Desde hace tiempo se ha notado que las peculiaridades de la cultura de japonesa tienen como efecto colateral la aparición de las más estrambóticas parafilias sexuales, ya la gente no se emociona con los artículos que puede encontrar en un sex shop y desea experimentar nuevas emociones, entre las tendencias más llamativas de la juventud nipona es la práctica de lamer el ojo de la pareja.

¿Qué es el Oculintus?

El oculintus básicamente se define como la práctica donde un individuo permite que su pareja lama la pupila de su ojo con la punta de su lengua.

En la red social Tumblr se divulgan fotografías y artículos de jóvenes que practican o difunden esta parafilia, lo que aparentemente desató la alarma en el sistema educativo japonés por los riesgos para la salud que implica llevar a cabo esta acción. La sensible superficie del ojo es susceptible a los diversos tipos de bacterias que habitan en la lengua, por lo que pueden conducir a diversos problemas de salud, desde infecciones (como los comunes "orzuelos"), úlceras en la córnea, hasta la pérdida total de la capacidad visual.

Un videoclip de la canción Spiral Lie, compuesta por una banda japonesa llamada Born, para muchas personas aparentemente sería el detonante de la popularidad de esta tendencia social en internet. Sin embargo, lejos de lo que la sitios polémicos intentan vender, el oculolintus es una práctica que existe desde hace mucho tiempo dentro la las prácticas sexuales niponas. La banda rápidamente se desvinculó del tema, desvirtuando las acusaciones, a pesar de ello, efectivamente esta conducta se puede ver en determinado momento del video

¿Por qué la gente practica el Oculinctus?

¿Por qué hacen esto? Para quienes vivimos de este lado del mundo, este tipo de conductas nos resulta aberrrantes e incomprensibles. Sin embargo, no deja de tener cierta lógica funcional esta forma de actuar, primeramente porque usualmente se necesita de un gran nivel de confianza entre dos personas para atreverse a realizar esta maniobra, además de que anatómicamente la córnea del ojo posee una enorme cantidad de terminaciones nerviosas, lo que la convierte en una zona altamente sensitiva. Estos factores, sumados a la adrenalina que supone el peligro que se corre, dan como resultado una experiencia muy erógena.

Naturalmente, nada de esto vale el riesgo de salud en que se incurre, y el incremento de adolescentes japoneses que asisten a sus estudios con parches en el ojos es evidencia de ello. Debido a que usualmente este tipo de tendencias suele enganchar a jóvenes de nuestro hemisferio, considero importante que se divulguen los peligros y el daño al que se expone quienes lo practican, pero como suele ocurrir, para muchos lo peligroso y prohibido es lo que lo vuelve más atractivo.

¿Por qué deberían leer Kami Nomi Zo Shiru Seka?

Sinopsis: Kami Nomi Zo Shiru Sekai

Muy... malvada

:3

Los demonios ocupan ir al servicio sanitario por... razones.

Sin darle mucha importancia -y con algunos capítulos de relleno (más que todo usados para describir la verdadera actitud de Keima con respecto al mundo real)-, avanzamos a un segundo arco en el cuál dejamos el manga para niños.

Fijo estas diosas te llevan al cielo y te traen de vuelta

Bueno, el trabajo principal de Keima, ahora era encontrar a las seis diosas con las cuales se había creado el antiguo infierno. ¿Pero en qué parte de la tierra se podrían encontrar estas seis diosas?

¿Qué te haría sospecharlo, Keima?

Y después avanzamos a otro arco, ya con Keima rodeado de seis chicas que estaban perdidamente enamoradas de él. Ya habiendo Keima acabado con una de las células que controlaba el orden que quería resucitar al viejo infierno, de la cual Dokurou fue encontrada culpable de controlar.




Con esto llegamos al [fin de todo spoiler]

Tenemos varios arcos, y doscientos sesenta y ocho capítulos emocionantes y divertidos que incluyen comedia, y te dan bastante capacidad para imaginar.

 El maestro con visión de niño

No se puede hablar de la historia e impacto del animé sin mencionar a Hayao Miyazaki, una mente maestra detrás de obras legendarias y emblemáticas, que han inspirado no sólo a los animadores nipones, sino a directores, guionistas, animadores y estudios de animación completos a lo largo del mundo. Su trayectoria en el cine y la televisión es extensa, y por demás impresionante; con ideas ingeniosas y mensajes cargados de realidad social que impresionan los sentidos.

Miyazaki siempre gustó del dibujo, inspirado inicialmente por Ozamu Tezuka -sí, nada menos que el dios del manga- comenzó a explotar su afición por el arte que más tarde en su vida lo conduciría a una exitosa carrera que lo llevaría a ser comparado con el animador estadounidense Walt Disney.

Él mismo describe sus trabajos como "esta sería la vista que tienen los niños", inspirado muchas veces de la inocencia infantil, Miyazaki ha caracterizado sus obras por ser abiertas a todo público, aún si su trama puede ser considerada compleja y el mensaje que expone es profundo e inteligente, además de prestar atención a detalles mínimos que causan grandes diferencias en el resultado sutil de sus obras.

Como una pequeña muestra de mi aprecio por él y por sus obras, les presento una breve exposición de su trayectoria, historia y su influencia.

Studios Ghibli

Basta con mencionar que Miyazaki fue cofundador del estudio de animación Ghibli para demostrar que su huella por el mundo del animé no ha sido menos que gigantesca.

Studios Ghibli ha producido una serie de películas que hacen alegoría a las tradiciones y la cultura japonesa, además de contener críticas sociales fuertes expuestas de formas delicadas y astutas; por ejemplo  en el filme "La princesa Mononoke" donde expone la lucha del hombre contra las fuerzas de la naturaleza, en una incansable batalla por conquistar tanto a hombres como a bestias y a la tierra misma.

En Studios Ghibli escribió el guión y dirigió películas como:

Un dato interesante sobre el largometraje "La princesa Mononoke" es que Miyazaki dibujó 80.000 frames (cuadros o dibujos que se utilizan en forma consecutiva para generar el efecto animado) él mismo, lo que generó una carga enorme que lo obligó a tomar un retiro temporal para recuperarse; ésto según el diario "The independent" en el artículo The man who drew himself into a myth: Mourning Hayao Miyazaki's retirement 

Sus obras

El impacto que el maestro ha tenido en la animación japonesa ha sido enorme, su influencia como director, guionista y hasta diseñador han marcado de sobremanera el estilo, la calidad y la importancia de numerosas obras a lo largo de su carrera; y es que no sólo participó en las producciones de Ghibli, sino que colaboró y dirigió muchas otras creaciones animadas y mangas que luego inspiraron algunas de sus películas.

Películas

Como director y/o guionista:

• 1979: Lupin III: El castillo de Cagliostro (Rupan sansei: Kariosutoro no Shiro).
• 1984: Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Nausicaä).
• 1986: El castillo en el cielo (Tenku no Shiro Laputa).
• 1988: Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro).
• 1989: Nicky, la aprendiz de bruja (Majo no Takkyūbin). En América: Kiki: entregas a domicilio; en Argentina: El delivery de Kiki.
• 1992: Porco Rosso (Kurenai no Buta).
• 1997: La princesa Mononoke (Mononoke Hime).
• 2001: El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi).
• 2004: El castillo ambulante (Hauru no Ugoku Shiro). En América: El increíble castillo vagabundo.
• 2008: Ponyo en el acantilado (Gake no ue no Ponyo).
• 2013: El viento se levanta (Kaze Tachinu).

Como guionista:

• 1972: Panda! Go, Panda! (Panda Kopanda).
• 1995: Susurros del corazón (Mimi wo sumaseba).
• 2010: Arrietty y el mundo de los diminutos (Karigurashi no Arrietty).
• 2011: Kokuriko-Zaka Kara.

Series de TV

Como director y/o guionista:

• 1971-1972: Lupin III Part I.
• 1978: Conan, el niño del futuro (Mirai Shōnen Konan).
• 1980: Lupin III Part II.
• 1982: Sherlock Holmes (Meitantei Hōmuzu).

Como diseñador de escenarios y paisajes:

• 1974: Heidi (Arupusu no Shōjo Haiji).
• 1976: Marco (Haha wo tazunete sanzenri).
• 1979: Ana de las Tejas Verdes (Akage no An).

Mangas

• 1982-1994: Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Nausicaä).
• 1983: The Journey of Shuna (Shuna no Tabi).
• 1984-1994: Hayao Miyazaki's Daydream Data Notes (Miyazaki Hayao no Zassō nōto).
• 1989: The Age of the Flying Boat (Hikōtei Jidai).
• 1998-1999: Tigers Covered With Mud (Doromamire no tora).
• 2009: El viento se levanta (Kaze Tachinu).

(Tomado de HayaoMiyazaki.es)

Como se puede ver, no es menospreciable la cantidad -y calidad- de las obras que han sido tocadas por el maestro Miyazaki; lo que demuestra la razón de dedicar este trabajo en su nombre. Además, muchas de sus obras han sido galardonadas en distintos aspectos, sin mencionar que él mismo ha sido foco de atención en la industria cinematográfica a nivel mundial.

El documental realizado por los mismísimos Walt Disney Studios llamado The art of spirited away (El arte de "El viaje de Chihiro") presenta no sólo el trabajo realizado en este largometraje, sino la influencia que Miyazaki ha logrado en animadores y directores a lo largo de la cinematrografía y la animación fuera de su tierra natal; quienes utilizan los filmes del maestro para encontrar inspiración y lograr apreciar detalles que sólo el mismo Miyazaki lograría apreciar con su aguda e infante visión.

La despedida

De más estaría mencionar mi aprecio a este fantástico director con visión de niño (como lo mencioné anteriormente él logra captar las cosas como las vería un niño, algo que muchos de nosotros gustaríamos de hacer), además de incitarlos a ver alguna de sus películas -si es que no lo han hecho aún-; les prometo que no se arrepentirán y más bien las verán una y otra vez. No soy el único que rinde humilde homenaje al maestro Hayao Miyazaki, miles de fanáticos de sus obras, del cine y el animé en general han realizado tributos a él y a su trabajo, incluso el famoso diario estadounidense The New York Times ofrece un apartado donde condensan los artículos que publican sobre él y algunos recursos en línea utilizados por investigadores y editores a lo largo del mundo. Inagotable sería la lista de medios que publican información relevante sobre él y sus obras, pero aquí intenté cubrir algunas de gran importancia y espero que se inspiren a utiliza cualquiera de estos medios para saciar su hambre de conocimiento.

De forma complementaria, como todos tenemos nuestro estilo propio y distintos aportes, les recomiendo el artículo "Hayao Miyazaki. Leyenda de nuestros tiempos" del compañero Carlos Molina, que aborda de forma un poco más detallada la biografía del maestro Miyazaki, al mismo tiempo que ofrece su valiosa y experimentada opinión del padre de mil leyendas.

Para finalizar, los dejo con uno de esos pequeños -pero llenos de afecto- tributos realizados a sus obras, en este caso se trata de una animación estilo "8-bit" que muestra personajes de sus hermosas películas, realizado por Pixel Fantasy luego que Miyazaki anunciase su retiro definitivo.

Un domingo de diversión esperando un aventurero...

Recuerdo la primera vez que enfrenté Xenosaga. Fue aproximadamente a mitad del año 2004, cuando jugaba con un grupo que había armado Nai. Dos jóvenes aficionados comenzaban sus armas en Calabozos y Dragones, por supuesto tanto mi persona como Nai guiábamos, dábamos ideas e intentábamos generar suficiente daño para que vieran como debían comportarse. Sin embargo, uno de los muchachos debía llegar a la casa donde jugábamos, así que era cuestión de esperarlo. Mientras esperábamos, aprovechábamos para jugar en Playstation 2 los juegos que poseía, entre ellos Xenosaga. Debo reconocer, este juego de la compañía Namco tenía un sabor a Final Fantasy que no se lo podía quitar nada; con una trama más o menos complicada, situaciones complejas y muchísimos cinemáticos. Pero como toda cosa buena, esta llegó a un final cuando quien prestaba la casa decidió seguir su llamado al teatro y tuvimos que dejar de jugar.

Personajes de Xenosaga: The Animation; de izquierda a derecha Ziggy, MOMO (abajo), KOS-MOS, la Dr. Shion Izuki, chaos y Jr. (Rubeddo)

La cuestión es que para este juego del 2002, que fue escrito y dirigido por Tetsuya Takahashi (antiguo colaborador de Final Fantasy); la misma Namco le dio un segundo aire con el fin de promocionar la tercera entrega en esta serie. Con un presupuesto limitado, bajo la dirección del veterano Shigeyasu Yamauchi (Películas de Dragon Ball, Kimi no Iru Machi) y bajo la supervisión de la misma marca de juegos nos llegó de parte de Toei Animation; Xenosaga: The Animation. Tal como una serie en base a un juego uno esperaría algo que este a la altura de las ambiciones del juego; pero lamentablemente lo que salió para el mundo fue un sapo que no podía transformarse en príncipe.

Inicio! Spoilers!

Shion Uzuki es la científica en jefe del programa KOS-MOS, una entidad artificial que es a la última arma desarrollada contra la amenaza Zohar. Lamentablemente el proyecto ha tenido sus momentos difíciles, especialmente cuando al perder el control KOS-MOS asesina al antiguo amante de la jefa de investigación. Aún con todo esto, su equipo de investigación en el crucero espacial Woglinde con uno de los Emuladores Zohar, un artefacto de estrecha importancia para revertir el evento que provocó la venida de los Zohar. Por accidente Shion se tropieza con el proyecto y se encuentra por primera vez con Neplhim. También ella entabla amistad con una Kirsh, una androide Raellan de Observación Tipo 100 que sirve para detectar los saltos Zohar. Lamentablemente para todos los involucrados los Zohar aparecen de la nada frente a la flota que lidera el Woglinde, con sus habilidades para entrar en fase con las dimensiones logran hacer pedazos la flota y destruir el crucero. Durante el ataque (en el que Kirsh es secuestrada por un misterioso lunático en un mecha inmenso), KOS-MOS se activa automáticamente y a punta de agallas logran escapar de la nave en una cápsula antes de que explote.

Ojo! Spoilers!

Luego de que ha pasado el ataque y de que los Zohar se retiran, aparece en el área el crucero Elsa con el objetivo de recuperar cualquier material militar de provecho. Mientras están en estas maniobras KOS-MOS toma la nave y le ordena rescatar a Shion, a su segundo Allen y al teniente Virgil; los únicos sobrevivientes de la Woglinde. Luego de poner a cargar a KOS-MOS, la nave parte a hiperespacio; donde la tripulación explica su misión: ellos pertenecen a la Fundación Kukai y tienen la orden de trasladar a un cyborg (Zigurat 8 o Ziggy) y a un androide prototipo del Modelo 100 (MOMO) a Segunda Militia, un planeta de la Federación que trabaja por develar los secretos del trabajo de dimensiones de Joachim Mirzahi. Ellos vienen de rescatar a ambos de las manos de la Organización U-TIC, la cual pretende el mismo objetivo. Pero durante su viaje en hiperespacio una nave de la U-TIC los persigue con tal de recuperar el modelo MOMO. Durante la batalla el crucero Elsa es obligado a salir de hiperespacio y la Durandal aparece para cubrir su retirada. Pero el lugar donde el Elsa sale de hiperespacio es un hervidero de actividad Zohar. Con el apoyo de la Durandal, la tripulación del Elsa junto con KOS-MOS reducen la actividad, pero en el proceso se descubre un arma desconocida, el Asimilador Zohar.

Ojo! Spoilers!

La Durandal (con la Elsa en sus hangares) regresan a la colonia de la Fundación donde los reciben sus encargados. Gaigun Kunkai es el líder de la organización y su hijo Jr. es el capitán de facto de la Durandal. Pero existe algo más de lo que se mira en los ojos, KOS-MOS detecta que ambos comparten código genético pero más a nivel de hermano que de padres e hijos. En conversaciones fuera de cámaras padre-hijo toman rol de hermanos y las más de las veces Gaigun trata a su pequeño hermano como su superior. Lamentablemente la paz que disfrutan desaparece cuando la Federación detiene a todos los implicados debido a que han acusado a la Fundación Kukai de destruir la flota Woglinde.

Ojo! Spoilers!

Con la ayuda de una capitana que coopera con la Fundación Kukai los jóvenes escapan de la custodia a las instalaciones de robótica de la colonia, donde Allen cobra un favor a un amigo y logra convencer a su jefa de ingresar a la base de datos de KOS-MOS (que es de encriptado AAA) para recopilar las pruebas que necesitan para liberar de cargos a la Federación. A pesar de los esfuerzos de la Organización U-TIC, los jóvenes logran ingresar al área de recuerdos de KOS-MOS por medio de una inmersión encefálica, donde se revive la pesadilla de la Vieja Militia. Hace 14 años, Joachim activó por accidente la Canción de Nephlim, el evento que llamó a los Zohar a esta dimensión y atacaron las instalaciones. Shion revive la muerte de su padre y de su madre en manos de URTV enloquecidos. También descubrimos que el verdadero nombre de Jr. es Rubedo, hermano de Albedo (el lunático del principio); que ambos son URTV al igual que Gaigun Kunkai (Nigedo); que son los únicos sobrevivientes de la tragedia. Cuando Rubedo y Shion aceptan su pasado ambos pasan al área de la mente de KOS-MOS, donde consigue la información y libera de cargos a la Fundación.

Ojo! Spoilers!

El triunfo dura poco. Sin opciones, la U-TIC activa la Canción de Nephlim. Miles y miles de Zohar invaden la posición de la Colonia y se apoderan de cada parte. La tripulación es evacuada al interior de la Durandal, pero en el desalojo el Teniente Virgil muere en manos de KOS-MOS, que destruye una gran cantidad de Zohar para facilitar la evacuación. Lamentablemente MOMO se pierde durante la transición y Albedo la secuestra para robar sus secretos ante la vista de Rubedo. Cuando parece que todo está perdido para la Fundación aparece la Dämerung para proveer apoyo. Un representante de un representante de Vector Industries hace entrega a KOS-MOS de un arma que dispara un rayo de distorsión de zona que permite saber la fuente del ataque Zohar. Para sorpresa de todos la fuente es una nave igual de inmensa que el Dämerung, el Proto Merkabah.

Ojo! Spoilers!

Albedo, quien gobierna la nave, amenaza con destruir Segundo Militia para hacer valer su poder, y usa la misma habilidad de KOS-MOS para brindarle energía a su nave. Mientras busca la forma de acceder los recuerdos de MOMO este convence a Kirschwasser (que lo ha acompañado hasta el momento) que se una a la Vena de Anima para darle poder a su mecha y enfrentar a los héroes que abordan el crucero a borde del Elsa. Aunque todavía no está convencida, Shion le ordena a KOS-MOS rescatar a Kirschwasser y detener el ataque. Tras un gran esfuerzo de todas las partes (que incluyó la reacción de Kirschwasser para evitar que mataran a Shion), KOS-MOS cumple con su misión y el mecha es destruido.

Ojo! Spoilers!

Pero Albedo ha sonreído al último, ha puesto al Proto Merkabah en ruta de colisión con Segunda Militia. Mientras escapan Kirschwasser comprende su rol en la vida y se queda en la enorme estación para activar el comando de separación automática; que vuelve toda la estación en piezas que se podrían desintegrar en el reingreso a la atmósfera. Su sacrificio es un éxito, sin embargo el crucero Elsa queda atrapada en la atmósfera del planeta, iniciando una caída sin controles que la ayuden. KOS-MOS comprende lo que debe hacer y sale a la atmósfera para usar su escudo para amortiguar su caída. Con el Elsa estabilizado Shion llora la muerte de cada uno de los que han tocado su vida hasta ahora, pero cuando se va a lamentar de su muerte KOS-MOS aparece sobre la superficie del crucero. Mientras la tripulación vitorea su supervivencia, la androide exclama con orgullo que ha cumplido su misión.

Fin! Spoilers!

Regurgitando el cóctel...

¿Qué reflexión me deja esta entrega publicitaria de Xenosaga? En primer lugar se nota que la obra es realmente ambiciosa. porque así lo era el juego en que está basada. Hay mucha inversión en campos como los efectos por computadora para animar las naves, los cruceros, las colonias y los diferentes elementos de infraestructura que componen la obra, que contrasta con el poco presupuesto dispuesto para la animación. Porque hay que admitirlo, la animación es horrible. Barata, mal definida, con personajes verticales, mal diseño y errores de edición a diestra y siniestra; que van disminuyendo el efecto de la historia que tanto desea transmitir. De esta forma, en lugar de reflejar la tragedia de la Dr. Shion Uzuki parece más bien un baile de personajes donde todos tratan de atraer la atención y el tiempo del espectador sin lograrlo. Un villano desquiciado como Albedo pasa de sublime a ridículo, cuando su invencibilidad por regeneración contrasta con todas las incoherencias que dice (de más está decir que está loco pero si uno no logra entender al villano no se puede enamorar de él). Al final este tiene la resurrección cliché de todo villano, donde se cumple el dicho de "sin cuerpo no hay muerte".

Con una sensación de que "me han tomado el pelo", Toei de nuevo convierte una obra con mucho potencial en un adefesio y una broma de si misma. No hay nada que la salve, ni fanservice, ni desarrollo de personajes ni una trama profunda que la sustente. Rápida, barata y efectiva; la obra es un reflejo sombrío de lo que puede suceder cuando no hay suficiente presupuesto para dar la calidad requerida. Este defecto ha perseguido a la Toei como casa de animación desde el principio de los tiempos; como elemento más reciente esta la adaptación más reciente de Saint Seiya, donde al concentrar más de 60 capítulos en dos horas deja efectos horribles en el espectador y público exigente. Por eso les digo, tengan cuidado de cualquier producto de la Toei Animation, no todo lo que saca esa compañía brilla como el oro, sino que es puede ser una desagradable sorpresa a futuro. Suerte con eso.

Llega un momento en la vida en que uno recapitula sobre lo que ha hecho en su pasado. Llega un momento en que el pasado comienza a alcanzarte y a señalarte todo lo que has hecho, sean errores o aciertos. Cielos, es increíble que hayan pasado viente años. Siendo un estudiante del Tec, con un grupo de amigos con los cuales rotaba cada antro de juegos de la perdición (mientras no estábamos discutiendo sobre series, literatura o tratando de llegar temprano a casa para ver anime en los únicos canales nacionales que se podían pagar); Edwin Vindas me llevó por el Teatro Nacional para ver el nuevo juego de la SNK. Debido a la novedad había gente, pero no tanta como se llegaría a formar en Galáctica ni en Mundo Tico en años posteriores. Por lo tanto, ambos jugamos a nuestras anchas y le hallamos el gusto al juego, que resultaba interesante y dificilillo. En ese momento no sabía que ese juego cambiaría mi vida, más que todo por el éxito que tendría y las repercusiones que sus constantes reencarnaciones tendrían en el corazón de numerosos josefinos.

La Invasión de King Of Fighters.

En 1994 SNK estaba decidida a darle un golpe a la Capcom, uno del que parecería que no se recuperaría en el futuro. Darkstalkers ya había salido al mercado (pero no llegaría a Costa Rica sino hasta 1995), era el único producto en consolas diferente a Street Fighter II. Por lo tanto, con al menos seis juegos diferentes en cinco años, la apuesta en King of Fighters era grande.

Después de todo, eran muchos los cambios que se veían venir. Los gráficos disminuyeron en calidad con respecto a los restantes juegos aunque la jugabilidad era muy similar a los juegos que había sacado la compañía desde 1992 (Fatal Fury II, Art of Fighting, Samurai Showdown y Art of Fighting II). Pero el cambio más grande vino en la configuración de los jugadores. En lugar de escoger un personaje y pelear en su contra (y ganarle 2 de 3 encuentros), los jugadores deberían pelear con un equipo de tres personas. La única posibilidad del jugador era escoger el orden de combate de sus personajes y enfrentar con ellos a cada equipo hasta acabar con todos los rivales o perder a tus jugadores (terminando el combate).

El sistema combinada el sistema de carga de poder de Fatal Fury con una modificación de traslado de dimensiones en 2D (dar un paso a un lado). También, en caso de encontrarse en problemas, el último de los personajes podía entrar para intervenir para salir de esta prerrogativa. Pero el cambio más interesante fue la variedad.

Los personajes de Fatal Fury (Andy y Terry Bogard, con Joe Higashi para el Equipo Italia); Art of Fighting (Ryo y Takuma Sakazaki, con Robert Garcia para el Equipo México) conforman los equipos favoritos debido a que eran jugadores conocidos. Junto a ellos está el Equipo Korea (Kim Kaphwan junto con los criminales Chang Koehan y Choi Bounge); los Psycho Soldiers (derivados de un juego anterior de SNK, con Athena Asayima, Sie Kensou y su mentor Chen Gentsai de parte de China); el Equipo Brasil (con los Ikari Warriors Clark y Ralf, con su jefe Heidern) y el Equipo de Inglaterra (un colage de las mujeres luchadoras, con Mai Shiranui de Fatal Fury, así como Yuri Sakazaki y King de Art of Fighting).

Pero el equipo principal del juego (y uno de los estandartes durante los siguientes años) es el equipo de Japón. Con Kyo Kusanagi como su líder, Benimaru Nikaido y Goro Daimon completan un grupo bastante equilibrado, que debido al estilo de pelea de Kyo quedó como uno de los más populares de este juego. Por último, el equipo del olvido, el de los Estados Unidos, un conjunto de luchadores que representaban a los deportes más representativos de este país (y que quedaría relegado en las siguientes versiones).

Rugal Berstein, el épico jefe despiadado.

Pero por supuesto, no tendría sentido si la trama no tuviese a un jefe digno para el final. Lamentablemente para todos los jugadores, King of Fighters 94 traería al jefe más despiadado y difícil de todas las eras.

Rugal Bernstein, multimillonario y traficante de todo tipo, aburrido de su vida sin emociones decide armar este torneo para descubrir a los peleadores más poderosos para poder enfrentarlos y preservarlos para siempre en "carbonita" (cualquier relación con Star Wars es mera coincidencia). Por supuesto, quien ha luchado contra Rugal sabe que es un dolor ganarle (más cuando se quita la chaqueta). Pero en estos primeros King of Fighters derrotar a los jefes era tan divertido como los retos, así que el esfuerzo valía la pena (así como el gasto de fichas).

Con personajes off-beat (que sirven para enfocar el lado divertido del juego como Benimaru y Chang), una gran variedad de caracteres para grandes y niños, con un sistema de juego diferente y una animación más fluida gracias a la disminución del tamaño y la mejora en la jugabilidad convirtieron a este juego en uno de los mejores del año 1994 en pelea la categoría de pelea.

Todos pensaban que este sería el golpe definitivo para la Capcom, que sufriría por otro par de años más en esta modalidad para luego contraatacar.

Porque si Street Fighter II fue el inicio de los juegos de pelea, este juego hizo que la década de los 90's se volviera muy interesante. Tanto que en el 2004 recibió un remake para consolas muy popular.

 King Of Fighters 94 marcó a su generación.

Pero en mi caso, King of Fighters 94 fue un punto de inflexión en mi vida.

Este juego inicio una serie de juegos de los cuales fui un gran fanático (literalmente adicto). Parte de mi presupuesto de estudiante y buena parte de mi presupuesto de trabajo se iba en probar mis exiguas habilidades. Fue gracias a estos juegos que conocí a Jason, este me presentó a Javier André, a Nai, a Wilson, a Juan Carlos, a Pedro, locos con los que comencé a jugar Calabozos y Dragones. Gracias a ellos conocí a Carlos Porras, una amistad afín con la que lamentablemente he perdido el contacto.

Y sobre todo, King of Fighters 94 solidificó mi deseo de imaginar, afinó mi memoria y me metió el gusanillo por escribir de forma más intensa. Sin esa intervención, sin ese escape no estaría escribiendo ahora.

Aunque en estos últimos años me he percatado que muchos de mis compañeros de juego (adolescentes en esa época) han pagado el máximo precio. Porque en los negocios de juegos de video también acercaba a sus incautos visitantes a otros vicios. Y he visto como muchos conocidos se han quemado en el infierno de las drogas. Con esta reflexión celebro estos veinte años de este juego, al cual le debo mucho, pero también me ha quitado su buena cuota.

Llega un momento en la vida de una persona en que cuando tiene una afición, la admite y la recibe con todas sus fuerzas. Al principio de mis veintes no era un gran aficionado del anime, me habían gustado varios de los animes que habían transmitido en la televisión nacional (era de los que corría para ver Caballeros del Zodiaco), pero jamás pensé que coleccionaría, recolectaría y atesoraría series. Después de todo, no existía la tecnología para verla, no tenía mucho dinero para comprar un VHS y era un estudiante de universidad (la absoluta pobreza). Pero todo eso cambio hacia principios del 2000. Mientras trabajaba en Paseo Colón, un buen día fui a El Lagar Desamparados y de camino en el bus me llamó la atención Animanía. En cuanto terminó mi jornada de trabajo me bajé allí y... bueno ahora comento por aquí en la sección otaku.

Luego de ver casi toda su videoteca y de contribuir a su formación (luego del accidente de lluvia), el gusto ya se había desarrollado y esporádicamente lo he alimentado durante todo el tiempo. Esto me permitió volverme a poner en contacto con Macross, una de las series preferidas de mi corazón. El problema es que por un error primero vi Macross Plus y luego vi Macross II. Después de un par de discusiones amistosas con Cristhian, me percaté de que algo raro había sucedido. Pero en ese tiempo todavía era demasiado inocente y demasiado ingenuo para comprenderlo. Como habían pasado de una maravillosa y poderosa historia de amor, a un bodrio vomitivo sin sentido donde ni siquiera se disparan. ¿Qué diablos fue lo que sucedió?

Lo que sucedió es que pusieron primero la carreta antes de los caballos. Debido a la distribución de derechos, tanto Studio Nue como Big West Advertising planeaban hacer un anime para celebrar el décimo aniversario de su aventura. Pero Big West se adelantó con Macross II, que sin la dirección de Shoji Kawamori ignoró la mayoría de las características que hizo grande esta serie (un triángulo amoroso, una diva cantante, una guerra intergaláctica y buena animación de combate). Obviamente todos consumieron el producto, todos se voltearon asqueados. Con una sonrisa desde las sombras Shoji Kawamori preparó su contraataque. Con la colaboración de Shinchiro Watanabe en la dirección, con la contribución de la oscura y desconocida compositora Yoko Kanno y la historia de Keiko Nobumoto, Macross Plus sale al público el 25 de agosto de 1994. Con un leve movimiento de mano, Shoji Kawamori hizo olvidar todo lo malo que había sucedido y nos introdujo de nuevo a la magia de su universo.

Inicio! Spoilers!

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Fin! Spoilers!

¿Como se puede mejorar una fórmula ya existente? Shoji Kawamori responde con un grito nada tímido y descomunal. Dos triángulos amorosos, dos amigos que se desprecian, un amor que salió mal; todo en el marco de una guerra interestelar que es la base de las pruebas del YF-21 y YF-19, justo para el tiempo en que el prototipo del F-22 Raptor fue elegido como el diseño ganador para los cazas de quinta generación. Con personajes perfectamente definidos, una trama intrigante y envolvente, la lucha incesante contra la historia y el pasado; la imposición del amor por encima de todos los obstáculos con la Ciudad Macross de fondo vuelven a este OVA de cuatro episodios uno de los más extraordinarios logros de los últimos tiempos. La combinación de animación por computadora con animación tradicional, grandes batallas junto con un relato franco la convirtieron en un éxito en Japón, pero lo que siguió después jamás lo pudo haber esperado nadie en sus más locos sueños.

Si, porque en un intento de comercializar el éxito de la serie, la distribuidora Manga Entertainment la adjuntó a su paquete de estrenos durante su primer lanzamiento de animación japonesa en el occidente. Durante el primer lustro de la década de los noventa, esta casa comercializadora distribuye películas de la talla como Ghost in the Shell y Ninja Scroll, así como consigue los derechos de distrubución de Macross Plus y Neon Genesis Evangelion (por medio de ADV Films). Esto dio inicio al asalto de anime en occidente, que con el advenimiento de los medios de comunciación baratos (iniciando con IRC y continuando con los P2P) nos ha traído la ola de anime que nos sigue invadiendo hasta el momento. Esta obra es un puente, una obra que dio nacimiento a una tendencia y que en estos 20 años que nos acompaña nos sirve como punto de referencia para todo lo que tenemos ahora. Nada de esto existiría sin la contribución de esta serie, que elevó a Shoji Kawamori a la categoría de genio y que puso a todo su staff a la vista del público japones e internacional. Durante los siguientes años, cada integrante de este selecto grupo daría forma al anime moderno, de una forma o de otra. Eso es algo que no podemos dejar de lado, porque el que ignora la historia se arriesga a repetirla. Así que por su aniversario, salud.