Ficha Técnica de Ponyo y el Secreto de la Sirena.

Título: Gakue no ue no Ponyo - Ponyo en el acantilado - Ponyo y el secreto de la sirenita
Dirección: Hayao Miyazaki
Estudio: Studio Ghibli
Lanzamiento: 2008
Duración: 1 hora 40 minutos aproximadamente.
Generos: Anime de Fantasia, Anime Romantico.

Sinopsis de Ponyo y el Secreto de la Sirena

Ponyo y el cuido del mar

Como una nación insular, para Japón la vida misma se basa en la vida del océano, quien es proveedor y hogar al mismo tiempo. Las técnicas de pesca a gran escala, junto a la enorme contaminación comprometen la vida marítima en buena medida. Los personajes de Ponyo vienen desde dos lugares muy distintos, pero tienen en común su dependencia del océano.

Desde las quejas del viejo hechicero sobre la basura y el peligro que advierten los humanos, hasta las tempestades que azotan un pequeño pueblo hasta dejarlo indefenso; se nota en Ponyo se trata de exponer la trivialidad que los seres humanos representan para las grandes fuerzas de la naturaleza, pero que, sin embargo, pueden hacer tanto daño que pueden destruir su fuente de vida.

Si hay algo que esta película enseñe, es a cuidar la naturaleza como nuestro propio hogar, pues a fin de cuentas es nuestro hogar sin más. La diferencia entre las criaturas marinas, que aparecen inocentes y hermosas, respecto a los humanos, que se ven frágiles pero que pueden hacer gran daño a la naturaleza. De cualquier forma, la relación entre los seres humanos y la naturaleza es un tema recurrente en Ghibli, pero con el hermoso tratamiento que este estudio le da, queda siempre en la memoria un mensaje sobre nuestra dependencia con la naturaleza, y la importancia de cuidar de esta si queremos perpetuar nuestro propio futuro.

Aunque la había visto hace ya varios años, hace algunos días me dediqué a retomarla para verla con los más chicos de la casa. No podría negar que la disfruté muchísimo, desde la hermosa estética de los personajes y el ambiente, hasta el desarrollo de la historia que no dificulta comprender el mensaje, esta es una película que recomendaría a cualquiera para disfrutar en familia.

Para los niños no es sólo una película que entretiene por la cercanía con los personajes, sino que les muestra el tema sumamente importante de la relación de los seres humanos con la naturaleza. No es difícil para ellos comprender qué sucede y cuál es el mensaje que las mentes de Studio Ghibli quieren entregar.

Para los que no somos tan niños, es una película entretenida que no deja de quererse, se puede disfrutar cada vez como si fuera la primera. Los personajes son complejos y están bien trabajados, así como esa espectacular animación que no escatima en gastos para mantener la fluidez, las luces, el ambiente y las expresiones de todos los personajes.

El dolor de una generación derrotada

En 1967, en medio del mejor período de recuperación de Japón, la generación que iba naciendo posteriormente a la Segunda Guerra Mundial no recordaba o no sabía que en algún momento el Imperio quedó postrado de rodillas frente a los victoriosos norteamericanos, luego de perder la Segunda Guerra Mundial. Pero los que fueron niños en ese período ahora se transformaban en adultos e ingresaban a la vida profesional en Japón. Uno de ellos, Akiyuki Nosaka, decidió que había dejado pasar demasiado tiempo para dejar las culpas de su pasado. En la forma de una novela, La Tumba de las Luciérnagas vio la luz ese año y desde ese entonces se ha transformado en uno de los mayores gritos en contra de la guerra de la historia.

Sin embargo, a pesar de su éxito, Nosaka se negó en reiteradas ocasiones a que su obra fuese puesta en escena. Esto porque consideraba que los niños normales no tendrían la capacidad artística necesaria para plasmar el crudo realismo de la guerra, así como sería difícil reproducir el ambiente de devastación vivido en la ciudad de Kobe en tiempos modernos. Por eso, cuando Isao Takahata, una de las cabezas de Studio Ghibli le ofreció animarla, él tuvo sus reservas. Lo que terminó de convencerlo fueron los cuadros de edición donde se le describieron las diferentes escenas, que consideró que serían imposibles de recrear por medios convencionales. Con su visto bueno, la película fue estrenada el 16 de abril de 1988, y de inmediato se transformó en un punto de referencia para la literatura antiguerra.

Inicio! Spoilers!

La película inicia en media narración, donde luego de exclamar las infames palabras del principio, Seita fallece en una estación de ferrocarril en Kobe, víctima de la desnutrición y el abandono. Junto a él, media docena de niños desamparados también se encuentran en similar situación. Los empleados de limpieza revisan sus bienes y encuentran una lata de confites oxidada llena de cenizas. Cuando este desecha su contenido, el espíritu de una niña aparece observando el cadáver del joven. Sin embargo, este aparece a su lado y juntos comienzan el relato que nos lleva a los acontecimientos que derivaron en semejante tragedia.

Seita y su hermana Setsuko son dos jóvenes que vive con su madre (la cual sufre una dolencia del corazón) en Kobe durante 1945. Su padre, un oficial de la marina es una figura ausente. Durante un bombardeo americano de la ciudad, ellos se separan de su madre mientras las bombas incendiarias destruyen la ciudad por completo. Cuando se reúnen con los sobrevivientes, ellos reciben la noticia de que su madre fue encontrada con terribles quemaduras. Ella no sobrevive la noche, pero Seita decide ocultarle la verdad a su hermana. A falta de parientes confirmados, ellos se van a vivir con su tía a las afueras de la ciudad.

El trato que reciben de la tía no es malo, pero ella es bastante tacaña y algo codiciosa, reclama a menudo por la situación en que ha quedado (mantener a dos huérfanos que no trabajan lo considera una pérdida de recursos). Aunque ella convence a su sobrino de vender los kimonos de su madre para conseguir arroz y comparte su parte con ellos, los constantes regaños y la tensión dentro de la casa provocan que ellos deseen su independencia. Por esto Seita dispone del dinero que su madre había guardado para conseguir artículos y preparar sus alimentos. Luego, harto de los reclamos, el joven decide irse a vivir en los refugios antiaéreos, ante la indiferencia de su tía que aunque tentada no los convence de lo contrario.

Al principio ellos viven una vida feliz y cómoda en solitario. Pero, conforme pasan los días y se acaban los recursos, el hambre y las enfermedades comienzan a hacer mella en ambos. Lentamente, Seita es obligado a robar en pequeños cultivos o apropiarse de la comida que puede durante los bombardeos de la ciudad, mientras su hermana se debilita, da las primeras muestras de padecer disentería y se llena de irritaciones en la piel. Cuando la niña cae desmayada el joven la lleva al médico, que le informa que lo único que ocupa su hermana es una buena alimentación.

Desesperado, él saca los ahorros de su madre, pero al hacerlo se entera de que Japón ha perdido la guerra. Su padre, un comandante del crucero pesado Maya (hundido en la Batalla de Leyte de 1944) es probable que esté muerto, por eso es que el gobierno central no ha permitido que le lleguen sus cartas y misivas. Desesperado, él llega con los suministros donde su hermana Setsuko, pero es demasiado tarde. Aunque le logra dar de comer algo de sandía, la niña fallece durante la noche y el crema sus restos en un emotivo despliegue de imágenes. Luego, introduce las cenizas en la lata de confites favorita de su hermana y abandona la cueva. Al final, los espíritus de los niños (símbolo de que no han logrado el descanso eterno que merecen) se voltea desde una colina y contemplan la moderna ciudad de Kobe con una indiferente alegría, mientras las luciérnagas procuran guiarlos en el viaje al más allá que debieron haber tomado hace más de cuarenta años.

Fin! Spoilers!

La tragedia y la muerte en la película anti-guerra más impactante de la historia

Gracias a la influencia del neo-realismo italiano, Takahata logra crear una de las más imponentes adaptaciones de esta desgarradora tragedia. No es un secreto para quienes conocen de historia de guerra que Japón sufrió de una de las jornadas de bombardeo más extremas de toda la Segunda Guerra Mundial. En parte irritados por el ataque sorpresa que sufrieron al principio de la guerra, los Estados Unidos se propuso destruir a los japoneses para que no se levantaran de nuevo en armas. Por esta razón las jornadas de bombardeos sobre sus mayores ciudades ocurrían a diario, pocas áreas de las islas principales escaparon de la vigilante mirada de cazas y bombardeos de la gran potencia. Con pequeños cuadros de imágenes, la película también relata de forma realista los preparativos que los japoneses llevaban a cabo para una posible invasión de las islas, como esconder aviones en la campiña, enterrar suministros y levantar el ánimo por medio de alabanzas de confianza hacia el emperador. Todas expresiones inútiles para tratar de extender una guerra que no podía ser ganada.

Al final, a través de esta obra, tanto Takahata y Nosaka expiaron las culpas que la guerra les produjo, brindándonos una obra que ha durado para la posteridad. Después fue adaptada en live-action, los temores del autor han quedado plasmados por la falta de emotiva profundidad que no logran los actores infantiles (la hermana de Seita inclusive es mayor a la edad que tenía en la obra). Esto es un fiel reflejo del genio de Isao Takahata. Por eso es conveniente recordar, Studio Ghibli no sería lo que es sin este hombre, que junto con su amigo Hayao Miyazaki lograron llevar la animación de Japón al nivel de las películas que competían por premios internacionales y que nos dejó un legado para la posteridad.

Si hay un estudio de animación que todos deberían conocer, sin duda, es Studio Ghibli; ya que su trabajos trascienden las fronteras establecidas por las distintas sociedades sobre el anime. Sus películas, series televisivas y producciones son obras universales; que tratan temáticas tan realistas y polémicas como la destrucción de la naturaleza, y temáticas tan fantasiosas como los mundos de ensueño de una niña pequeña.

Admito que soy un amante de las obras de Studio Ghibli, y en este su trigésimo aniversario, quisiera hacer una pequeña reseña de su trayectoria y sus trabajos que; sin duda, son tesoros memorables en la historia de la cinematografía universal.

En este pequeño trabajo sobre Studio Ghibli, trataré de recopilar un poco su historia, herencia de las grandes mentes detrás de su recorrido, y sus trabajos, para dar así una pequeña síntesis y ofrecer información relevante y homenajear de forma humilde su trabajo.

Tras la publicación (de sobremanera exitosa) de la película Nausicaä del Valle del Viento, que fue la semilla de lo que hoy día es Studio Ghibli, escrita y dirigida por el maestro Hayao Miyazaki; deciden él y su compañero de producción, Isao Takahata, formalizar un estudio de animación probablemente con un ideal en común, ideal que hoy día lleva tres décadas de exitosa trayectoria y de profunda huella en la historia del cine y el anime, ésto por circunstancias. Al momento de la creación de Studio Ghibli, Isao Takahata tuvo a su cargo la película La Tumba de las Luciérnagas, como primer trabajo de dirección en el estudio, otra obra majestuosa aportada por este emblemático proyecto. Así es como estas dos grandes mentes, fundaron esta joya que nos ha traído incontables leyendas e historias.

Su nombre es otro fruto de la mente de Miyazaki, quien se inspiró en el nombre con que se hablaba del viento mediterráneo, con la idea de crear un estudio que soplara un nuevo viento a través de la industria del anime, idea que vemos presente en muchos de sus trabajos.

Aunque en 2014 el maestro Hayao Miyazaki anunció su retiro del proyecto y el mismo año anunciaron un cese "temporal" en sus trabajos de producción, sus obras serán recordadas y amadas a lo largo de toda la historia.

La trayectoria de Ghibli es sin duda larga e igualmente exitosa, con más de veinte películas y numerosos cortometrajes y series de televisión. Les ofrezco a continuación un recuento de las películas que nos han ofrecido a lo largo de estos treinta años:

No tengo palabras para describir todo lo que Ghibli me ha hecho sentir, sus trabajos son fantásticas obras de arte que llegan directo donde los sentimientos se guardan; sus temáticas son fuertes y llenas de crítica; sin embargo, son tratadas con tal sutileza que forman bellas expresiones que acarician los más controversiales temas de la sociedad y la historia.

Sus obras exhalan delicadeza, fuerza, inocencia, experiencias, alegría, tristeza, amor, odio; en fin, una amalgama de sentimientos que no pueden ser conjugados de forma tan especial como lo han hecho los grandes maestros detrás de este estudio de animación.
 

Con lágrimas en los ojos y un sentimiento de felicidad en el corazón, sólo me queda dejarlos con un hermoso homenaje animado en honor de este fenomenal estudio, y decir:

¡Feliz cumpleaños Studio Ghibli!

 

 El maestro con visión de niño

No se puede hablar de la historia e impacto del animé sin mencionar a Hayao Miyazaki, una mente maestra detrás de obras legendarias y emblemáticas, que han inspirado no sólo a los animadores nipones, sino a directores, guionistas, animadores y estudios de animación completos a lo largo del mundo. Su trayectoria en el cine y la televisión es extensa, y por demás impresionante; con ideas ingeniosas y mensajes cargados de realidad social que impresionan los sentidos.

Miyazaki siempre gustó del dibujo, inspirado inicialmente por Ozamu Tezuka -sí, nada menos que el dios del manga- comenzó a explotar su afición por el arte que más tarde en su vida lo conduciría a una exitosa carrera que lo llevaría a ser comparado con el animador estadounidense Walt Disney.

Él mismo describe sus trabajos como "esta sería la vista que tienen los niños", inspirado muchas veces de la inocencia infantil, Miyazaki ha caracterizado sus obras por ser abiertas a todo público, aún si su trama puede ser considerada compleja y el mensaje que expone es profundo e inteligente, además de prestar atención a detalles mínimos que causan grandes diferencias en el resultado sutil de sus obras.

Como una pequeña muestra de mi aprecio por él y por sus obras, les presento una breve exposición de su trayectoria, historia y su influencia.

Studios Ghibli

Basta con mencionar que Miyazaki fue cofundador del estudio de animación Ghibli para demostrar que su huella por el mundo del animé no ha sido menos que gigantesca.

Studios Ghibli ha producido una serie de películas que hacen alegoría a las tradiciones y la cultura japonesa, además de contener críticas sociales fuertes expuestas de formas delicadas y astutas; por ejemplo  en el filme "La princesa Mononoke" donde expone la lucha del hombre contra las fuerzas de la naturaleza, en una incansable batalla por conquistar tanto a hombres como a bestias y a la tierra misma.

En Studios Ghibli escribió el guión y dirigió películas como:

Un dato interesante sobre el largometraje "La princesa Mononoke" es que Miyazaki dibujó 80.000 frames (cuadros o dibujos que se utilizan en forma consecutiva para generar el efecto animado) él mismo, lo que generó una carga enorme que lo obligó a tomar un retiro temporal para recuperarse; ésto según el diario "The independent" en el artículo The man who drew himself into a myth: Mourning Hayao Miyazaki's retirement 

Sus obras

El impacto que el maestro ha tenido en la animación japonesa ha sido enorme, su influencia como director, guionista y hasta diseñador han marcado de sobremanera el estilo, la calidad y la importancia de numerosas obras a lo largo de su carrera; y es que no sólo participó en las producciones de Ghibli, sino que colaboró y dirigió muchas otras creaciones animadas y mangas que luego inspiraron algunas de sus películas.

Películas

Como director y/o guionista:

• 1979: Lupin III: El castillo de Cagliostro (Rupan sansei: Kariosutoro no Shiro).
• 1984: Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Nausicaä).
• 1986: El castillo en el cielo (Tenku no Shiro Laputa).
• 1988: Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro).
• 1989: Nicky, la aprendiz de bruja (Majo no Takkyūbin). En América: Kiki: entregas a domicilio; en Argentina: El delivery de Kiki.
• 1992: Porco Rosso (Kurenai no Buta).
• 1997: La princesa Mononoke (Mononoke Hime).
• 2001: El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi).
• 2004: El castillo ambulante (Hauru no Ugoku Shiro). En América: El increíble castillo vagabundo.
• 2008: Ponyo en el acantilado (Gake no ue no Ponyo).
• 2013: El viento se levanta (Kaze Tachinu).

Como guionista:

• 1972: Panda! Go, Panda! (Panda Kopanda).
• 1995: Susurros del corazón (Mimi wo sumaseba).
• 2010: Arrietty y el mundo de los diminutos (Karigurashi no Arrietty).
• 2011: Kokuriko-Zaka Kara.

Series de TV

Como director y/o guionista:

• 1971-1972: Lupin III Part I.
• 1978: Conan, el niño del futuro (Mirai Shōnen Konan).
• 1980: Lupin III Part II.
• 1982: Sherlock Holmes (Meitantei Hōmuzu).

Como diseñador de escenarios y paisajes:

• 1974: Heidi (Arupusu no Shōjo Haiji).
• 1976: Marco (Haha wo tazunete sanzenri).
• 1979: Ana de las Tejas Verdes (Akage no An).

Mangas

• 1982-1994: Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Nausicaä).
• 1983: The Journey of Shuna (Shuna no Tabi).
• 1984-1994: Hayao Miyazaki's Daydream Data Notes (Miyazaki Hayao no Zassō nōto).
• 1989: The Age of the Flying Boat (Hikōtei Jidai).
• 1998-1999: Tigers Covered With Mud (Doromamire no tora).
• 2009: El viento se levanta (Kaze Tachinu).

(Tomado de HayaoMiyazaki.es)

Como se puede ver, no es menospreciable la cantidad -y calidad- de las obras que han sido tocadas por el maestro Miyazaki; lo que demuestra la razón de dedicar este trabajo en su nombre. Además, muchas de sus obras han sido galardonadas en distintos aspectos, sin mencionar que él mismo ha sido foco de atención en la industria cinematográfica a nivel mundial.

El documental realizado por los mismísimos Walt Disney Studios llamado The art of spirited away (El arte de "El viaje de Chihiro") presenta no sólo el trabajo realizado en este largometraje, sino la influencia que Miyazaki ha logrado en animadores y directores a lo largo de la cinematrografía y la animación fuera de su tierra natal; quienes utilizan los filmes del maestro para encontrar inspiración y lograr apreciar detalles que sólo el mismo Miyazaki lograría apreciar con su aguda e infante visión.

La despedida

De más estaría mencionar mi aprecio a este fantástico director con visión de niño (como lo mencioné anteriormente él logra captar las cosas como las vería un niño, algo que muchos de nosotros gustaríamos de hacer), además de incitarlos a ver alguna de sus películas -si es que no lo han hecho aún-; les prometo que no se arrepentirán y más bien las verán una y otra vez. No soy el único que rinde humilde homenaje al maestro Hayao Miyazaki, miles de fanáticos de sus obras, del cine y el animé en general han realizado tributos a él y a su trabajo, incluso el famoso diario estadounidense The New York Times ofrece un apartado donde condensan los artículos que publican sobre él y algunos recursos en línea utilizados por investigadores y editores a lo largo del mundo. Inagotable sería la lista de medios que publican información relevante sobre él y sus obras, pero aquí intenté cubrir algunas de gran importancia y espero que se inspiren a utiliza cualquiera de estos medios para saciar su hambre de conocimiento.

De forma complementaria, como todos tenemos nuestro estilo propio y distintos aportes, les recomiendo el artículo "Hayao Miyazaki. Leyenda de nuestros tiempos" del compañero Carlos Molina, que aborda de forma un poco más detallada la biografía del maestro Miyazaki, al mismo tiempo que ofrece su valiosa y experimentada opinión del padre de mil leyendas.

Para finalizar, los dejo con uno de esos pequeños -pero llenos de afecto- tributos realizados a sus obras, en este caso se trata de una animación estilo "8-bit" que muestra personajes de sus hermosas películas, realizado por Pixel Fantasy luego que Miyazaki anunciase su retiro definitivo.

Esta película nos cuenta la historia de Shizuku,  una estudiante de secundaria con una gran pasión por la lectura, que un día se da cuenta que en todas los tarjetas de los libros que toma prestados de la biblioteca aparece siempre el mismo nombre: Seiji Amasawa. Desde ese momento Shizuku comienza a sentir una gran curiosidad por conocer al muchacho que lee los mismos libros que ella. 

Luego mientras Shizuku  viajaba en tren hacia la biblioteca se encuentra con un gato que, curiosamente se baja en la misma parada que ella. Sorprendida por la conducta del animal,  decide seguirlo y este la lleva a una tienda de antigüedades  donde Seiji trabaja como aprendiz en la fabricación de violines. 

Seiji le cuenta a Shizuku que su gran sueño es viajar a Italia  para perfeccionarse en su arte. Shizuku se sorprende ya que hasta ese momento ella no sabe lo que quiere hacer con su vida, así que decide seguir el ejemplo de Seiji y encontrar su verdadera vocación.

Studio Ghibli nos tiene acostumbrados a historias en las que se viven grandes aventuras donde destacan personajes y mundos fantásticos, "Susurros del Corazón"en cambio es un caso particular, ya que a pesar de que abandona esta estructura logra transmitir una magia inigualable.

Esto lo consigue gracias al excelente desarrollo de sus personajes tanto protagonistas como secundarios, y a su historia que aunque a primera vista parezca sencilla en el fondo trata temas profundos como lo son la superación personal y la búsqueda del significado de la vida.
Todo esto combinado con una animación perfecta y un arte impresionante en cuanto al nivel de detalle  de cada paisaje y cada locación,  hacen de esta película una verdadera joya.

Uno de los problemas más grandes que posee la literatura infantil es que conforme cambian los tiempos esta va perdiendo frescura y vivacidad con respecto a las nuevas propuestas. ¿Por qué creen que los autores basan sus obras en formas y ambientes anacrónicas, o referencias del pasado? Harry Potter es un claro ejemplo, con una Escuela de Howarts que parece sacada de mediados del siglo XX, pero con tecnologías y adelantos mágicos que emulan la entrada al siglo XXI. En mi vida he leído literatura infantil y juvenil de todos los orígenes y géneros, comenzando por el afamado Julio Verne y terminando con los Hardy Boys. Por eso, después de cierto rato, he preferido ver las aproximaciones de la literatura infantil en las ofertas de cine y la televisión en lugar de seguirlas leyendo, porque en algún momento la historia perderá su impulso y se volverá anacrónica.

La primera vez que supe sobre The Borrowers fue en una película de 1997 con John Goodman y Hugh Larrie como actores secundarios. Malos efectos especiales, pésimo uso de pantalla azul, trama de comedia mediocre que resultó bastante complicada de ver por los anuncios (la transmitía canal 6). Pero, jamás espere que ese mismo año (2013), el 2 de marzo para ser exacto, vería la adaptación de Studio Ghibli de esta obra infantil, Arriety y el mundo de los diminutos. Estrenada el 7 de julio del 2010, es el debut como director de Hiromasa Yonebayashi (de fama por Serial Experiments Lain y colaborador en la nómina del Studio), con los escenarios de Hayao Miyazaki (que se ha retirado de la labor de director para dejar el paso  a otros valores) y la música de Cécile Corbel (harpista occidental especialista en música celta); la obra es una adaptación japonesa de la clásica obra de Mary Norton. Sin muchas expectativas, me senté a disfrutarla, lo cual resulto ser una experiencia de café interesante debido a lo sencillo y a la vez ambicioso de la obra.

Inicio! Spoilers!

Fin! Spoilers!

Parte de una presentación de dos películas por parte de Dojo X y Misu Maid Café (como obvia parte de una estrategia de mercado para mejorar la asistencia a estas locaciones), Arriety sin lugar a dudas me dejó con los hombros arriba. La obra, como parte de la tradición de Studio Ghibli, es una de inmensa calidad artística y un gran trabajo de animación en si mismo. Pero confronta al espectador de las películas de estos realizadores a una realidad inquietante, ¡es más de lo mismo! Con obras caracterizadas por mensajes ambientales (el hecho de que Los Recolectores sean tan pocos que están en peligro de extinguirse), de las mujeres determinadas, de las tramas espirituales y fantásticas, el estudio saca una obra en manos de un director novato que se defiende bien con su primer trabajo (mejor que el hijo de Miyazaki) pero que no ofrece nada nuevo.

Esto me deja con una reflexión en la cabeza que no me puedo quitar de la mente. ¿Hasta cuando durará la fama y la buena fortuna de la gente? La fórmula del éxito no dura para siempre. Aunque 125 millones de dolares no es una cifra despreciable en una película, Studio Ghibli lentamente está perdiendo la batalla con una audiencia de gustos cambiantes. Las fórmulas establecidas y los éxitos no están garantizados en este mundo. Así como Los Recolectores son una raza en vías de extinción (tal como las Tres Grandes en Estados Unidos), así lo es este afamado estudio, que conforme pasa el tiempo se olvida de un hecho importante de la vida, la vida es cambio y evolución. Los niños lobo: Ame y Yuki, una obra de la que me referiré en julio, es el sinónimo de este cambio. Lento pero seguro el estudio perderá su dominio sobre la animación cinematográfica japonesa, y algo diferente se establecerá en su lugar. Sólo nos queda esperar a ver que sucede.