Por supuesto, un personaje como este no puede estar lejos de una seiyuu veterana. Marina Inoue es quien le da vida a este personaje tan cautivador tanto por su belleza como por sus habilidades. En honor a ella les dejo el resto de la galería, con cosplayers comprometidas en la interpretación y por supuesto un exhuberante personaje. See ya!

Desestimar el impacto de Girls und Panzer en el primer lustro de esta década es ignorar uno de los hechos más importantes de la industria. Incluso yo me reí con ganas cuando observé tanques multicolores guiados por niñas de secundaria, la única razón por la cual le dedique tiempo a la serie fue por mi afinidad con los elementos mecánicos. Una serie de tanques en estos tiempos siempre es una apuesta peligrosa, quienes se encargaron de su animación eran amantes de los tanques y fueron fieles en la mayoría de las animaciones por computadora, por eso se ayudaron de los elementos básicos del anime para garantizarse el éxito; lolitas inocentes y un colegio en amenaza. La serie sufrió de un desastroso proceso de producción que casi la condena a no ser terminada. Lo impactante del caso es que contra todo pronóstico y en plena competencia con otras candidatas más fuertes, sus BD y DVD fueron éxito en ventas durante los siguientes meses (segundos y terceros lugar), lo que permitió que se terminara la serie.

Al final de su emisión la serie hizo millones (no yens, dolares). El éxito inesperado puso en manos de los productores un producto que no sabían como comercializar, por dicha para ellos, el manga continuaba y el público seguía consumiéndolo. Así que para calmar al público espectador ellos animaron el evento más frustrante de toda la serie, la batalla contra el Colegio Anzio. En un OVA cargado de divertidos clichés y una generosa dosis de todo lo que compone ahora el anime, esta nos estrella contra una realidad oscura de la guerra, la razón de la inutilidad italiana en la Segunda Guerra Mundial.

Director: Tsutomi Mitsushima

Productor: Kyoshi Suhiyama

Escritor: Reiko Yoshima

Música: Shiro Hamagushi

Estudio Actas

25 de Julio del 2014

El Colegio Ooarai y el Colegio Anzio se preparan para su inevitable enfrentamiento del final del capítulo 7. Lamentablemente, el Colegio Ooarai no tiene idea del arma secreta que posee su rival, así que envían a su espía Yukari para que reúna información. Entre un ambiente festivo y de celebración diario (un cliché de la forma de ser italiana), el equipo descubre que la columna vertebral de los tanques de Anzio son el Carro Veloce 33 y el Semovente P41; y su arma secreta es un Carro Armato 40 (muy parecido al Panzer IV en movilidad y poder de fuego). Con esto en mente las chicas se reúnen para las prácticas, donde el Tipo 89B hace las veces de Carro Veloce y el Panzer IV hace las veces del Carro Armato. El equipo pule sus estrategias previo a la batalla y durante la cena de discusión al estilo italiano descubren que su compañera César (artillera del equipo Hippo) tiene una amiga en el Colegio Anzio.

El día de la competencia llega, durante las presentaciones de los equipos las amigas se reencuentran (y queda en evidencia que el verdadero nombre de César es Taka). Durante el inicio de la competencia el equipo Anzio prepara una emboscada en un cruce de caminos con una serie de tanques falsos, pero gracias a una torpeza de la jefa del equipo de Carro Veloce (instalan 10 replicas de tanques menos el P40, cuando las regulaciones dicen que sólo deben tener 10 tanques por equipo); el equipo Ooarai se da cuenta de la estrategia empleada y comienza su movimiento. Usando al Tipo 89B como señuelo, este atrae a la mayoría de los Carro Veloce mientras el resto de los tanques se mueve a posiciones de batalla usando como señuelo al Panzer III de la presidenta.

Al ver su maniobra comprometida, la líder de Anzio (Duce) ordena el repliegue de sus fuerzas sin darse cuenta de que está siendo acorralada en un despeñadero. Cuando lo hace es demasiado tarde, sus tanques quedan inutilizados y con sólo la pérdida del Sturmgeschutz III (que tiene un duelo de amigas contra un Semovente P41); el Colegio Ooarai se impone en la lucha. Al final, en el mejor espíritu del Sensha-do, las niñas comparten una cena de celebración con el equipo de inspiración italiana.

Con un gran humor y mucha habilidad, Girls und Panzer: This is the Real Anzio Battle! culmina con uno de los elementos más anticlimáticos de la serie mientras explica de forma humorística como los elementos acorazados italianos eran una basura comparados con otros de otras naciones. Sólo el Semovente y el Carro Armato eran los únicos tanques de poder que podían hacer frente a algún rival. Incluso el Tipo 89B (que era inferior al Grant y al Sherman) pudo hacerse cargo por si solo de los Carros Veloce, eso dice mucho. Esta precisión y documentación, combinada con la buena animación y una simpática presentación; Girls un Panzer nos deja una lección de historia con un suspiro. Esta es la razón por la cual sigo la serie, aunque sea de los pocos en occidente que lo haga. Porque la esencia de una serie es el amor que ponen sus productores para su realización, y aunque no lo crean Girls und Panzer es una obra de amor disfrazada de un anime de producción. Por eso si se quieren divertir, les recomiendo que la vean (de nuevo).

Chicas al mando de mechas

Los pequeños matices los que hacen la diferencia entre una serie que habla de lo mismo y una que innova lo ya conocido. Esta fue la imagen que me dejó Cross Ange: Tenshi to Ryū no Rondo, que mezcla un poco del clásico estilo mecha (con un matiz distinto y algo superficial) con el atractivo y moderno estilo ecchi; con una historia peculiar e interesante y una serie de seductores e interesantes personajes.

Ahora, generalmente cuando veo una serie ecchi llena de chicas en trajes reveladores pienso que no será nada interesante o fuera de lo esperado, sólo será un montón de oppai saltando de aquí a allá y escenas calientes sin mucha profundidad; sin embargo, la mezcla de yuri, ecchi, mecha y hasta un poco de romance con una buena historia (que personalmente me agradó mucho) le da a esta serie una trama cautivadora, que incita no sólo a sentir interés por las voluptuosas y curvilíneas protagonistas, sino por el cómo la historia se desenlaza y cómo se va tejiendo una trama fantasiosa e inteligente.

Las Norma

En el universo de la serie -que luego se vuelve un multiverso-, los humanos han llegado a lograr una aparente utopía, forjada por aquellos individuos capaces de utilizar mana, una especie de energía vital que permite a los humanos extender sus sentidos más allá de lo físicamente posible. Por el contrario, las Norma, cuya única diferencia con los humanos es su imposibilidad de utilizar mana, situación especial que solo afecta a las mujeres, por lo que todas y cada una de las Norma son chicas. Para la raza humana, el mana se toma como la fuerza vital que provee sabiduría, civilización e inteligencia; bajo esta premisa, las Norma son categorizadas como animales violentos y peligrosos, que deben ser aislados como criminales, por el simple pecado de haber nacido sin esta habilidad.

Los Dragon

Como resultado de su personalidad salvaje y poco civilizada, las Norma son enviadas a una lejana isla llamada Arzenal donde viven para cumplir un único objetivo: combatir y matar a los dragon, criaturas de distintos tamaños y formas que aparecen en un tipo agujeros dimensionales; es decir, el trabajo de las Norma es morir protegiendo a los humanos que tanto las desprecian. Los dragon más grandes poseen habilidades especiales que los convierten en seres realmente peligrosos, lanzar rayos que incineran todo a su paso, controlar la gravedad a su alrededor y protegerse a sí mismos con escudos de energía son algunas de esas habilidades.

La batalla contra los Dragon no es del todo trabajo forzoso: cada batalla y cada tipo de dragon tiene un valor económico y por lo tanto, las chicas son pagadas de acuerdo a la cantidad y calidad de criaturas que han eliminado. Éste dinero lo pueden utilizar para cualquier cosa que deseen, siempre y cuando no esté más allá del límite de la isla.

Arzenal: la isla harem

La isla cuartel donde viven las Norma las confina de toda relación con el exterior; además, como no existe presencia masculina dentro de este mundo, estas chicas se ven obligadas a liberar sus deseos con sus compañeras, lo que convierte a este pequeño trozo de tierra en un enorme harem de chicas calientes con nada más que chicas para desahogarse. Además, como las Norma son prácticamente objetos, aquellas con dinero suficiente pueden comprar a otras chicas y poseerlas como su juguete viviente, además de darse algunos lujos como una habitación pomposa, alimentos finos y armas para sus Para-mail.

La princesa vergonzosa

La protagonista de nuestra serie, Angelise Ikaruga Misurugi, nació en una familia de la más alta clase, para ser más específico, en la familia real Misurugi; que tiene a su cargo una ciudad completa y una enorme fortuna y fama. A los 15 años de edad, como princesa de la familia debe pasar por el proceso de coronación, una especie de ritual que la convierte en mujer adulta, capaz de reinar y de tener voto en cualquier decisión referente a la familia real. Mientras se realizaba ese ritual, se descubre que la amada princesa es una Norma.

Envuelta en una serie de trágicos eventos, la revelación de nuestra princesa llega a convertirse en el desencadenante del mayor cambio en su vida; es condenada y enviada a Arzenal, donde se ve obligada a adaptarse y dejar atrás su lujosa vida para llevar una al estilo "matar o morir". En ese lugar se ve obligada a cambiar por completo su forma de vida y su actitud para con las personas, siendo objeto de continuas agresiones y limitaciones; primero, la humillan con un examen corporal que nunca hubiese imaginado, luego, reducen su nombre a Ange, además, la obligan a vestir de cierta forma (una bastante reveladora por cierto) para poder operar su máquina asignada; todo esto como el giro de 360 grados que su vida daría.

Los Para-mail

Las armas que utilizan las chicas de nuestra serie se llaman Para-mail, una especie de aeronave de guerra que puede cambiar de forma a una más al estilo mecha, un robot antropomorfo cargado de armas y tecnología de punta. El origen de estas naves es del todo impresionante, explicado conforme se desarrolla la serie y que responde muchísimas preguntas que surgen al inicio.

Aunque los Para-mail son básicamente robots de guerra, existe uno de ellos que es especial, el Villkiss, conducido por nuestra princesa desterrada. Villkiss posee habilidades especiales que le hacen superior a cualquier otro de su tipo; sin embargo, ninguna chica ha logrado conducirlo de forma exitosa; esto hasta que la desdichada Ange es asignada a esta nave.

Cuando se aclara la historia detrás de los Para-mail; más importante aún, del Villkiss, se da origen a un giro inesperado en la trama que da comienzo al clímax de toda la serie, lleno de eventos emocionantes y luchas inesperadas.

Mi opinión

Cuando comienzo una serie con una buena dosis de "trama", me predispongo a pensar: "una serie donde sólo se verá pechos con una historia obvia y predecible girando alrededor de los atributos corporales de las chicas... Nada interesante...". Sin embargo, contrario a lo que esperaba, esta serie me logró enganchar con su historia; que desde el primer capítulo deja ese sentimiento de "¿y ahora qué?" que te hace continuar con el capítulo siguiente y el siguiente sin cansancio.

La calidad de la animación es impecable, con algunos efectos computarizados que no opacan la animación en general y una excelente fluidez en los movimientos de cada elemento. En general le daría 10 puntos de 10 al tema animación.

Por último, el desarrollo de la trama me deja un buen sabor; en realidad me impresionó y me dio más de lo que esperaba, con una serie de sucesos emocionantes y un buen balance entre una historia bien pensada y un buen nivel de ecchi. Sin duda merecedora de un lugar en el "top 10" de las mejores series de su temporada.

El origen de la nave espacial invencible

El género de los robots gigantes es uno de los tradicionales de la historia del anime. Popularizado por Go Nagai a través de su eterno Mazinger Z (aunque por supuesto no fue el primer intento), el éxito derivo en que el género se repitiera a lo largo de la década de los setentas y la mitad de los ochenta, con más o menos el mismo nivel de éxito. Soy lo suficientemente viejo para recordar con cariño muchas de esas series, aunque debo admitir que en este momento de mi vida, su inmadurez y el eterno triunfo del bien sobre las fuerzas del mal me parece de lo más aburrido. Por supuesto, para todo hay público, todavía existe mucha gente que le gusta que los buenos le metan la espada por media vida al malvado y lo hagan pagar por su oposición. Pero, uno de los géneros mecha que permaneció descendió al olvido gracias a este triunfo es uno que se repite constantemente en Japón, la invencible nave espacial gigante.

Space Battleship Yamato por supuesto es la quintaesencia de este género. De la mano de Leiji Matsumoto y Noboru Ichiguro; el sueño japones de revivir su maravilloso acorazado Yamato hundido en la Segunda Guerra Mundial por el poderío aéreo americano es un reflejo del Dai-Nippon, que pudo conquistar el Pacífico en seis meses antes de ser aplastado por los americanos (si uno ve a través de los sinónimos de una tecnología superior al borde de la derrota uno puede leer el alma de sus autores y de Japón en general luego de la derrota). Por supuesto, la nave invencible quedó grabada en el imaginario de Leiji Matsumoto, que a través de Captain Harlock hizo manifiesto su deseo de superar su anterior relato, sobre el cual ya no poseía derechos y se veía obligado a continuar colaborando.

Arcadia fue mi primera nave invencible, después de todo si eras un niño a mediados de los 80 hubieses dado todo para viajar en el espacio, recorrerlo como un rebelde en una nave que era invencible y no había forma de pararla. Pero no ha sido ni la última ni la única. Ya sea la Nadesico y su variopinta tripulación (Martial Succesors Nadesico); la tripulación valerosa del Amaterasu (Starship Operators), el valeroso harem de Outlaw Star o la variopinta tripulación de la Nirvana (Vandread); todas estas series regresan a una era donde una nave consigue la victoria (aunque con la ayuda de mechas que lo ayudan). Pero de entre estas series, una de las que ha "desaparecido" es Sol Bianca. Su primera adaptación fue la de un OVA de dos partes que salió a principios de los noventa. Pero la AIC, viendo la posibilidad de sacar provecho, hizo la inversión para salir con un OVA a finales de la década de los noventa. De la mano de Hiroyuki Ochi y bajo el talento creativo de la AIC, Sol Bianca: The Legacy sale a la venta al mercado entre el 24 de setiembre de 1999 al 25 de mayo del 2000. Con una combinación de efectos en 3D poco comunes para su época, la historia cautiva con su premisa pero aleja a mucho de su público. Porque es muy agresivo contra el sexo masculino.

Mayo es una pequeña huérfana que vive en un planeta al borde de la frontera, el cual ha estado habitando desde la Era de la Frontera. Como es una niña tímida y maltratada, ella observa durante la noche como aterriza una nave en el firmamento. Su advertencia le gana dormir a la intemperie, pero al día siguiente observa a una mujer extraña rondando las locaciones. Tal como lo sospecha, ella es una de las tripulantes de una nave espacial, la Sol Bianca, las cuales han llegado al planeta para recuperar una pieza de tecnología perdida (más bien se las robaron). Sus tripulantes llegan a la subasta justo cuando un misterioso representante de la tierra llamado Gyunter reclama el arma. Las jóvenes deben abrirse paso entre los traficantes y los representantes de la Tierra para escapar con el arma; y llaman por control remoto a la Sol Bianca. Con la ayuda del sistema automático de tiro de la nave logran escapar de la persecución, pero se dan cuenta demasiado tarde que tienen una polizonte. En el despegue de la nave Mayo encontró la forma de colarse y les pide que la lleven a la Tierra para reencontrarse con sus padres.

Ojo! Spoilers!

Las piratas del Sol Bianca se dirigen a Consegra, un planeta dominado por una maldición. En la Era de la Fontera existía una colonia exitosa estacionada en el planeta, pero lamentablemente el proceso de terraformación no funcionó como se debía y ahora es un planeta desierto. Por un accidente, Mayo y Jun quedan separadas del grupo e investigan en las inmediaciones. Ambas pasan una serie de pruebas relacionadas con la obra inmortal de Dante Alighieri, la Divina Comedia. Jun tiene la esperanza de conseguir un gran tesoro al final de las pruebas, pero se encuentra con la súplica de un fantasma holográfico. Resulta que la joven era la prometida del científico principal del proyecto de terraformación del planeta. El fracaso lo volvió violento, abusivo y retraído; ella se suicidó por la soledad y la desesperación. Como no pudo aceptarlo, el científico puso su memoria en la computadora y la condenó a esperar su desactivación. Sin embargo, las fuerzas de la tierra llegan al planeta y destruyen la semilla. Mientras Jun se lamenta por no haber salvado el holograma descubrimos que ella es la androide y la navegante de la Sol Bianca.

Ojo! Spoilers!

La Sol Bianca pierde a las fuerzas de la tierra y se estacionan en un puesto comercial para reabastecerse y reparar daños. Janni sale a las inmediaciones para comprar armamento de última generación, pero se entera por las noticias que un terrorista conocido como Booster ha tomado la Sol Bianca para usarla en sus planes. Debido a que las fuerzas de seguridad del planeta deben ser pagadas para llevar a cabo algún trabajo Janni se presenta en el puerto armada y lista para la acción. Con la ayuda de Gwen, un agente privado con un asunto personal con Booster. Ambos enfrentan monstruos mecánicos y las habilidades psíquicas del criminal, pero es gracias a la tecnología de la Fontera (en la forma del arma que recuperaron antes) que Janni puede terminar con Booster a costa de la vida de Gwen. Así es como se da cuenta de que ambos son hermanos, los cuales mueren de la mano.

Ojo! Spoilers!

La siguiente escala de Sol Bianca es un refugio pirata, donde las muchachas conocen al grupo de Percy, un pirata que admira su historial. Juno, Janni y Mayo aprovechan para ir a un parque de dimensiones, lo que deja a Abril y Feb a frecuentar hombres. Abril y Percy comienzan una relación (que sellan haciendo el amor en gravedad cero) mientras que Feb rechaza a su cita porque desea aprovecharse de ella. Cuando descubre lo que ha hecho Abril y se lo recrimina, ella la golpea y Feb abandona la nave. La verdad es que ella siempre ha estado enamorada de Abril y no puede soportar la verdad, que ella no está interesada de esa forma. En el bar se encuentra con Gyunter, el cual se la lleva a su nave. La tripulación del Sol Bianca y los piratas de Percy se combinan para rescatarla, pero fallan en la misión; Feb se queda con las fuerzas de la Tierra y los piratas mueren excepto Percy.

Ojo! Spoilers!

April se deprime por el fracaso en la operación de rescate y las jóvenes se reclaman por su fracaso, pero ya no tienen tiempo. La Sol Bianca llega a la Tierra y descubren que está cubierta por un cascaron del diámetro de la Tierra y la Luna, una estructura colonial llamada Lotus (como la semilla del olvido en la Odisea). El equipo se divide, Jun y Mayo visitan a la hermana de la madre de Jun, que le informa que sus padres murieron en un descenso a la Tierra. Mientras tanto, April, Janni y Percy van a rescatar a Feb a la casa de Gyunter. Lamentablemente, Gyunter maneja la situación, informa al almirante principal de la Tierra sobre la llegada del Sol Bianca, toma el control de la nave y deshabilita a Jun. La operación de rescate fracasa porque Gyunter ha informado a las autoridades del ataque y porque Feb no desea volver (mostrando una arma más de la era de la frontera, propiedad de Gyunter). A Mayo le ofrecen quedarse en casa de su tía, pero ella decide acompañar al Sol Bianca, socorre a Jun y todos regresan a la nave, que inicia una picada hacia la Tierra.

Ojo! Spoilers!

Las fuerzas de la Federación persiguen sin descanso a la Sol Bianca, que queda destrozada por los cruceros a su estela y por un cañón satelital que cuelga del interior de Lotus. Percy muere por sus heridas y le entrega a Abril su más preciada posesión, una roca del sol. Con la integridad de la nave comprometida, sus operadoras heridas y a punto de ser capturada; Gyunter dispara un arma nuclear que destroza el cañón satelital. Para la sorpresa de todas las fuerzas de la Tierra, la Sol Bianca vuelve en línea y comienza a regenerarse; para disparar su arma principal y mutilar a la mayor parte de la flota e inicia su descenso a la Tierra ante las solicitudes de rendición y retirada de las fuerzas que las atacaron.

Ojo! Spoilers! 

En el planeta Tierra, Abril se sorprende al descubrir a Gyunter que le cuenta de su pasado. Él era un explorador de la Era de la Frontera que regresó a la Tierra con la esperanza de encontrar el planeta verde pero en su lugar encontró un desierto yermo. Cuando ve el arma de Abril le pregunta si es hija de Hilda (la madre adoptiva de la muchacha). Aunque lo niega, él admite que ella lo sacó del planeta, que es su digna sucesora y le entrega su arma de frontera. Las muchachas se reúnen en torno a su nave y como reconocimiento a su ayuda en batalla, Abril entrega el arma de frontera a Mayo, que se integra como una nueva tripulante con todos los derechos de la nave del sol.

Fin! Spoilers!

Los tres pilares del género de nave espacial

No es de extrañar que al ver Sol Bianca uno pueda asociarla de inmediato con Captain Harlock o Space Battleship Yamato; en todos los sentidos. En primer lugar, la Sol Bianca es una nave mítica que permaneció perdida sobre la órbita de un planeta hasta que finalmente "fue encontrada" por Abril. Con capacidades imposibles y fuera del espectro (que incluye la regeneración de sus partes y una emisión de energía monumental en la forma de un holograma de Afrodita con su arco); la nave sobrevive toda clase de problemas durante su emisión e impone su poder.

La tripulación de la Sol Bianca; de izquierda a derecha Jun Ashel, Feb Fall, Mayo Jessica (abajo), Janni Mann y Abril Bikirk.

La efectividad de la nave depende de su tripulación, y en el mejor de los casos la Sol Bianca en ese aspecto es "caótica". En otra muestra del género, la tripulación es variopinta (sólo comparten el sexo femenino), con personalidades definidas que le dan un sabor especial a la tripulación. Cada una de las tripulantes tiene sus pros y sus contras, pero es la camaradería entre ellas lo que les permite permanecer unidas a pesar de los vicios, el alcoholismo, el amor, las dudas y el dolor de la muerte. Con el nombre de un mes del año, cada una de las tripulantes le da consistencia a la nave y le permite sobreponerse a todos los peligros.


Por último, Sol Bianca nos muestra una Tierra en decadencia (la que siempre será el hogar de las naves invencibles). Años de temor y de miedo a lo desconocido a esparcido a la humanidad en el espacio y la Tierra ha sido cubierta por una estructura que impide ver lo que sucedió en la superficie (es yerma). El status quo intenta por todos los medios ocultar la verdad de los medios, pero al mismo tiempo intentan hacerse a mano con la tecnología perdida que representa la mano. Esta contradicción siempre nos lleva al combate final, donde superada en número y en poder la nave invencible se impone por encima de toda lógica a sus enemigos, renace de sus cenizas y continúa sus aventuras (dónde he visto ese argumento antes).


En fin, a pesar de la inversión en 3D para la época, la excelente animación y la inversión en presupuesto, Sol Bianca: The Legacy como OVA quedó en el olvido de los aficionados. ¿Por qué? Se puede echar la culpa a su tripulación femenina, al hecho de que el enemigo principal no recibe su merecido o que en ciertos tramos se vuelve confusa. La serie (que de por si es un remake) queda en las videotecas más selectas, en los ojos de quien la vimos y nos maravillamos por lo que la tecnología de ese entonces podía ofrecer. Para los demás nos queda esto de reflexión, no siempre las cosas que nos gustan sobreviven en el tiempo. Los aficionados de principios del imperio debíamos hacer hasta lo imposible para conseguirlas (las vi por primera vez como una grabación VHS en japones sin subtítulos). Sólo espero de todo corazón que las series de naves gigantes vuelvan, aunque sea para entretener mis recuerdos.

El círculo de la vida en la industria anime

Gundam Recongista in G es el primer anime y el primer Gundam que dejo abandonado en mi vida. Siempre le he dado oportunidad a todos los animes, mi política es verlos hasta el final sin importar que tan deplorables sean. Pero mi mente no tenía que imaginarse como iban al baño los pilotos de Mobile Suits. Una silla de vuelo no es un baño portátil, o que los astronautas usan pañales. Eso combinado con otros numerosos horrores (animación barata, trama horrible y enredada, elementos trillados al mejor estilo Tomino) me hizo lamentar la decisión de ver la serie. Lo que puede ser la despedida final de Yoshiyuki Tomino de la animación me hizo volver a las raíces de la serie. Mi amigo Victor Otaku me puso sobre la pista de un detalle que nos llamó la atención. Kenichi Yoshida, el diseñador de los personajes de esta serie, es un afamado que ya había trabajado para Studio Ghibli. para Gainax y para el mismo Yoshiyuki Tomino; se prestó ante uno de los mentores que le dio su oportunidad para devolverle la titularidad que había perdido (llevaba desde las películas de Z Gundam de no dirigir nada). Pero con 26 episodios este esfuerzo bien pudo haber quedado como una nota de pie de página para él como haber acabado con la carrera de todos los involucrados. Lo que me deja perplejo es que uno de los animes en los que participó fue uno de los gritos antiguerra más sublimes de este milenio.

Eureka Seven es una de las últimas series de corte anual de este milenio. Este esfuerzo conjunto de Studio Bones con Bandai Entertainment refleja la confusión que produjo la llegada de una serie como Gundam SEED a esta década. Originalmente iba a ser una serie conjunta con diseños de Shoji Kawamori, con la llegada del director Tomoki Kyoda y el escritor Dai Sato tiraron toda esa idea a la basura por la competencia de Studio Satelight en la misma temporada. Lanzada a partir del 17 de abril del 2005 (dos semanas después de su competencia directa) en la cadena TBS, Eureka Seven llegó al público como una serie más de mechas, que a través de su largo año de emisión se transformaría y superaría a las series de mecha de esas fechas; no tanto por sus elementos mecánicos sino por su argumento. Porque a diferencia de otras series, los héroes son unos surfos inadaptados y anarquistas.

En un Japón que todavía idolatra a la guerra en todas sus formas, Eureka Seven es un grito de paz. Anti-militar, irreverente, rebelde y basada en la cultura del surf, la tripulación del Gekko-Go tiene como único objetivo encontrar una forma pacífica de convivir con el desastre natural que los rodea. Los personajes más que una reunión son una colisión de personalidades que explota en un sinfín de situaciones que son difíciles de comprender a menos que uno habite el espacio estado de la nave. Con al menos cuatro parejas "estables" (es implícito durante toda la obra que toda pareja hombre mujer excepto la de Renton y Eureka tienen o han tenido sexo en alguna parte de la obra), un líder irresponsable, una tripulación variopinta pero muy exigente, el Gekko-Go vuela por todo el mundo llevando la misión de abrir los ojos del mundo a la realidad, de que la labor de los militares destruye el tenue equilibrio del mundo, que ha sido invadido por el Scub.

Durante el camino que lleva a la salvación del mundo (como es típico), el espectador enfrenta el crecimiento de la tripulación que evoluciona de acuerdo a las circunstancias. La maternidad de Talho transforma a la piloto atrevida e irresponsable en una figura adulta que irradia tranquilidad y respeto; a diferencia de Holland, que se sacrifica con tal de darle una oportunidad a su futuro hijo de sobrevivir el horror del mundo que lo rodea. A lo largo de la obra, todos los personajes en el Gekko State evolucionan, guiados por el cambio tanto de Renton como Eureka al iniciar su relación como pareja. Con ellos como guía; vemos a través de sus ojos el horror que produce la discriminación, el temor a lo desconocido y la volatilidad del ser humano ante lo que no entiende. De esto se aprovecha un villano soberbio como Dewey, que confiado muere sabiendo que su plan ya se ha puesto en marcha. Porque los mejores villanos a mi concepto son los que pueden lleva a cabo su plan aún con la intervención de los héroes.

En un mundo apocalíptico, ante la magnitud de un desastre ecológico que es símil a nuestra situación actual; Eureka Seven usa el formato de una serie híbrida de robots para narrarnos una historia universal. Los problemas del mundo no se resuelven atacando o destruyendo; se resuelven con cooperación y entendimiento entre las partes. A través de numerosos golpes y malos entendidos, Renton se adapta a la vida con las personas que tanto admira, consigue el amor y a través de esto consigue detener el final de su mundo. Durante su crecimiento este humaniza a una criatura como Eureka, consigue el cambio de corazón de la tripulación y enfrenta los temores. Tras esto llega una historia de superación y de madurez, en la cual los niños se vuelven adultos y los adultos dan vida a una nueva generación, dando un giro completo al círculo de la vida.

En primer plano Maeter disfrutando topless de la playa, cortesía de Eureka Seven: AO

Este círculo también se puede aplicar para la industria de anime, incluso para esta obra. Para su segunda temporada, tentados por el éxito los productores de Eureka Seven: AO reunieron al director sin su equipo creativo y por esto el producto resultante fue ajeno a su predecesora. Predispuesta al fanservice, más ligera y menos compleja, la serie quedó como un guiño de ojo para los aficionados que esperaban más. Esto es lo que suele suceder con los creadores cuando llegan a cierta edad. En este momento muchas de las grandes animadores de los 70's y 80's se dirigen al oscurantismo y al retiro; nombres de la talla como Hayao Miyazaki, Leiji Matsumoto o Yoshiyuki Tomino sólo quedan en los recuerdos mientras sus vidas se extinguen o prefieren el retiro. En estos tiempos de cambio, debemos abrir los ojos al evento de la vida, con una nueva generación de animadores que siguen su camino. Por esto es buen recordar la transición a la siguiente década, donde el mercadeo se impone y las leyendas quedan suspendidas allí... para nuestros recuerdos.

Los niños de Eureka Seven en la cuarta temporada, de izquierda a derecha Eureka, Maurice, Link, Maeter y Renton Thorston.

Bueno, demasiados personajes. En primer plano la forma Solar Aquarion (la forma principal de la serie). En el centro, de izquierda a derecha, arriba Pierre Vieira, Reika Hong, Rena Rune, Sirius de Alisia y Jun Lee; abajo Tsugumi Rosenmeir, Apollo, Silvia de Alisia. Abajo los módulos del Aquarion, Vector Mars, Vector Sol y Vector Luna.

Los quince minutos de fama alcanzan hasta...

Shoji Kawamori es sinónimo de éxito, bueno por lo menos lo era a la vuelta de este siglo. Sólo la existencia de toda la saga Macross le ha garantizado una inmortalidad merecida tanto de este como del otro lado del Pacífico. Uno de los diseñadores de mechas más prolíficos de esta generación, un director reconocido con un distintivo tono positivo para todas sus historias y uno de los grandes cuenta cuentos del anime; su trabajo es admirado por un grupo de devotos admiradores, porque ha conseguido la combinación perfecta entre la música, la animación y la historia para llevarlas a un desenlace envolvente, un mensaje de paz por encima de la guerra y de que elementos intangibles como la música o los sentimientos pueden sobreponerse a todo lo que los rodea. "El amor siempre encontrará la forma de ganar" es uno de los mensajes silenciosos de toda su obra. Sin embargo, a pesar de la admiración que siento por su trabajo, debo reconocer que no todo lo que sale de su mente son rosas.

¿Alcanzarán 25 capítulos para tantos personajes?

La saga Macross siempre ha sido la prioridad de este director, pero después de terminar Macross Zero tuvo un período de aproximadamente dos años hasta la celebración del 25 aniversario de la serie en donde no había nada que hacer más que reunir dinero para su siguiente proyecto (y convencer a los anunciantes). Así que durante el año 2004 este le puso el ojo a varios proyectos. El primero fue un contrato con la Bandai para el desarrollo de mechas de una serie particular, Eureka Seven. El segundo fue dentro de su mismo estudio, una idea "original" de "ángeles y robots" en un mundo futurista destruido por un gran "cataclismo" (¿dónde he escuchado yo eso antes?). Bueno, bajo la dirección del mismísimo Shoji Kawamori, la música de Yoko Kanno y la animación del estudio Satelight; Aquarion es transmitida por TV Tokyo (competidora de la TBS) a partir del 5 de abril del 2005. Pero esta serie fue la confirmación de que repetir la fórmula no siempre es bueno, sin importar si eres un director afamado o no.

Inicio! Spoilers!

Fin! Spoilers!

Un éxito que no debió ser...

¿Cuáles son las lecciones que podemos sacar de esta serie? La serie no es mala, la animación es muy buena, los efectos por computadora son geniales, los personajes están bien diseñados y desarrollados, el doble giro de la trama con la voltereta mortal del Árbol de la Vida fue interesante. El problema que tiene la serie es de orientación. Con tal de aprovechar el impulso y la inspiración de su pasado, Shoji Kawamori decidió desarrollar un híbrido de serie entre Real Robot y Super Robot, el cual no me caló (para los japoneses va por la tercera entrega). ¿Cómo puedo decir esto? Si uno conduce un estudio de la última década con los aficionados del género de robots (o general) la lista de las series que recuerda el público occidental poseen nombres (específicos). Tegen Toppa Gurren Lagan (una serie Super Robot invencible) todavía tiene adeptos que ponen memes periódicamente. Algunos conocedores hablan de Eureka Seven como serie destacable (lo cual es realmente meritorio por lo que involucra la serie); todavía se siguen emitiendo los OVA's de Code Geass R3 aunque la serie termino ya hace más de un lustro. Aquarion tiene secuela (Aquarion Evol) y otra en progreso; pero no existen muchos comentarios ni recuerdos en la red. ¿Cómo puede ser eso posible? ¿Qué sucedió en Occidente?

Comencemos por la premisa. ¿Qué otra serie ha tenido referencias religiosas, mechas, ángeles gigantes y una humanidad destrozada por un evento cataclísmico? Si vemos a Genesis of Aquarion como una reimaginación o un homenaje de Neon Genesis Evangelion, la serie se queda corta. No es que el clásico sea mejor, sino que la premisa carece de profundidad para causar el impacto en el espectador. Las peleas están bien animadas pero a veces son aburridas, los personajes son mejores (más profundos y mejor desarrollados aunque hace falta más trama para conocerlos mejor). En si, la serie carece de la sensación de pérdida en un final que debería ser horrible y terminal, termina con una vana esperanza en un futuro lejano. Ni siquiera la vivisección de un ángel o la muerte de un amigo deja esa sensación de pérdida, a pesar del llanto de sus hermanos ángeles o la congoja de los protagonistas (que llega a la psicosis).

Sigamos con los personajes y la trama. Los personajes están bien definidos, pero algunos son demasiado rebuscados, con poderes que no se ajustan a las necesidades de su Robot Gigante. Si, porque Aquarion es un Super Robot, los pilotos casi no usan las manos y cada minuto dicen la técnica que van a llevar a cabo, con una máquina que es completamente invencible a menos que alguna de sus partes se pierda. Poderes como la explosión del corazón, el poder de la depresión, la absorción vampírica y otros efectos son guiños al espectador para seguir la obra en lugar de invertir tiempo en explicar mejor lo que importa, la base de la trama, el amor prohibido entre un ángel (Apollonius) y una humana (Celliane). Esto incluido el giro final de la trama, donde la reencarnación de Apollonius salta indistintamente de los coprotagonistas al robot. Tal como dice Dogbert, uno queda consultado, "confundido e insultado" con el giro de la trama y el desenlace, en donde un prefiere dar la espalda en lugar de esperar 12.000 años para saber que sucede.

En tercer lugar y no menos importante, está el espinoso asunto de Macross/Robotech. El ban de Harmony Gold influye para que pocas casas intenten comprar los derechos. No es por nada que Funimation la tomara para el 2006, pero la gran pregunta es como afecta esto el desarrollo de la serie, o la inversión correspondiente. La crítica no fue gentil en occidente, pero eso sucede cuando uno enfrenta diferentes culturas con un mismo producto. Tal vez esa sea la combinación que hace que por lo menos en mis consultas esta obra me llegara de casualidad y no fuese más pervasiva en la mente popular occidental.

En conclusión, Genesis of Aquarion es un punto aparte en la carrera de Shoji Kawamori. A partir de este momento, notamos que el director no es un midas ni una mina de oro sobre la cual basar la confianza. Lamentablemente esta es una de sus pocas historias "olvidables", que se reinvindicaría dos años después con Macross Frontier, un éxito en ventas, en música y taquilla, que formó a una nueva idol en Japón y estableció una fama merecida. De aquí en adelante los proyectos que ha dirigido (AKB0048, las películas de Macross Frontier y Aquarion Evol) muestran que el afamado director ha llegado al cenit de su carrera. Ahora la pregunta es, ¿podrá superar este nadir en su carrera como lo hizo Hayao Miyazaki con Spirited Away?, ¿o caerá a la decadencia del olvido como Yoshiyuki Tomino en Gundam Recongista in G? La respuesta a esta interrogante sólo la dará el tiempo.

En el 2010 se produjo una revolución. Los fans encontraron emocionados una serie que combinaba dos géneros perfectamente establecidos del anime. Basado en el que era un exitoso manga, HOTD impactó en el corazón de los fans por su descarada combinación de sexualidad y sangre, muerte y vida (a través del harem). Aunque los puristas del género de zombies la detestan, la verdad es una serie bastante deficiente en muchos puntos, la combinación de géneros dejó una huella profunda en muchos fans que lo único que han sabido hacer desde entonces es preguntar "¿Va a haber segunda temporada?". Es tan seguro que habrá segunda temporada como que el infierno de Dante se congele. Disputas contractuales con respecto a los derechos ha enemistado a los hermanos y ha puesto la historia en el odioso hiatus.

Hace veinte años, la carrera de un gran director de animación llegó a su punto cumbre para luego decaer a un ignominioso final. No es que muriera, ni fuese poco exitoso. Simplemente, en su intento de ser independiente, Toshiki Hirano se transformó en un afamado director de animación durante la década de los 80, con éxitos de venta por video como Iczer. Por esto, para su último proyecto en OVA de la década de los noventa, él decidió tentar los convencionalismos de la época y llevarlos al extremo. Iczer Girl Iczelion (que combina mecha con horror) viene de su puño y mano, tanto en el diseño de personajes como en la dirección. Producida por la casa de animación AIC, es liberada al mercado de video en 1994. Y definitivamente se nota su mano en toda la producción.

Inicio! Spoilers!

Nagisa Kai es una chiquilla cualquiera de Japón con un loco sueño, convertirse en luchadora libre. Sin embargo, de la nada, un buen día aparece un mecha extraño que le dice que debe unirse con ella para poder escapar de una dimensión extraña donde una criatura las amenaza. Sin saber mucho de lo que está sucediendo, ambos hacen una fusión (Charging Up) y esta se transforma en Iczelion. Luego de derrotar a su rival, ella enfrenta a Cross, una de las líderes de las máquinas cyborg que cazan y persiguen a los de su clase. A pesar de la asistencia de la Black Iczelion, Nagisa no desea la responsabilidad y rechaza la unión con su Iczelion. De la muerte solo la salva Silver Iczelion, que junto con Gold Iczelion y Black hacen retroceder a la criatura. Pero luego llega su hermano, Chaos, el cual escapa con su hermana y planea una estrategia para su diversión.

Ojo! Spoilers!

Cross sigue obsesionada con cazar a Nagisa. Por esto su hermano diseña una estrategia donde los Void (sus guardaespaldas) atacan a sus compañeras de equipo y la separan para dejarla a solas con su hermana. Mientras sus compañeras luchan, Nagisa huye sin saber que es lo que debe hacer. Pero las palabras de Kawai (luchamos para proteger lo que nos es preciado) y ver a sus amigas masacradas para la diversión de Cross le devuelven el espíritu de lucha. Con renovada energía, Nagisa derrota a Cross, cuyo espíritu abandona su cuerpo y posesiona los restos de uno de los void. Las cuatro deben combinarse para destruirlos, lo cual vuelve loco a Chaos que ordena a todos los geas atacar al equipo. Cuando Nagisa se despide de sus amigas, ella les pide que la llamen Iczelion, y parte a pelear una batalla cuesta arriba con el destino de la tierra en sus manos.

Fin! Spoilers!

Esta obra, para ser sinceros, no define nada. No aporta nada, no ofrece nada nuevo, no trae nada nuevo. Las breves ocasiones en que alguien podría excitarse de ver a una de las protagonistas usando el uniforme son demasiado breves. La versión que pude salvar es una en formato RM que algún irresponsable grabó en la peor definición posible (la vi en video), así que es lo peor que puedo conseguir. Pero la verdad, en su momento me impresionó mucho. Después de todo, el concepto del Iczer tiene mucho que ver con los esfuerzos que hace el US Army para conseguir una armadura estilo Ironman. De la misma era de Tekkaman y Detonador Orgun, la serie de bajo presupuesto muestra un futuro donde con una armadura se puede conseguir cualquier cosa, incluyendo pelear contra una flota invasora de malos (bien malotes) que pretenden destruir la felicidad de la Tierra. Pero el concepto siempre queda en la mente, tanto que en la actualidad existe un equilibrio entre equipos personales (Strike Witches) y mechas a la vieja usanza (Gundam 00); y eso fue hace cinco años. Algún día los aficionados sabremos cuál de las dos tendencias obtendrá la victoria en este mundo moderno, pero dejo la pregunta en el aire. ¿Cuál cree usted que va a ganar? Yo le apuesto al equipo personal, aunque soy un gran amante de Gundam. Porque no ha nada que un ser humano odie más que una máquina deshumanice su independencia. ¿Y usted que opina?