¡Hola qué tal! Hoy les traigo una serie con la que muchos se pueden sentir identificados. Aggretsuko nos trae la historia de una panda roja (de color amarillo) que se encuentra atrapada en un empleo de oficina que la convierte en una esclava de la rutina y las obligaciones. Esto puede parecer algo muy común, pero el asunto es la forma en la que nuestra pequeña Retsuko se libera del estrés. La pasiva y obediente Retsuko se convierte en un monstruo del metal cuando está sola, un contraste no solo estético sino de todo el personaje. Una serie que les va a parecer genial, espero que la disfruten.

Información técnica

Título: Aggretsuko- Aggressive Retsuko- アグレッシブ烈子
Estudio: Fanworks
Capítulos: 10
Lanzamiento: 2018
Licencia: Netflix
Género: Comedia, Recuentos de la vida

Sinopsis

Retsuko es una chica como cualquier otra en Japón, llena de sueños y esperanzas para el futuro. Luego de graduarse, ella se imaginaba en un puesto importante ganando buen dinero y con un horario a la medida. Pero la realidad es otra, nuestra pequeña protagonista se encuentra atrapada en un empleo de oficina agobiante, con un horario de sol a sol, una cantidad de trabajo aplastante (literalmente) y un jefe que es un total imbécil. El estrés que Retsuko lleva puede matar a cualquiera, pero ella tiene una forma muy particular de liberar su enojo. En un karaoke local nuestra protagonistas es ya cliente frecuente, pero esto no es nada especial, lo novedoso realmente es la selección musical que Retsuko utiliza. Un canto gutural nace de la tierna panda, lleno de palabras soeces y reclamos ofensivos hacia todos aquellos que le hacen la vida imposible todos los días. Es aquí donde conocemos a la verdadera Retsuko y es aquí donde todo comienza.

Aggretsuko y la vida del empleado moderno

Muchos de nosotros luego de un día libre

Mientras más nos involucramos en el mundo laboral, nos damos cuenta que las cosas son un poco más difíciles de lo que podríamos esperar. Horarios poco flexibles, puestos que tienen como requisito "trabajar bajo presión" (que solo significa que una empresa tiene pésima planificación o clientes problemáticos), cargas de trabajo muy pesadas, etc. Muchos podemos sentir que hemos entrado en un estilo de vida del que no podemos salir, porque nuestras obligaciones financieras no nos dejan mucha opción. A esto apunta Aggretsuko, a dar una imagen bastante dramática del modo de vida que aqueja a miles de personas en Japón, y claro, alrededor del mundo. Las grandes organizaciones buscan producir ganancias y muchas veces olvidan que son los empleados quienes realmente mantienen la empresa a flote, y esto es lo que Retsuko encarna.

Algo interesante de Aggretsuko es que está basada en una mascota creada para la empresa Sanrio. Sí, la Sanrio de Hello Kitty, de My Melody, de Keroppi y de Gudetama. Retsuko es una apuesta -bastante exitosa por cierto- de Sanrio por incluir un personaje totalmente novedoso en su colección, pero sin perder la distintiva imagen de "la empresa kawaii". Claro que cumplieron bien con el trabajo, con ciertas restricciones respecto al público; pero en general Aggretsuko mantiene ese estilo kawaii tan importante y, a la vez, incluye un nuevo estilo que genera un choque estético realmente armónico. Por cierto, les aseguro que les va a encantar esta serie.

Y finalmente ¡buenas noticias! Han confirmado oficialmente que la segunda temporada de Aggretsuko es toda una realidad. Les dejo el tweet oficial anunciado durante la Anime Expo 2018:

She’s BAAAAAAAAaaack. Her job still sucks. Her boss still drools. But she’ll be the first to tell you, metal still rules. #aggretsuko season 2 is a go! #AnimeExpo pic.twitter.com/Fv1xYrJaAm

— Leila (@leilaclaire) July 6, 2018

¡Hola a todos! Hoy les traigo la reseña de una película que ví hace poco (y lo hice porque encontré mucho hype en las redes) y la verdad me pareció excelente. Se trata de No Game No Life: Zero, que relata cómo se dió inicio al mundo Disboard llegó a ser lo que conocemos en la serie, además de cómo los humanos lograron obtener su lugar como Imanity, raza reconocida en este mundo. Si quieren saber más de la serie específicamente, pueden seguir este enlace, y luego volver aquí claro.

Información técnica

Título: No Game No Life: Zero
Producción: Madhouse
Dirección: Atsuko Ishizuka
Duración: aproximadamente 1 hora 46 minutos.
Lanzamiento: 2017
Género: Aventura, sobrenatural, fantasía.

Sinopsis

Un mundo en ruina total, devastado por una guerra interminable entre poderosas razas de seres capaces de utilizar energía espiritual. Aquí, los humanos sobreviven como roedores o cucarachas, luchando por obtener información que pueda terminar la guerra algún día. En medio de todo el caos y las pérdidas, uno de los humanos, nuestro protagonista, Riku, es encontrado por una ex-machina, una especie de androide cuyo propósito es reunir información para el clúster, un sistema de ex-machinas interconectadas. Aunque Riku pensó que iba a ser asesinado, la androide le propuso algo inesperado: convertirla en mujer (tener sexo con ella, por si no se entiende bien xD ). Riku se pregunta de dónde sale tal petición de una ex-machina, a lo que ella explica que se desligó del clúster por intentar una  misión sin sentido, ganancia ni interés para las máquinas, se trata de comprender el corazón humano. Para las máquinas, la supervivencia de los humanos es una excepción, una particularidad inexplicable según la lógica; los humanos, incapaces de utilizar energía espiritual, tener cuerpos débiles y vidas cortas, deberían haberse extinguido hace mucho en medio de la guerra, sin embargo, estos siguen luchando por su vida.

La ex-machina, que es llamada Schuwi por Riku, le ofrece información a cambio de ganar un juego de ajedrez; en caso de perder, Riku debería enseñarle a comprender el corazón humano, que parece ser la única razón para que los humanos sobrevivan. Desde este momento, Riku y Schuwi emprenden el viaje de la supervivencia juntos, intentanto reunir información para detener la guerra, lo que los llevará a buscar el mayor poder imaginable, capaz de convertir a quien lo posea en el único y verdadero dios, quien puede dictar las reglas a seguir en el mundo para todas las demás razas.

No game no life: Zero, un génesis épico

Algo que no esperaba de esta película es que fuera tan legendaria. Sabía de antemano que sería una adaptación del volúmen número 6 de la novela ligera, donde se relata el génesis de Disboard tal y como se conoce en la serie, pero la verdad no esperaba que fuese tan excelente. Por un lado, el hecho de que los seres humanos hayan sobrevivido ante todas las posibilidades es de por sí magnificar a los Imanity, porque los encontramos como cucarachas que lograron lo que ninguna otra raza espiritual logró. Por otro lado, que un simple humano y una ex-machina hayan realizado tal hazaña es aún mejor.

Riku y Schuwi, que en la serie se corresponden con Sora y Shiro, diseñan y efectúan un plan que pretende volverlos maestros de títeres, guiando a cada otra raza durante la guerra hasta el lugar que ellos quieren. Esta capacidad de pensar más allá de lo que cualquiera podría les da su carácter de genios.

Algo que me llamó la atención muchísimo es el nivel de drama que se maneja en la película. Durante la mayor parte del desenlace y hasta el clímax de la historia se vive un aire de odisea que te mantiene con los pelos de punta, y las lágrimas a punto de salir.

Esta película, a mi punto de vista, ha dado un enorme empujón a la serie, en el sentido de que ahora se explica cómo el dios de los juegos ha llegado a ser quien pone las reglas en Disboard, además que le da un carácter luchador a los Imanity. Respecto a la historia, creo que le da solidez al mundo de juegos en el que la serie se desarrolla, y establece un punto de partida épico para que posteriores temporadas entren con buen hype.

Un vistazo técnico

Creo que, como esto es una película, debería hablar del apartado técnico por obligación, siendo que en los largometrajes se invierte una cantidad de tiempo y dinero tal que, de terminar como un mal trabajo, se debe criticar sin dudarlo dos veces. En este caso, No Game No Life: Zero tiene una animación perfecta podría decirse (a excepción claro de algunos detalles de vez en cuando), los efectos, los movimientos, el dinamismo con el que se notan los personajes es nada menos de lo que se espera de una película, menos aún de una producción de Madhouse, una de las más importantes compañías en la industria del anime (y una de mis favoritas, si me dejan decirlo).

La banda sonora me pareció excelente, en medio de los diálogos y las batallas se puede sentir el nivel de drama que el momento requiere. Los efectos de sonido, también impecables.

El ambiente, los fondos y el movimiento de algunas partes del segundo plano  están bien trabajados, y no escatiman en pequeños detalles que sinergizan perfectamente con lo que se está viendo. En general, le daría un 9 de 10, por no decir un 10.

Como últimos comentarios, quisiera cerrar recomendando esta película para todos aquellos que han visto No Game No Life, y para los que aún no la han visto, se las recomiendo aún más (no hace falta saber tanto del universo de esta serie como para que se pueda disfrutar la película). De culquier forma, esperen un largometraje increíblemente dramático, entretenido y jodidamente épico. Debo decir que, gracias a esta película, me he comenzado a leer las novelas ligeras, algo que nunca he hecho con ninguna otra serie. Finalmente, espero que me cuenten qué les ha parecido esta película, y qué opinan que debería corregir o que no haya mencionado; sin más que decir, gracias por leerme. *Vean la película, no me cansaré de recomendarla, les dejo el trailer para tentarlos aún mas.*

¡Hola a todos! Hoy les traigo la adaptación más reciente de Kouta Hirano, el creador de Hellsing. Drifters es un trabajo que busca darle un nuevo carácter a personajes históricos. Como es ya su estilo propio, Hirano los ha vuelto sanguinarios y violentos, aunque algunos ya lo eran en vida real. Si gustan del toque que le da Hirano a sus personajes, les va a gustar Drifters, sin embargo, hay una particularidad -propia de este mangaka- a la que hay que acostumbrarse, luego hablaremos de ella. Que la disfruten

Ficha técnica

Título: Drifters - ドリフターズ

Estudio: Hoods Drifters Studio

Emisión: Octubre a diciembre 2016

Dirección: Kenichi Suzuki

Capítulos: 13 + 1 OVA introductoria

Géneros: hentai, sobrenatural, horror, acción.

Sinopsis

Shimasu Toyohisa, un samurai que vivió a finales del siglo XVI, pierde el conocimiento luego de quedar gravemente herido en una batalla, al despertar, se encuentra en un extraño corredor lleno de puertas, con un sujeto misterioso en un escritorio que, sin darle mucha explicación, lo envía a un mundo desconocido, donde encuentra otros famosos guerreros japoneses y hasta figuras estelares de otras épocas y regiones. Allí, donde no se sabe absolutamente nada de cómo o porqué han llegado ahí, Toyohisa y dos figuras importantes de la historia japonesa, a quienes llaman Drifters, encuentran el ambiente perfecto para continuar con eso que tanto aman: hacer la guerra.

En este misterioso mundo post mortem, cierto imperio fundado por un personaje poco conocido pero con una pinta muy similar a la de algún alemán megalómano de bigote inconfundible, domina un enorme terrirorio, en lo que parece una guerra perpetua con reinos vecinos que han resistido la dominación hasta ahora. Es aquí donde nuestro samurai comienza su propia guerra, llena de figuras históricas y peleas hasta el límite.

Del estilo de Hirano en Drifters

 
Como mangaka, Kouta Hirano no ha tenido una carrera despreciable, sin embargo, es con el éxito de su manga Hellsing (adaptado posteriormente) donde logró convertirse en una figura relevante en la industria. Su estilo es bastante particular, sus líneas son inconfundibles, y el diseño de rostros y vestimentas es impresionante. La acción y sangre es marca típica de su trabajo, y Drifters no es la excepción. En general, esta obra es bastante genérica en el sentido de que no pierde o, más bien, no agrega nada distinto en el estilo de Hirano. Por supuesto eso no quiere decir que no sea importante, sino que, como trabajo estilizado de su pluma, trae también una particularidad en sus mangas a lo que muchos no están acostumbrado (y esta es la razón de este apartado).



En momentos críticos de la historia, a veces se rompe todo el efecto clímax con un diálogo cómico, donde sus personajes aparecen caricaturizados (por llamarlo de alguna forma) y parecen hasta divertidos. Para los que seguimos su trabajo desde los manga, sabemos que esto es un rasgo típico de este autor. En Hellsing esto es muy recurrente, aunque como no se vió sino hasta la adaptación en ovas de "Hellsing Ultimate", muchos no recibieron este momento Hirano de buena manera. No podría (ni me interesaría) defender estas grietas en las obras de Hirano, pero sí quise mencionar que esto es típico de sus trabajos, por lo que es algo que no debería tomarse a mal, sino como parte del estilo propio que todo mangaka aporta a sus obras.

Kouta Hirano y su fantasía histórica

Debo admitir que cuando ví los trailers de esta serie me sentí muy emocionado, dejé este manga muy temprano (por obligación y no por gusto) y esperaba mucho esta adaptación. Me sentí complacido con la calidad de la animación, y la fidelidad de esta con el manga de Hirano. Por otro lado, encontré en esta mezcla de figuras históricas algo poco atrayente, por lo forzoso que estas se integran en la trama. Pero, a fin de cuentas, de eso se trata la ficción y la fantasía.

Lo que me gustó bastante de esta serie, y que es donde el estilo de Hirano más impacta, es en la estilización de las figuras históricas. El mangaka tomó su contexto histórico, y lo aplicó en las habilidades mágicas sobrehumanas de los personajes, y esto quedó muy bien. Todos los personajes se ven acordes con su historia original (dentro de lo que se puede decir) y aprovechan muy bien esto para volverse personajes ficticios bastante impresionantes. Claro que, como buen japonés, tenía que darle el protagonismo y la victoria a las figuras del Japón feudal, pero no es algo que moleste en absoluto.

Drifters, conclusiones

Siendo fan de Kouta Hirano, pienso que esta serie es un must-see, pero que podría parecer chocante el hecho de los momentos cómicos que interrumpen en cualquier instante. La adaptación es realmente buena, la calidad de los efectos y la animación tiene poco o nada para reclamarle, además, el apego al estilo del manga está al nivel esperado. La historia es interesante y deja suficientes interrogantes como para que se siga esperando otra temporada. El soundtrack no está nada mal, sin ser tampoco de lo mejor. En general, es una serie que podría (ojo, podría) abrir un nuevo espacio para que este mangaka busque un protagonismo nuevamente.

Finalmente, espero que les haya gustado y recuerden, cualquier comentario o duda o corrección es más que bienvenido, no lo piensen dos veces para hacérmelo saber ¡saludos!

Alguna vez durante la década de los 80's, Kitty Films era un impresionante monstruo de la producción de animes. Aunque esta agencia de modelos convertida a productora no dibujó ni una sola celda de ninguna de sus obras, el éxito de Rumiko Takahashi y una serie de acertadas decisiones de su planificador de animación Shingekazu Ochiai guiaron a la compañía a ganarse una reputación como una de las casas de animación más destacadas de Japón. Sin embargo, conforme se acercaba el fin de milenio, malas decisiones administrativas comenzaron a destruir este éxito desde adentro, donde la codicia, el robo y la malversación fueron minando la confianza de sus patrocinadores.

Para el final del milenio su carga de trabajo literalmente se había reducido a cero, con la subsecuente cancelación de proyectos y su venta a las casas de animación para que se encargaran de comercializarlo. Irónicamente, uno de estos proyectos tiene el dudoso mérito de ser una de las primeras animaciones orientada para público adulto. Antes de que el ecchi como género se hiciese popular, el seinen del artista hentai U-Jin había llamado la atención de este consorcio, que inicio el proceso de animación, pero que debido a la crisis finalizó y comercializó Shaft. De esta forma, de la mano de un estudio decadente nos llega una obra simpática que sería el espejo sobre la cual las demás se podrían comparar en el futuro, Sakura Diaries. 

Escritor: U-Jin

Director: Kunitoshi Okajima

Guión: Kenji Terada

Animación: Shaft

12 episodios

Mayo - Octubre 1997

Hay que ser muy sinceros, Sakura Diaries no ha envejecido bien (el uso de beepers para mandarse mensajes desapareció con la popularización del celular al principio del milenio, algo que se ve claramente en Serial Experiments Lain). Sin embargo, lo que me llama la atención y por lo que creo que es digna de tomar en cuenta es que en esta obra por primera vez se pone a disposición del público una serie donde se expone a la depredadora en busca de su presa. Como uno de los fetiches del imaginario japonés, Urara hace hasta lo imposible por llamar la atención de su primo, la mayor parte del tiempo sin éxito. Incrustada en un triángulo amoroso, su vida sentimental queda destruida al final de esta (por cierto incompleta) adaptación; gracias a sus mentiras, su indecisión y su incapacidad de enfrentar la realidad desde otro punto de vista.

Este "castigo" que recibe la protagonista, así como la incapacidad de su pareja de conocer sino hasta el puro final el grado de los sentimientos de su prima; adelanta por mucho tiempo los triángulos amorosos a los que nos mal acostumbrarían las inumerables novelas ligeras y obras del montón que han sido liberadas durante los últimos veinte años. Aunque con un tono más abierto y positivo, los valores están presentes aún en la actualidad; con un protagonista pervertido, lascivo pero indeciso; una amante indiferente y otra agresiva que lo obligan a buscar el punto intermedio entre ambas.

Con amigos y rivales que llevan a los protagonistas a una montaña rusa de emociones, Sakura Diaries sobresale de entre el montón porque fue una de las primeras que introdujo estas fórmulas de forma descarada a un público adolescente. Aunque la luz no censuraba las partes nobles y pertenece a una época más recatada, vale la pena echarle una mirada y comparar contra lo que existe ahora. Eso si la encuentran por supuesto. Lol!

Hoy les traigo una de mis series preferidas, un clásico de la animación erótica de hecho. El gran artista erótico/pornográfico Toshio Maeda inició, con este trabajo, el género de los tentáculos y demonios (o monstruos) en el manga moderno. Con un estilo inconfundible y una serie de temáticas que danzan entre lo horroroso y lo erótico, Maeda se ha convertido en uno de los mangakas hentai más aclamados y conocidos. Ahora, veremos uno de los trabajos más emblemáticos del padre del tentacle-rape: Urotsukidoji.

Ficha técnica

Título: Chōjin Densetsu Urotsukidōji - Urotsukidoji, la leyenda del señor del mal
Estudio: Phoenix Entertainment
Emisión: Enero 1987 - Abril 1989
Dirección: Hideki Takayama
Capítulos: 3 OVAs
Géneros: hentai, sobrenatural, horror, acción.

Sinopsis

Tres reinos conviven con cierta normalidad: el mundo humano (ningenkai), el de los hombres bestia (juujinkai) y el de los demonios (makai). Cuenta la leyenda que el Choujin (overfiend, el rey demonio, el señor del mal) revive cada 3000 años, y que con su llegada traería la unificación de los tres reinos, así como la armonía eterna entre todas las creaturas. Es por esto que Amano Jyaku, un hombre bestia, se ha dado a la tarea de encontrar al choujin, y conseguir así el reino eterno que las leyendas tanto prometen; sin embargo, lo que descubrirá es que la leyenda no está del todo acertada y que su hallazgo del señor del mal solo traerá la destrucción inminente de todas las creaturas de los tres reinos.

Urotsukidoji, el nacimiento de un género

Se dice que, con la adaptación de Urotsukidoji, se inició el género tentacle-rape en el manga moderno. Esto es verdadero en cierto modo, porque es con esta animación que se comienza a explotar de forma más abierta, más "pública", la temática de los monstruos multi-tentaculosos. Pero esto no es del todo original de Maeda. La historia del arte en Japón rebosa de erotismo, más aún, de pinturas tradicionales que explotan el imaginario de la época y lo plasman sin tapujos; como ejemplo de esto podemos encontrar la inmortal obra Tato to ama (蛸と海女 - el sueño de la esposa del pescador) del reconocido artista Katsushika Hokusai, que no es la única en su tipo, pero que sirve como una inconfudible muestra de la tradición artística e imaginaria del país del sol naciente. Claro, en esta ocasión no vamos a entrar a fondo en la historia del arte erótico de Japón, pero al menos nos damos una idea.

Tako to ama - el sueño de la esposa del pescador, Katsushika Hokusai

Ahora, indiferentemente si la idea de los tentáculos picardos no es original de Toshio Maeda, sí hay que reconocer que abrió un vacío legal que dió puerta a que muchos trabajos de este tipo vieran la luz. La regulación de material pornográfico en Japón es bastante particular, desde hace mucho tiempo lo ha sido, y, para conseguir que sus ideas no murieran antes de siquiera tocar tinta, Maeda acudió a los viejos y conocidos tentaculos para darle vida a sus trabajos sin que estos sufrieran tanto acoso de la ley. En pocas palabras, Maeda encontró un vacío legal y lo aprovechó.

Cuando lo grotesco y lo erótico se encuentran

El universo del manga (y del anime claro) cuenta con increíbles trabajos que mezclan el erotismo y la violencia, como dos caras de una misma moneda. Obras legendarias como Devilman, del maestro Go Nagai; Genocyber, como una magnífica crítica a la guerra; y Midori, la niña de las camelias, uno de los eroguro más reconocidos; y muchos otros trabajos que veremos luego; nos abren la mirada hacia nuevas formas de explotar la existencia humana en las que los japoneses son expertos. Ese movimiento artístico encapsula también a Urotsukidoji y le potencia para exponer todo lo que la mente de Maeda logra imaginar. La violencia y la pornografía no limitan sino que son, por el contrario, carriles por los que se puede llegar a todo lo imaginable. Con esto estoy pensando también en esos trabajos eroguro que sobrepasan ciertos niveles de brutalidad, pero que podremos ver luego.

El manga original es estrictamente pornográfico, Maeda no se anda con rodeos.

Para finalizar, espero con esta pequeña reseña -a modo de introducción- haber despertado en ustedes la curiosidad por verse esta serie, y, para los que ya la han disfrutado, me gustaría saber qué más podríamos decir de este fascinante trabajo, si omití algo o hay algún tema que quisieran profundizar no duden en comentar.

El anime y el hentai son elementos que vienen juntos de la mano. Lamentablemente para las damas (que son las que menos consumen este género) la gran mayoría de los otakus son adolescentes y jóvenes adultos, llenos de hormonas y sujetos a los cambios de esas eras. De esta forma, la vista de enormes senos desnudos rebotando en la pantalla, mojados en sudor, cubiertos por brazos lascivos de hombres (la mayoría no tan bien formados) o cubiertos por tentáculos traviesos que investigan por cada orificio de las núbiles y sensuales curvas femeninas es una vista irresistible para esas hormonas; así como el conveniente descargo de estas sensaciones produce. (En resumen, lo odien o no, Fap! Fap! Fap!)

Dejemos la poesía y las palabras rebuscadas para hablar de sexo. Durante las investigaciones exhaustivas de material hentai para Animania a mediados del 2000 me tropecé con un OVA que cautivó mi vista por su presentación estética así como la belleza de su personaje principal. Había recibido la instrucción de parte de mis colegas de que el material que bajara no debía tener censura. Así que como soldado obediente, baje tres versiones diferentes de la serie y la observé las tres veces para asegurarme de que no tenía censura. Por esta razón es que hoy les hablo de Sexo Letal (traducción al español de Kite), una historia que combina muy bien el género de violencia, el gore y el sexo en la misma ecuación.

Ficha Técnica de A Kite.

OVA: Kite (カイト kaito), también conocida como A Kite
Director:  Yasuomi Umetsu
Genero: Anime de Vida Diaria, Animé Psicológico, Hentai Suspenso, Crimen, Cine negro.

Tal como muchas cosas buenas, el anime de Ranma cumplió 25 años desde el inicio de su emisión, allá en abril de 1989. El 15 de abril de ese año, la exitosa asociación de Rumiko Takahashi con Shingekazu Ochiai de Kitty Films ya había sido sinónimo de éxito tanto para Shogakukan, como para Viz Media, Kitty Films y Studio Deen, que fue la encargada de animar la mayoría de las series de la autora. Pero Ranma superó por mucho la mayoría de las expectativas tanto en el mercado japones como en el mundo. Aunque los derechos de la serie llegaron a América casi diez años después (con sus numerosos cortes de censura), de inmediato se hizo la gran favorita de muchos aficionados. Pero la forma en que terminó no quedó bien con nadie. La verdad es que ya habían cosas que se cocinaban dentro de la misma serie y el manga, que iban a destrozarla, que iban a entregar a Rumiko en las manos de Sunrise y provocaría su caída como una de las grandes mangakas al nivel en que se encuentra ahora (pasar de vender 30 millones a 300 mil volúmenes por año es una caída significativa). Bueno, sin más preámbulo, cosillas de Ranma para celebrar su aniversario.

1. Ranma 1/2 no terminó, fue terminado.

Este es un secreto a voces que se ha dicho durante muchos años pero de los que pocos aficionados están conscientes. Debido a su éxito, Rumiko Takahashi contaba con libertades que ningún otro autor manga contaba en su medio. Su experiencia con el anime fue una de las más felices de la historia. Con su directa intervención, la Shogakukan entregó los derechos de Urutsei Yatsura, Maison Ikkoku y Ranma 1/2 para que fuera animada por Kitty Films. Los trabajos de Rumiko fueron exclusivos del estudio debido a que ella había sido compañera del productor de animes de la compañía, Shigekazu Ochiai. Pero, para 1992, se comenzó a destapar el escándalo de que Hidenori Taga (el presidente ejecutivo) desvió recursos de la división de anime a la división de música por lo que tuvo que renunciar a su puesto, mientras que Sigekazu Ochiai fue transferido a Pao House Studio. A pesar de los buenos ratings, el interés de Fuji TV cayó (no se quisieron ver enredados en el escándalo) y ordenaron a Studio Deen (el estudio de animación subcontratado para el proyecto) acabar el anime. Esto nos deja con el insatisfactorio final del reencuentro de Ranma con su madre y la despedida final de los muchachos. Luego de esto pasarían ocho años antes de que Rumiko se decidiera a animar otra serie (y su última serie animada hasta ahora).

2. ¿Alguien sabe donde diablos se metió el Dr. Tofu?

Uno de los personajes secundarios más queridos de todo el manga y el anime, el Dr. Tofu Ono fue el primer amor platónico de Akane Tendo. Eternamente enamorado de Kasumi Tendo, este despistado y alocado médico despertó risas y comentarios de muchos de los que vimos la serie. En los momentos más decisivos (como en el capítulo de la moxibustión) su amor por Kasumi provoca horribles desenlaces que caracterizan la vena cómica de toda la serie. Pero luego de este capítulo desaparece de la serie. ¿Qué le pasó? Sufrió la muerte de Rumiko. Si, Rumiko Takahashi se caracteriza por "matar" a personajes secundarios. Sólo saquen todos los personajes secundarios de Ranma que no mueren y se darán cuenta de que se puede tornar inmanejable. Descanse en paz doctor, donde quiera que esté.

3. Happosai, la definición por excelencia del Ero-Sennin.

Es tradicional en las culturas orientales que el maestro ermitaño, de tanto tiempo de estar solo se torna pervertido. Mujeriego, persecutor de faldas y atento a las oportunidades de ligar, estos grandes maestros son las pesadillas de las mujeres y sus alumnos. Es tradicional de los fans del shonen la figura de Mutten Roshi (el maestro Roshi) el cual obliga a Goku y a Krillin vestirse de mallas para ver a Lunch en su forma más sensual. Pero Happosai llevó este estereotipo a un grado extremo. En apariencia inútil, frágil y delicado, este pervertido y loco maestro de artes marciales es la pesadilla de todas las jovencitas de la localidad donde vive Ranma. Cleptomano (roba ropa interior), vanidoso, mantenido, inútil e infame, es una figura que todos odian pero a la cual se le ama por lo inútil de su apariencia, aunque esto resulta evidente demasiado tarde. Con esto Rumiko logra dar una dimensión diferente a un claro cliché que es imitado en tiempos venideros.

4. ¿Cuántos harems hay en Ranma?

Las comedias románticas de harems son muy populares en la actualidad. Literalmente, EL IMBÉCIL que es rodeado por las ZORRAS ha tomado el argumento de todos los ecchis y comedias románticas para transformarse en el estereotipo de todas estas series, incluso las normales. Sin embargo, Rumiko puso un punto de diferencia casi de inmediato en la serie. Porque el primer harem que vemos no es el de Ranma, es el de Akane. Akane Tendo es la pretendida de todo su colegio, la chica a la que todos quieren derrotar y que todos aman. Cuando el polvo queda sentado, Akane disfruta de un harem diverso; con un especialista en artes marciales trasvestido (Ranma), un dulce y tímido chico atorado en el friendzone (Ryoga), un pretendiente al que detesta de todo corazón pero que insiste en rotar sobre ella (Kuno) y uno que ni siquiera sabe que existe (Gosunkugi Fetiche). Si a esto le añadimos que Ranma tiene su propio harem que aparece posteriormente (la sensual pero nociva Shampoo, la marimacha Ukyo, la molesta Kodachi y la misma Akane) tenemos una receta para el desastre dispuesta para todos los gustos.

5. ¿Cuántas especialidades de artes marciales de estilo libre existen?

El estilo libre de artes marciales (Musabetsu Kakutō Ryū) es en realidad que el estilo mixto, un arte marcialista puede usar cualquier tipo de arte marcial conocido para imponerse a sus oponentes. Lamentablemente, hay que reconocerlo, Rumiko Takahashi no tenía ni la más remota idea de los tipos de artes marciales involucrados y no estaba en condiciones de saber en el negocio lucrativo en que se transformarían durante la siguiente década después del éxito de su serie. Por esto, cada vez que necesitaba poner en peligro a alguien en la serie hacía aparecer un enemigo con un arte marcial orientado a alguna clase de trabajo normal o tradicional japones, chino, koreano u occidental. De esta forma tenemos estilo libre de combate en patinaje, estilo libre de combate gimnástico (estos son los más populares), estilo libre de combate con comida (Ukyo). Esos son los menos ridículos. Las técnicas variadas, las nuevas habilidades y los nuevos rivales amenazan con derrotar a Ranma pero este siempre "triunfa y resulta invicto" (aunque más de una vez le dan por todo lado). Lo bueno de esto es que este nunca se hace enemigo odioso de casi ningún protagonista principal o secundario, lo malo es que de quienes si se hace enemigo sufren la amnesia Takahashi y desaparecen. 

6. ¿Qué tiene que ver el amor con todo esto?

Una de las habilidades más grandes de Rumiko Takahashi, lo que le ha valido su imperecedera fama es la tensión romántica. Su variedad de personajes comparten sus caminos entre la profunda declaración de amor (Shampoo y Ukyo que son más directas hacia Ranma), la negación (Akane y Ranma), la timidez (Ryoga) y el rechazo (Moose). A pesar de todo, los personajes comparten sus vidas, son diferentes, se desafían y conviven; mientras intentan atraer a su amado a su lado. Pero como toda especialista en este género, ella sabe que debe conservar la tensión en todo momento, así que cuando debe ocurrir el reconocimiento de ese loco sentimiento llamado amor, algo sucede que arruina el momento y devuelve todo al status quo. Eso está bien en los primeros capítulos, pero cuando se extiende eternamente esta se vuelve una broma de si misma. Aunque Rumiko lo maneja de esta forma. En eso reside su habilidad.

7. Ranma es un chico que disfruta de ser chica.

Esto tal vez sea lo más interesante de todo. Ranma detesta su condición, detesta la fragilidad que le ofrece ser transformado en mujer, odia tener curvas y detesta en general todos los problemas en que lo mete ser "linda pelirroja". Pero aún así, disfruta de los postres (los cuales serían públicamente humillantes si los toma como chico), es expositiva y no teme usar sus atributos para obtener lo que quiere. Desde este punto de vista, a pesar de afirmar que detesta su situación, la verdad es que al igual que su padre y el resto de los personajes se ha llegado a acostumbrar y a vivir con ella. Por esta razón es que Ranma es la quintaesencia del transgénero, porque a pesar de esforzarse por revertirla ya hacia el final ya ni siquiera hacía esfuerzo para hacerlo (el último esfuerzo fue el fiasco de las aguas sagradas japonesas).

8. ¡Akane, la primera tsundere!

Aunque la Lum Invader de Urutsei Yatsura fue el primer modelo de una mujer fuerte y decidida en las historias de Rumiko Takahashi, Akane Tendo fue la flor de cerezo de las mujeres de esta destacada escritora. Dedicada en cuerpo y alma a defender el dojo, convertirse en la sucesora de la Casa Tendo y ser digna de un título como luchadora; Akane ha dedicado toda su vida a la práctica de artes marciales. Esto en deprimendo de todas esas pequeñas cosas que hace a una mujer atractiva para el hombre japones. Marimacha, irrespetuosa, mal hablada y vulgar (si, la voz en japones no es respetuosa ni linda), Akane es todo lo contrario al Yamato Nadesiko, la perfección femenina (como lo es su hermana Kasumi). Su falta de delicadeza, su total ausencia de decoro y su incapacidad de cocinar algo comestible se convierten en el sello de su persona, que corona con las constantes agresiones a Ranma. Aún así millones de seguidores se enamoraron de ella. Porque a veces el hombre no busca quien lo complazca, sino algo con que sentirse bien. Por esto la impactante Akane ayuda a arrancar una tendencia que sigue siendo moda en el anime moderno.

9. Malditos estanques malditos. ¿Por qué no pagan un tiquete en barco y terminan con todo? ¿O le piden a Pantimedias Taro que los lleve?

La fuerza de la serie y su debilidad más grande es lo que le da vida a todos los enredos que hacen la comedia de Ranma única, los malditos estanques de Jusenkyo. Tal como lo pusieron en uno de los viajes al pasado en sueños de Genma y Ranma, es tan estúpidamente ridículo entrenar en esos estúpidos estanques que no existe posibilidad de no caerse dentro de ellos. Dado que los Saotome son unos muertos de hambre, Ryoga es un perdido y los dos artemarcialistas chinos afectados cayeron porque eran bien estúpidos (la única conforme es Shampoo); no hay forma de que regresen a China a menos que repitan los pasos anteriores (nadar hasta el continente). Bueno, es curiosa la forma en que el ridículo de la comedia deja de lado el orden normal de las cosas con tal de sacarnos risas. Pero a partir de cierto momento, deja de hacer gracia si uno lo piensa bien. ¡Que pena Rumiko! 

10. Ranma 1/2 es el punto máximo de la carrera de Rumiko.

Es lamentable pero es cierto. No importa si las millones de enamoradas del perro de Inu Yasha me discuten la afirmación, Ranma muestra la madurez completa de Rumiko como autora de comedia romántica así como su punto cumbre, también da inicio a su decadencia. Luego del final del manga de Ranma el mundo artístico cambió y Rumiko se tuvo que adaptar a esto. Ella escogió la tendencia sobrenatural, y formó una maravillosa historia romántica, ¡qué nada tenía que ver con lo que había hecho! Para empeorar las cosas, su inexperiencia en series shonen se hizo manifiesta con la forma de su villano unidimensional y literalmente único, Naraku. Cuando el polvo se asentó, el final me produjo un ¿qué? el cual es difícil de quitar de la mente. Rin-ne pagó ese precio. Ya ahora a la señora Takahashi poco le importa, ella nada en sus millones, pero la edad no perdona y los gustos tampoco. ¡Que pena!

Bueno, este es el pequeño recorrido en honor a las curiosidades de Ranma 1/2. Disfrutemos a la hermosa pelirroja y al atrevido guerrero que nos divirtieron por casi una década, ya que esto será lo último que veremos de este lado del Pacífico si expiraron los derechos. Por todos los momentos de gozo y alegría que nos dejaron, gracias. Si no está de acuerdo, ya sabe donde poner sus quejas. Sus comentarios enriquecen la página y nos place contestarlas todas. Y en lo más profundo espero que la señora Takahashi se recupere de su bajón, porque su forma de ver el humor siempre me ha encantado.

¡Hola a todos! La temporada que acaba de pasar (verano 2017) dejó algunas series de las que hablar, algunas que comenzaron muy bien y luego cayeron, otras que son indiscutiblemente lo mejor que hubo en verano y otras que, como siempre, son "del montón". Esta vez les traigo una que causó mucho revuelo, tanto por su estilo como por lo que proponía. Se trata de Kakegurui, una serie donde la locura y la ambición se unen para dar un resultado muy especial.

Ficha técnica

Título: Kakegurui - Compulsive Gambler

Estudio: MAPPA

Director: Yuichiro Hayashi

Capítulos: 12

Lanzamiento: verano 2017

Sinopsis

Como muchas academias privadas, la Hyakkaou rebosa en estudiantes pertenecientes a familias increíblemente adineradas; sin embargo, lo que la diferencia de cualquier otra es la forma en que los estudiantes resuelven su estatus: apuestas. Las apuestas y los juegos de azar son algo de esperar en algunas ciudades muy reconocidas, pero, en una academia esto no es algo realmente común; por esta razón es que la academia Hyakkaou resalta, y no solo por eso, sino porque los riesgos que existen al apostar y los personajes más reconocidos como expertos apostadores son, por mucho, excéntricos y hasta completamente desproporcionados. Además, los integrantes del consejo estudiantil han establecido reglas muy particulares: si alguien ha perdido cualquier cantidad de dinero y es incapaz de pagarla, queda marcado como un pochi - ポチ (en el caso de los hombres) o una mike - ミケ (en el caso de las mujeres). Pertenecer a estas categorías trae consecuencias bastante desastrosas, básicamente estas personas dejan de ser humanas, y se convierten en cosas, esclavos que no tienen más opción que obedecer y dejarse humillar por su condición.

Es en este ambiente, lleno de riesgos y locuras, que llega nuestra protagonista, Yumeko Jabami, quien aparentemente es solo una nueva estudiante más, carne fresca, para los grandes apostadores; sin embargo, todos se llevan una sorpresa al descubrir que es una maniática adicta a las apuestas, quien no descansará hasta saciar su sed de apostar con los mejores y más desafiantes jugadores de la academia: los miembros del consejo estudiantil.

Kakegurui ¿una fórmula vieja con un nuevo matiz?

Todos hemos visto la misma historia una y otra vez: una academia prestigiosa, donde todo se decide de alguna extraña forma (artes marciales, como la más tradicional de ellas), un perdedor debe darle la bienvenida a un nuevo estudiante que termina retando a cuanta autoridad se encuentra a su camino, volviendo de cabeza todo el statu quo. Kakegurui no trae nada nuevo en este sentido, ya vimos que se acopla perfectamente en este patrón. Pero lo que podría diferenciarla son tres cosas: la extraña forma de control es, en este caso, por medio de las apuestas; la estética que manejan los protagonistas (particularmente las mujeres) son increíbles, debo decir que es lo que más me ha gustado de esta serie y, por último, el más o menos factor intelectual por el que nuestra querida Yumeko descubre y estudia las posibilidades y detalles que hacen de cada apuesta una lucha a muerte. Claro, esto también se ha visto, como en No game no life, pero esta vez con menos aires de gamers y más de trastornadas adictas a las apuestas, particularmente al riesgo que viene de ellas.


No sé si el fuerte de esta serie es su premisa, pero en realidad creo que logra destacar por los personajes excéntricos y las reacciones retorcidas que estas mujeres hacen, es decir, el fuerte de Kakegurui es su estética (al menos ese es mi parecer).

Por otro lado, la estructura de estas series te obliga -en gran medida- a mantener el trabajo enfocado en lo que te hace diferente. Ikki Tousen, por su parte, te mantiene en los voluptuosos cuerpos que una y otra vez se encuentran en combate; Tenjou Tenge cumple también una estrategia similar. El gran problema de Kakegurui, según lo veo, es que intentaron en un momento darle algo de historia a algo que no debía tenerla. La gran fortaleza de esta serie es su estética y la alucinante capacidad de análisis que los personajes tienen de una situación de azar, como lo son los juegos; sin embargo, en un punto la serie decayó al ponerse a agregar historia (mal desarrollada, por cierto) y un supuesto romance poco provechoso. Cuando esto sucede, siento que la serie perdió su esencia, perdió eso que te hacía pensar en la locura de cada personaje, y por esto es que llegó a nada en realidad.

Para finalizar, quisiera hablar un poco sobre los aspectos técnicos. La animación sí está bien cuidada, hay muy pocos espacios donde se pierde un toque el nivel, pero nada que afecte tanto en realidad. El detalle de las expresiones en los personajes jugó un rol fundamental y ayudó a que la serie diera en el clavo con todo lo que tenía. El opening, que en realidad es algo que generalmente no me interesa, me gustó bastante, es un excelente preludio a lo que se viene en la serie sin caer en spoiler. Sí hay que destacar las voces, en ocasiones los gritos y las reaccione son tan alarmante que parece que los seiyuu van a desfallecer en cualquier momento, pero es solo un detalle que quise mencionar.

El final de un ciclo...

¡Qué guap@ eres, Ash! ¡Aunque seas un bate!

Durante un período de más de una década, mi vida universitaria y de mis primeros trabajos circuló en torno de los Centros de Juegos de Video, a los que dedicaba una cantidad importante de mi día. Mi estadía en ellos resultó una adicción muy tentadora, la cual me ponía en evidencia con mi familia (excesiva sudoración). Pero ya hacia el 2003, con el cambio a un empleo más formal y la adquisición de una nueva computadora ralentizó mis visitas. Ya para mediados de la década pasada deje de lado esa parte de mi vida y proseguí explorando otros medios de entretenimiento hedonista sin sentido (Wii).


Así que si me preguntan, ¿cuál fue el último juego de Arcade que jugué?, la respuesta podría extrañarles. King of Fighters 2003, que introdujo una serie de personajes nuevos incluyendo a un@ sospechos@ protagonist@ que hizo del deleite de los jugadores que gustaban de las mujeres. Pero algo no se sentía bien con dicho personaje, así que decidí continuar con mi tradicional equipo mientras observaba los combates. Con el tiempo sabríamos todos que Ash Crimson era un bate muy afeminado.

¿Por qué me gusta Mai Shiranui? Mmm...

Más o menos unos años después, con el final de la SNK y la venta de los derechos de KOF a otras marcas, salió a la venta en Play 2. Maximum Impact, un remedo y un placebo para los amantes de los juegos que rememoraban el pasado. KOF pasaría por una década terrible, pero como estrategia de mercado, se liberó un OVA de cuatro episodios para explicar lo sucedido después de la formidable historia del juego (si, formidable pasar de un 3-3 a un 1-1 de seis contrincantes, por supuesto). Y así fue como nació KOF: Another Day. Sigh!

The King of Fighters: Another Day

Director: Masaki Tachibana
Guión: Fumio Asamuna
Música: Daiki Kasho
Animación: Production I.G.
4 episodios
Diciembre 2005 - Marzo 2006

Inicio! Spoilers!

En Con Todo, Alba sale a hacer una inspección en South-Town y deja a Soiree a cargo de la banda que ha recuperado la ciudad. Sin embargo, con la llegada de la noche se inician un serie de incendios misteriosos que consumen la ciudad. Soiree dirige los esfuerzos de la banda para salvar a sus habitantes mientras con mucho esfuerzo rescata la niña que Alba fue a dejar a su casa del incendio que consume su hogar. Luego de dejarla a cargo de Mai Shiranui y Athena, este intenta alejarse para buscar a Alba, pero Iori Yagami aparta a la niña obsesionado con algo que ha visto. Al reclamarle su acto, Soiree e Iori pelean, pero quedan atrapados en una iglesia ardiente y Soiree es rescatado por Athena y Mai. Desesperado, Soiree busca a Iori por todas partes, pero llega Alba y confirma que este continúa con vida. Extenuado por el horrible día que ha tenido, Soiree cae agotado aliviado por ver que todos están a salvo.

Ojo! Spoilers!

En Acceso, Rock Howard sufre pesadillas por su pasado. El hecho de que su mentor Terry Bogard fuera quien asesinó a su padre no ayuda a su confianza. En busca de aire fresco para ordenar sus ideas, él sale a una ciudad en llamas y observa un rayo láser que cae en el edificio Howard donde se llevo la primera King of Fighters. En el techo, Billy Kane y la asesina Lien Neville luchan por una orden que la asesina recibió para matar al criminal. Lamentablemente ella no es su rival y es lanzada de la azotea del edificio. Como se resiste a caer, Billy va a darle el puntillazo cuando llega Rock a enfrentar al asociado de su padre. Aunque Billy tienta al joven a reclamar su legado, Rock prefiere salvar a Lien, cuando este decide matarlos ella llama el respaldo que activa un láser satelital que termina la lucha. La razón por la que Rock se presentó en el edificio fue rescatar un cuadro de su madre, que cree perdido porque su locación fue destruida. Cuando regresa a casa Terry huele a quemado, al ver una esquina descubre el cuadro y sonríe al ver la importancia que tiene para el Lobo Solitario.

Ojo! Spoilers!

En La Oscuridad, K' y Maxima hackean el sistema de seguridad del equipo Ikari para descubrir la locación de su creador, el Dr. Makishima. Lamentablemente el equipo Ikari se da cuenta y ambos deben huir en el subterráneo para escapar. Por supuesto, escapar de Leona, Ralf y Clark es realmente difícil; ambos deben luchar en el subterráneo para escapar, más porque el equipo los ha acusado de secuestrar al doctor, así como de la aparición del clon de Kyo. Con una oportuna sincronización Maxima logra sacarlos del subterráneo y ponerlos en otra ruta; donde los espera Whip y Kula que son parte de este equipo.

Ojo! Spoilers!

En Todo Terminó, mientras rescata a un herido Kyo Kusanagi descubre la flama verde que ha provocado el incendio en South Town, el cual es obra de Ash Crimson. Con Alba en sus talones, Ash desata su fuego y destruye una grúa para obligar a Kyo a usar sus poderes, lo que convence a Alba de que él fue quien incendió la ciudad. Mientras los dos héroes pelean entre si, Iori Yagami alcanza a Ash en la azotea y exige pelear en su contra para recuperar su poder, pero este huye bajo las órdenes de sus superiores. Mientras el equipo Ikari decide la mejor forma de controlar al clon de Kyo, Iori les aclara que es el verdadero y detiene la pelea entre Alba y Kyo, que se disculpan y continúan su camino. Cuando Ralf le pregunta a Kyo si es el verdadero, el enciende su llama dispuesto a mostrárselo.

Ojo! Spoilers!

Conforme Soiree se recupera ante la mirada de Alba, una mariposa azul pasa volando por el templo. Desde el parque, Luise Meyrink mira a ambos luchadores y exclama "Judeim!" refiriéndose a ambos.

Fin! Spoilers!

Las series basadas en juegos no funcionan

A pesar de que existen muchas pruebas que contradicen dicha afirmación, la verdad es que una serie basada en un juego de video depende de factores que no siempre se llevan bien, los cuales son:

1. Adaptación oportuna.
2. Un buen guionista con una buena historia.
3. Creatividad.
4. Fidelidad al material.