemplos contemporáneos a Terra Formars:

• Shingeki no Kyojin, donde los titanes son -básicamente- criaturas de forma humana con un tamaño superior y algunas pequeñas diferencias fisiológicas, a excepción de algunos titanes especiales.
• Gantz: los alienígenas gigantes de esta serie muestran una combinación entre seres mitológicos y cuerpos humanoides, algunos (probablemente para que se vean más grotescos) con partes humanas deformadas dando resultado a una criatura de apariencia terrorífica.

La misión Annex I

La historia se desarrolla principalmente en el viaje a Marte de la nave Annex I, (que no es la primera en embarcarse en este viaje; otras misiones con la misma intención fueron ejecutadas, aunque no muchos sobrevivieron a ellas). Aunque son muchos los personajes que componen la tripulación del Annex I, la historia se va enfocando en un reducido número de protagonistas, que encarnan sangrientas luchas con las cucarachas para lograr sobrevivir y cumplir con el objetivo principal de la misión. La trama se va tornando más compleja a medida que se muestran sucesos que pueden estar ligados a las misiones anteriores, que vuelven la historia realmente interesante.

Éstos son algunos de los personajes principales, de los que no hablaré mucho para evitar el spoiler:

• Akari Hizamaru
• Michelle K. Davis
• Sylvester Asimov
• Liu Yiwu
• Adolf Reinhart

Opinión

La trama hasta cierto punto es novedosa: seres humanos tratando de adaptarse a un planeta extraño y realmente inapropiado para la vida; animales "simples" que evolucionan hasta convertirse en adversarios mortales, humanos modificados por la ciencia para obtener habilidades supernaturales. La animación es impecable, la calidad de las secuencias, los detalles en los personajes, los efectos especiales que deslumbran y la fluidez de los movimientos hacen que sea visualmente perfecta.

Finalmente, la combinación entre personajes cliché y nuevos modelos de protagonista le dan un valor agregado a la trama; que como mencioné anteriormente, me recuerda a la tradición de crear imágenes mitológicas a nuestra imagen y semejanza. En general, una buena serie que cumple con el objetivo de atraerte hasta donde es posible, con un poco de gore (considerablemente menos que en el manga) e historias personales fácilmente identificables.

Michelle K. Davis, de seguro la chica badass de la serie

La televisora Toei solicitó a la Asociación Japonesa de Aniversarios que sea reconocido oficialmente el 9 de mayo como el Día de Goku. Este día se eligió específicamente porque en idioma japonés, los números 5 y 9  se leen “Go” y “Ku”. 

Precisamente, al celebrarse recién el Día de la Madre en Japón, un miembro del equipo de Dragon Ball que participaba de la promoción de su nueva película, se vistió como Goku y entregó a  la seiyuu que diera voz a este personaje, la señora Masano Nozawa, un ramo con 59 claveles, en un homenaje por ser la “madre de Dragon Ball”.

Nozawa comentó que al participar de las audiciones para conseguir el papel de Goku, aparentemente Akira Toriyama la eligió sin dudar para sus personajes, Goku y posteriormente sus hijos Gohan y Goten. Así que estos célebres personajes son prácticamente sus hijos también.

No cabe duda que esta celebración calará profundamente en el gusto, tanto de fans como del público general, dado el impacto cultural que ha dejado esta serie animada a lo largo de las generaciones grandes enseñanzas sobre la amistad, la sinceridad, el sacrificio personal y cómo las adversidades pueden ser vencidas con una mentalidad indomable a pesar de las circunstancias adversas.

El círculo de la vida en la industria anime

Gundam Recongista in G es el primer anime y el primer Gundam que dejo abandonado en mi vida. Siempre le he dado oportunidad a todos los animes, mi política es verlos hasta el final sin importar que tan deplorables sean. Pero mi mente no tenía que imaginarse como iban al baño los pilotos de Mobile Suits. Una silla de vuelo no es un baño portátil, o que los astronautas usan pañales. Eso combinado con otros numerosos horrores (animación barata, trama horrible y enredada, elementos trillados al mejor estilo Tomino) me hizo lamentar la decisión de ver la serie. Lo que puede ser la despedida final de Yoshiyuki Tomino de la animación me hizo volver a las raíces de la serie. Mi amigo Victor Otaku me puso sobre la pista de un detalle que nos llamó la atención. Kenichi Yoshida, el diseñador de los personajes de esta serie, es un afamado que ya había trabajado para Studio Ghibli. para Gainax y para el mismo Yoshiyuki Tomino; se prestó ante uno de los mentores que le dio su oportunidad para devolverle la titularidad que había perdido (llevaba desde las películas de Z Gundam de no dirigir nada). Pero con 26 episodios este esfuerzo bien pudo haber quedado como una nota de pie de página para él como haber acabado con la carrera de todos los involucrados. Lo que me deja perplejo es que uno de los animes en los que participó fue uno de los gritos antiguerra más sublimes de este milenio.

Eureka Seven es una de las últimas series de corte anual de este milenio. Este esfuerzo conjunto de Studio Bones con Bandai Entertainment refleja la confusión que produjo la llegada de una serie como Gundam SEED a esta década. Originalmente iba a ser una serie conjunta con diseños de Shoji Kawamori, con la llegada del director Tomoki Kyoda y el escritor Dai Sato tiraron toda esa idea a la basura por la competencia de Studio Satelight en la misma temporada. Lanzada a partir del 17 de abril del 2005 (dos semanas después de su competencia directa) en la cadena TBS, Eureka Seven llegó al público como una serie más de mechas, que a través de su largo año de emisión se transformaría y superaría a las series de mecha de esas fechas; no tanto por sus elementos mecánicos sino por su argumento. Porque a diferencia de otras series, los héroes son unos surfos inadaptados y anarquistas.

En un Japón que todavía idolatra a la guerra en todas sus formas, Eureka Seven es un grito de paz. Anti-militar, irreverente, rebelde y basada en la cultura del surf, la tripulación del Gekko-Go tiene como único objetivo encontrar una forma pacífica de convivir con el desastre natural que los rodea. Los personajes más que una reunión son una colisión de personalidades que explota en un sinfín de situaciones que son difíciles de comprender a menos que uno habite el espacio estado de la nave. Con al menos cuatro parejas "estables" (es implícito durante toda la obra que toda pareja hombre mujer excepto la de Renton y Eureka tienen o han tenido sexo en alguna parte de la obra), un líder irresponsable, una tripulación variopinta pero muy exigente, el Gekko-Go vuela por todo el mundo llevando la misión de abrir los ojos del mundo a la realidad, de que la labor de los militares destruye el tenue equilibrio del mundo, que ha sido invadido por el Scub.

Durante el camino que lleva a la salvación del mundo (como es típico), el espectador enfrenta el crecimiento de la tripulación que evoluciona de acuerdo a las circunstancias. La maternidad de Talho transforma a la piloto atrevida e irresponsable en una figura adulta que irradia tranquilidad y respeto; a diferencia de Holland, que se sacrifica con tal de darle una oportunidad a su futuro hijo de sobrevivir el horror del mundo que lo rodea. A lo largo de la obra, todos los personajes en el Gekko State evolucionan, guiados por el cambio tanto de Renton como Eureka al iniciar su relación como pareja. Con ellos como guía; vemos a través de sus ojos el horror que produce la discriminación, el temor a lo desconocido y la volatilidad del ser humano ante lo que no entiende. De esto se aprovecha un villano soberbio como Dewey, que confiado muere sabiendo que su plan ya se ha puesto en marcha. Porque los mejores villanos a mi concepto son los que pueden lleva a cabo su plan aún con la intervención de los héroes.

En un mundo apocalíptico, ante la magnitud de un desastre ecológico que es símil a nuestra situación actual; Eureka Seven usa el formato de una serie híbrida de robots para narrarnos una historia universal. Los problemas del mundo no se resuelven atacando o destruyendo; se resuelven con cooperación y entendimiento entre las partes. A través de numerosos golpes y malos entendidos, Renton se adapta a la vida con las personas que tanto admira, consigue el amor y a través de esto consigue detener el final de su mundo. Durante su crecimiento este humaniza a una criatura como Eureka, consigue el cambio de corazón de la tripulación y enfrenta los temores. Tras esto llega una historia de superación y de madurez, en la cual los niños se vuelven adultos y los adultos dan vida a una nueva generación, dando un giro completo al círculo de la vida.

En primer plano Maeter disfrutando topless de la playa, cortesía de Eureka Seven: AO

Este círculo también se puede aplicar para la industria de anime, incluso para esta obra. Para su segunda temporada, tentados por el éxito los productores de Eureka Seven: AO reunieron al director sin su equipo creativo y por esto el producto resultante fue ajeno a su predecesora. Predispuesta al fanservice, más ligera y menos compleja, la serie quedó como un guiño de ojo para los aficionados que esperaban más. Esto es lo que suele suceder con los creadores cuando llegan a cierta edad. En este momento muchas de las grandes animadores de los 70's y 80's se dirigen al oscurantismo y al retiro; nombres de la talla como Hayao Miyazaki, Leiji Matsumoto o Yoshiyuki Tomino sólo quedan en los recuerdos mientras sus vidas se extinguen o prefieren el retiro. En estos tiempos de cambio, debemos abrir los ojos al evento de la vida, con una nueva generación de animadores que siguen su camino. Por esto es buen recordar la transición a la siguiente década, donde el mercadeo se impone y las leyendas quedan suspendidas allí... para nuestros recuerdos.

Los niños de Eureka Seven en la cuarta temporada, de izquierda a derecha Eureka, Maurice, Link, Maeter y Renton Thorston.

Bueno, demasiados personajes. En primer plano la forma Solar Aquarion (la forma principal de la serie). En el centro, de izquierda a derecha, arriba Pierre Vieira, Reika Hong, Rena Rune, Sirius de Alisia y Jun Lee; abajo Tsugumi Rosenmeir, Apollo, Silvia de Alisia. Abajo los módulos del Aquarion, Vector Mars, Vector Sol y Vector Luna.

Los quince minutos de fama alcanzan hasta...

Shoji Kawamori es sinónimo de éxito, bueno por lo menos lo era a la vuelta de este siglo. Sólo la existencia de toda la saga Macross le ha garantizado una inmortalidad merecida tanto de este como del otro lado del Pacífico. Uno de los diseñadores de mechas más prolíficos de esta generación, un director reconocido con un distintivo tono positivo para todas sus historias y uno de los grandes cuenta cuentos del anime; su trabajo es admirado por un grupo de devotos admiradores, porque ha conseguido la combinación perfecta entre la música, la animación y la historia para llevarlas a un desenlace envolvente, un mensaje de paz por encima de la guerra y de que elementos intangibles como la música o los sentimientos pueden sobreponerse a todo lo que los rodea. "El amor siempre encontrará la forma de ganar" es uno de los mensajes silenciosos de toda su obra. Sin embargo, a pesar de la admiración que siento por su trabajo, debo reconocer que no todo lo que sale de su mente son rosas.

¿Alcanzarán 25 capítulos para tantos personajes?

La saga Macross siempre ha sido la prioridad de este director, pero después de terminar Macross Zero tuvo un período de aproximadamente dos años hasta la celebración del 25 aniversario de la serie en donde no había nada que hacer más que reunir dinero para su siguiente proyecto (y convencer a los anunciantes). Así que durante el año 2004 este le puso el ojo a varios proyectos. El primero fue un contrato con la Bandai para el desarrollo de mechas de una serie particular, Eureka Seven. El segundo fue dentro de su mismo estudio, una idea "original" de "ángeles y robots" en un mundo futurista destruido por un gran "cataclismo" (¿dónde he escuchado yo eso antes?). Bueno, bajo la dirección del mismísimo Shoji Kawamori, la música de Yoko Kanno y la animación del estudio Satelight; Aquarion es transmitida por TV Tokyo (competidora de la TBS) a partir del 5 de abril del 2005. Pero esta serie fue la confirmación de que repetir la fórmula no siempre es bueno, sin importar si eres un director afamado o no.

Inicio! Spoilers!

Fin! Spoilers!

Un éxito que no debió ser...

¿Cuáles son las lecciones que podemos sacar de esta serie? La serie no es mala, la animación es muy buena, los efectos por computadora son geniales, los personajes están bien diseñados y desarrollados, el doble giro de la trama con la voltereta mortal del Árbol de la Vida fue interesante. El problema que tiene la serie es de orientación. Con tal de aprovechar el impulso y la inspiración de su pasado, Shoji Kawamori decidió desarrollar un híbrido de serie entre Real Robot y Super Robot, el cual no me caló (para los japoneses va por la tercera entrega). ¿Cómo puedo decir esto? Si uno conduce un estudio de la última década con los aficionados del género de robots (o general) la lista de las series que recuerda el público occidental poseen nombres (específicos). Tegen Toppa Gurren Lagan (una serie Super Robot invencible) todavía tiene adeptos que ponen memes periódicamente. Algunos conocedores hablan de Eureka Seven como serie destacable (lo cual es realmente meritorio por lo que involucra la serie); todavía se siguen emitiendo los OVA's de Code Geass R3 aunque la serie termino ya hace más de un lustro. Aquarion tiene secuela (Aquarion Evol) y otra en progreso; pero no existen muchos comentarios ni recuerdos en la red. ¿Cómo puede ser eso posible? ¿Qué sucedió en Occidente?

Comencemos por la premisa. ¿Qué otra serie ha tenido referencias religiosas, mechas, ángeles gigantes y una humanidad destrozada por un evento cataclísmico? Si vemos a Genesis of Aquarion como una reimaginación o un homenaje de Neon Genesis Evangelion, la serie se queda corta. No es que el clásico sea mejor, sino que la premisa carece de profundidad para causar el impacto en el espectador. Las peleas están bien animadas pero a veces son aburridas, los personajes son mejores (más profundos y mejor desarrollados aunque hace falta más trama para conocerlos mejor). En si, la serie carece de la sensación de pérdida en un final que debería ser horrible y terminal, termina con una vana esperanza en un futuro lejano. Ni siquiera la vivisección de un ángel o la muerte de un amigo deja esa sensación de pérdida, a pesar del llanto de sus hermanos ángeles o la congoja de los protagonistas (que llega a la psicosis).

Sigamos con los personajes y la trama. Los personajes están bien definidos, pero algunos son demasiado rebuscados, con poderes que no se ajustan a las necesidades de su Robot Gigante. Si, porque Aquarion es un Super Robot, los pilotos casi no usan las manos y cada minuto dicen la técnica que van a llevar a cabo, con una máquina que es completamente invencible a menos que alguna de sus partes se pierda. Poderes como la explosión del corazón, el poder de la depresión, la absorción vampírica y otros efectos son guiños al espectador para seguir la obra en lugar de invertir tiempo en explicar mejor lo que importa, la base de la trama, el amor prohibido entre un ángel (Apollonius) y una humana (Celliane). Esto incluido el giro final de la trama, donde la reencarnación de Apollonius salta indistintamente de los coprotagonistas al robot. Tal como dice Dogbert, uno queda consultado, "confundido e insultado" con el giro de la trama y el desenlace, en donde un prefiere dar la espalda en lugar de esperar 12.000 años para saber que sucede.

En tercer lugar y no menos importante, está el espinoso asunto de Macross/Robotech. El ban de Harmony Gold influye para que pocas casas intenten comprar los derechos. No es por nada que Funimation la tomara para el 2006, pero la gran pregunta es como afecta esto el desarrollo de la serie, o la inversión correspondiente. La crítica no fue gentil en occidente, pero eso sucede cuando uno enfrenta diferentes culturas con un mismo producto. Tal vez esa sea la combinación que hace que por lo menos en mis consultas esta obra me llegara de casualidad y no fuese más pervasiva en la mente popular occidental.

En conclusión, Genesis of Aquarion es un punto aparte en la carrera de Shoji Kawamori. A partir de este momento, notamos que el director no es un midas ni una mina de oro sobre la cual basar la confianza. Lamentablemente esta es una de sus pocas historias "olvidables", que se reinvindicaría dos años después con Macross Frontier, un éxito en ventas, en música y taquilla, que formó a una nueva idol en Japón y estableció una fama merecida. De aquí en adelante los proyectos que ha dirigido (AKB0048, las películas de Macross Frontier y Aquarion Evol) muestran que el afamado director ha llegado al cenit de su carrera. Ahora la pregunta es, ¿podrá superar este nadir en su carrera como lo hizo Hayao Miyazaki con Spirited Away?, ¿o caerá a la decadencia del olvido como Yoshiyuki Tomino en Gundam Recongista in G? La respuesta a esta interrogante sólo la dará el tiempo.

Deconstruyendo a Akira Toriyama

Hablar de Akira Toriyama en este momento de la historia del anime y el manga es como decir que "el agua moja la calle cuando llueve". Es improbable que alguien de esta generación no sepa nada de este reconocido autor. Solamente la existencia de Dragon Ball Z (con sus numerosas películas, las constantes repeticiones tanto de la serie original como de su resumen en Dragon Ball Kai, y por supuesto los mangas) le garantizó a este autor una merecida inmortalidad. Autores exitosos de la talla de Tite Kubo (Bleach), Masashi Kishimoto (Naruto) y Eiichiro Oda (One Piece) lo señalan como su influencia y quien los motivó a seguir el camino que los llevó al éxito. Es imposible medir el impacto de este autor en nuestro tiempo porque su trabajo ha sobrevivido la prueba del tiempo DURANTE SU VIDA y continúa entre nosotros. Casi ningún autor sea en manga o en cómic gana el reconocimiento unánime de sus pares durante su vida, este es uno de esos pocos casos. Por eso, en conmemoración de sus 60 años de transitar en este mundo (nace el 5 de abril de 1955) es conveniente considerar varios aspectos de la carrera de este artista del manga que han definido su vida (y tal vez no sepan). Dicho esto, comenzamos.

1) Akira Toriyama se convirtió en mangaka fue a través de un concurso (que perdió).

A diferencia de muchos otros mangakas que primero se hicieron profesionales antes de incursionar en el mercado del manga (ver el ejemplo de Naoko Takeuchi de fama por Sailor Moon); Akira Toriyama sabía que era lo que quería hacer el resto de su vida. En el Colegio Técnico Tatsuokoshi se enroló en el Departamento de Diseño. Apenas salió del colegio entró a trabajar como diseñador gráfico en una agencia de publicidad entre 1974 a 1977. De su trabajo en el colegio nació su amor por los mechas (aunque no lo crean), de su trabajo previo a su entrada al manga aprendió a relacionarse con el público, economía de dibujo y dibujo de ambientes. Tal como muchos él envió un arte para un concurso de la Weekly Shonen Jump para aficionados y no consiguió nada, salvo...

2) Su primera serie manga no fue Dr. Slump (y Dragon Ball menos).

Antes del éxito la vida de como mangaka Akira Toriyama estuvo rodeada del "fracaso". Fue gracias a que Kazuhiko Torishima le gustó mucho su arte que pudo entrar a la Shueisha. Sus primeros trabajos fueron cuatro one-shots; entre los que se destacan la primera y al segunda parte de Wonder Island, su primer manga para la prestigiosa revista. Durante 1978 y 1979 el autor se encontró en el nadir del dibujo hasta que finalmente consiguió la fama con Dr. Slump, la historia de un científico estilo Frankenstein y su mayor creación, Arale Norimaki. Fue tal el éxito que literalmente a sus 25 años vivía con sus padres y cuando finalizó la serie era una "superestrella del manga".

3) Dragon Ball era una reinterpretación "libre" del "Viaje al Oeste".

Por lo menos hasta la primera temporada (el primer llamado al Dragón), la historia de Son Goku y Bulma sigue en parámetros generales la historia de Sun Wukong en el Viaje al Oeste. Lo que es considerado uno de los cinco libros más importantes de la literatura china de todos los tiempos, Dragon Ball adopta varios de sus personajes para si misma; incluyendo a Oolong (Zhu Bajie), Bulma (inspirada en el monje Xuanzang), Yamcha (Sha Wujing) y Tenshinhan (inspirado en el demonio Wu Cheng'en's). Las similitudes continúan con todo el paso que lleva al primer llamado del dragón, así como en capítulos de relleno realizados para la serie (incluyendo las misiones entre Chi-chi y Goku previo a su matrimonio y la visita de Son Goku a las mujeres serpientes en el cielo en Dragon Ball Z).

4) Akira Toriyama también es diseñador de artes de diferentes juegos.

Desde 1986 (justo el inicio de Dragon Ball Z), varios productores de videojuegos se acercaron a Akira Toriyama para que produjera sus artes. Esto ha resultado que su arte sea usado en diferentes sagas tales como Dragon Quest (con diez títulos hasta el momento); Chrono Trigger (que posee segmentos de animación hechos por Toriyama para el juego) y Blue Dragon (un esfuerzo conjunto con Hinorobu Sakaguchi de fama por Final Fantasy). Toriyama no sólo es solicitado por su arte, sino por su habilidad para hacer mechas singulares.

5) Dragon Ball Z originalmente debía terminar con el triunfo de Goku contra Freezer.

Esto de seguro lo sabe muy poca gente, pero a finales de 1991 ocurrió algo de lo que poca gente habla. La serie Dragon Ball Z en manga sufrió una serie de paradas obligadas y se retrasó constantemente. Esto provocó que la serie de televisión alcanzara la serie en el manga justo en el momento crucial del final de la pelea contra Freezer. La razón detrás de esto residía en el mismo autor. Llámese frustración, cansancio o que conseguía más dinero por las regalías de televisión que por las del manga (en un momento de la pelea contra Freezer la serie de televisión supero el manga), Akira Toriyama estuvo tentado de terminar la serie con la victoria de Goku y su "muerte" en el planeta Nameku. Fue sólo una maniobra de último minuto de la Weekly Shonen Jump y un acuerdo con la Toei lo que lo convenció de continuar la serie (literalmente lo abofetearon con un fajo de billetes). Pero el acuerdo tenía una trampa, que usaron para lo que vino después.

6) Dragon Ball GT no está basado en material de Toriyama (pero si su nombre),

Si usted ha llegado hasta aquí, debo informarle que en palabras de Akira Toriyama "Dragon Ball GT es una historia alterna que continúa el trabajo original". Como parte del acuerdo, cuando Toriyama anunció que no continuaría la serie para la Shonen Jump, la Toei tomó los derechos para el relanzamiento de Dragon Ball (de la cual si hicieron una película) para lanzar esta serie. A pesar de todo la expectativa que generó, la serie se cayó en los ratings en Japón (sus 64 episodios son un claro indicativo de que los raitings comenzaron bien y fueron en picada) y un fracaso con la crítica. Considerada de "infantil, ilógica y una reducción repelente del trabajo original", la serie esta plagada de amplias incongruencias con respecto al material original, dibujo diferente de personajes y problemas de forma. Pero aún así, Toriyama no hará nada para desvirtuar esta obra. ¿Por qué? Bueno, eso sólo lo sabe el autor, pero en el mundo de los negocios se conoce como "Cláusula de No Divulgación". Lo que sea que hayan acordado no impidió crear las nuevas películas ni el esfuerzo con Dragon Ball Kai.

Sufran fanboys, esto es verídico. Goku y Naruto intercambian mitologías (y uniformes) en esta contribución entre Akira Toriyama y Masahi Kishimoto.

7) Akira Toriyama tiene una buena relación con sus admiradores mangakas en Shueisha.

Para hablar claros, Akira Toriyama es un mentor abierto y amistoso; que considera que los mangakas que colaboran junto con él para la Shueisha (la editorial de la Weekly Shonen Jump) son compañeros más que aprendices. Esto es especialmente cierto en el caso de Eiichiro Oda (con el cual hizo el crossover Cross Epoch entre Dragon Ball Z y One Piece) y Masashi Kishimoto (que en una colaboración de ilustradores hicieron un crossover entre sus personajes). Esto no es lo mismo con otros mangakas que obviamente se inspiraron en su obra pero que trabajan para la competencia (Fairy Tail de Hiro Mashima, que pertenece a la Editorial Kodansha). Con ellos la relación es en el mejor de los casos "fría".

8) Las películas de Dragon Ball de esta década son barómetros de popularidad.

Es difícil de admitir, pero la primera emisión de la serie Dragon Ball Kai no fue el éxito esperado en Japón por la Toei. Este resumen de Dragon Ball Z no sólo quedó mal hecho en algunas partes, sino que fue censurado sin misericordia (eso que esta serie era más apta para menores que su predecesora). La llegada del terremoto y tsunami de Tohoku dio por finalizada la transmisión del último episodio que traería el regreso del Trunks del futuro y la serie no fue retransmitida sino hasta varios meses después para ser engavetada en el 2011. Con la inversión millonaria en riesgo lo que hizo la Toei fue inesperado por todos. En conjunto con Akira Toriyama, el gigante de animación decidió hacer nueva una película a 17 años de la última de su clase. Dragon Ball Z: Battle of the Gods (2013) fue un éxito en taquilla (no tanto con la crítica), reactivó la transmisión de Dragon Ball Kai (que va por el capítulo de Majin Buu) y ha dejado entrever la venida de más películas (Dragon Ball Z: Resurrection 'F') así como una nueva serie de televisión. Así que si desean ver más compren entradas, consuman películas y hagan todo el ruido que puedan (ahora que los escuchan).

Personajes originales de la primera etapa de Dragon Ball, conforme las manecillas del reloj, Oolong, Bulma, Puar, Chi-Chi, Yamcha y Son Goku (sobre la nube). Dibujo original de Akira Toriyama.

9) Economía de dibujo, animales y mechas; el secreto del éxito de Toriyama.

Debido al masivo éxito de sus obras y por la experiencia de sus trabajos anteriores, Toriyama adoptó una serie de medidas que son la base de sus éxitos, por lo menos desde el punto de vista gráfico. Toda su obra posee pocos tonos y muy diferentes entre si para facilitar el coloreo (el cabello de la transformación Super Saiyan es rubio y se levanta porque es más fácil pintar de dorado que delinearlo en su estado natural) y no teme la opinión de su equipo de trabajo con tal de mejorar la obra (permite el redibujo de toda una sección si considera que queda mejor en otras manos). Además de esto sus obras están repletas de animales (ver la casa de Bulma) y de mechas (la Corporación Cápsula y los numerosos robots descritos en su serie), son parte vital de su obra. Con respecto a las historias, este va desarrollando las ideas y decide alterarlas en caso de que interfieran gráficamente (la primera transformación Super Saiyan de Goku iba a ser una reimaginación de la transformación en mono gigante tal como la hicieron en Dragon Ball GT). Pero tal vez el punto de discordia es que en ninguna de sus obras debe aparecer referencia alguna de amor (como ejemplo más vivido es la relación entre Goku y Milk, que como matrimonio parecen más amigos cercanos; o Vegetta y Bulma que apenas si tienen contacto como pareja).

10) A Akira Toriyama le disgusta dibujar su cara.

Originalmente, en la serie Dr. Slump, Akira Toriyama hizo su primer intento por hacer un autorretrato (algo común en los mangakas); pero conforme paso el tiempo comenzó a evitarlo. Muchas veces su autorretrato pasó por transformaciones, desde animales hasta transformarse en el hombre superdeforme y enmascarado que ahora caracteriza su figura (el robot Tori). La razón de esto es porque él siente demasiada vergüenza de dibujarse en alguna serie de su invención.

Feliz cumpleaños, Akira Toriyama

En el onomástico de una de las figuras que construyeron "La Era Dorada del Jump" y que ha dejado profundas marcas en la industria y en los espectadores; lo que queda por decir es que queda en las manos de Akira Toriyama ver con que continuará. Alcanzar el mayor éxito marca la vida de las personas y esto ha sido claro para muchos autores. Pocas personas olvidarán la labor de este autor en durante las siguientes décadas, pero al igual que otro grande como Hayao Miyazaki conseguir la trascendencia durante el tiempo de vida es un reto, un reto que el autor todavía no ha podido superar. Habrá que esperar para ver que más nos puede ofrecer, mientras tanto disfrutemos de Dragon Ball hasta que quedemos satisfechos (y más allá).

Biografía

Manga de Historia Autoconclusiva

Awawa World, 1977.
Mysterious Rain Jack, 1977.
Wonder Island, 1978
Wonder Island 2, 1979
Aquí la isla Highlight, 1979.
Una chica detective: Tomato, 1979.
Mad Matic, 1982.
Escape, 1982.
Pink, the rain Jack story, 1982.
Las Aventuras de Tongpoo, 1983.
Mr. Ho, 1986.
Lady Red, 1987.
Señorito Kennosuke 1987.
Sonchoh, 1988.
Mamejiro, 1988.
Tahi Mahi, 1998.

Manga de Historias Cortas

Pola & Roid, 1981.
Chobit, 1983.
Dragon Boy, 1983.
Karamaru, 1989.
Cashman, el guerrero ahorrador, 1991.
Go!Go! Ackman, 1993-1994.
Dub & Peter, 1993.
Alien Peke, 1996.
Cowa!, 1997-1998.
Kajika, 1998.
Nekomajin, 1999-2005.
Sand Land, 2000.
Cross Epoch: Dragon Ball Z One Piece, 2006-2007, junto a Eiichiro Oda.
Jiya, 2009, junto a Masakazu Katsura.
Ginga Patrol Jako, 2013.

Manga de Serialización

Dr. Slump, 1980-1985.
Dragon Ball, 1984-1995.

Otros

Taller de teatro manga de Akira Toriyama volumen 1, 1983.
Taller de teatro manga de Akira Toriyama volumen 2, 1988.
Taller de manga de Akira Toriyama, 1996.
Taller de teatro manga de Akira Toriyama volumen 3, 1997.
Tocchio, the Angel, un libro para niños.

Diseño de personajes de videojuegos

Dragon Quest
Tobal No. 1
Tobal 2
Chrono Trigger
Dragon Ball
Blue Dragon