KINGDOM es un manga de Yasuhisa Hara, que relata un periodo de la historia china llamado "Los reinos combatientes": El periodo de los sabios/dioses ha pasado y los diferentes reinos combaten entre sí (algo similar dice el relator al principio de cada capítulo)

Xin es un humilde sirviente que, pese a su condición social, desea convertirse en el mayor general del mundo. 

Admito que a los primeros capítulos les he perdido el interés, la historia me pareció algo confusa y tardé bastante en volver a verla. ¿Por qué alguien deja de ver KINGDOM? Yo creo que es por dos motivos:

Porque es una historia atípica, ¿porqué los japoneses harían su propia versión de la historia china? Quizás nunca lo sabremos. Pero además de su rareza, dentro del género "histórico" es una de las historias que muestran menos sangre, aunque haya miles y miles de muertos por las guerras multitudinarias. La historia pareciera ser un gran ajedrez de la vida real, con un ideal típico en el animé: los sueños personales llevan a trabajar en equipo para lograrlos.

¡Hola a todos! Hoy les traigo la adaptación más reciente de Kouta Hirano, el creador de Hellsing. Drifters es un trabajo que busca darle un nuevo carácter a personajes históricos. Como es ya su estilo propio, Hirano los ha vuelto sanguinarios y violentos, aunque algunos ya lo eran en vida real. Si gustan del toque que le da Hirano a sus personajes, les va a gustar Drifters, sin embargo, hay una particularidad -propia de este mangaka- a la que hay que acostumbrarse, luego hablaremos de ella. Que la disfruten

Ficha técnica

Título: Drifters - ドリフターズ

Estudio: Hoods Drifters Studio

Emisión: Octubre a diciembre 2016

Dirección: Kenichi Suzuki

Capítulos: 13 + 1 OVA introductoria

Géneros: hentai, sobrenatural, horror, acción.

Sinopsis

Shimasu Toyohisa, un samurai que vivió a finales del siglo XVI, pierde el conocimiento luego de quedar gravemente herido en una batalla, al despertar, se encuentra en un extraño corredor lleno de puertas, con un sujeto misterioso en un escritorio que, sin darle mucha explicación, lo envía a un mundo desconocido, donde encuentra otros famosos guerreros japoneses y hasta figuras estelares de otras épocas y regiones. Allí, donde no se sabe absolutamente nada de cómo o porqué han llegado ahí, Toyohisa y dos figuras importantes de la historia japonesa, a quienes llaman Drifters, encuentran el ambiente perfecto para continuar con eso que tanto aman: hacer la guerra.

En este misterioso mundo post mortem, cierto imperio fundado por un personaje poco conocido pero con una pinta muy similar a la de algún alemán megalómano de bigote inconfundible, domina un enorme terrirorio, en lo que parece una guerra perpetua con reinos vecinos que han resistido la dominación hasta ahora. Es aquí donde nuestro samurai comienza su propia guerra, llena de figuras históricas y peleas hasta el límite.

Del estilo de Hirano en Drifters

 
Como mangaka, Kouta Hirano no ha tenido una carrera despreciable, sin embargo, es con el éxito de su manga Hellsing (adaptado posteriormente) donde logró convertirse en una figura relevante en la industria. Su estilo es bastante particular, sus líneas son inconfundibles, y el diseño de rostros y vestimentas es impresionante. La acción y sangre es marca típica de su trabajo, y Drifters no es la excepción. En general, esta obra es bastante genérica en el sentido de que no pierde o, más bien, no agrega nada distinto en el estilo de Hirano. Por supuesto eso no quiere decir que no sea importante, sino que, como trabajo estilizado de su pluma, trae también una particularidad en sus mangas a lo que muchos no están acostumbrado (y esta es la razón de este apartado).



En momentos críticos de la historia, a veces se rompe todo el efecto clímax con un diálogo cómico, donde sus personajes aparecen caricaturizados (por llamarlo de alguna forma) y parecen hasta divertidos. Para los que seguimos su trabajo desde los manga, sabemos que esto es un rasgo típico de este autor. En Hellsing esto es muy recurrente, aunque como no se vió sino hasta la adaptación en ovas de "Hellsing Ultimate", muchos no recibieron este momento Hirano de buena manera. No podría (ni me interesaría) defender estas grietas en las obras de Hirano, pero sí quise mencionar que esto es típico de sus trabajos, por lo que es algo que no debería tomarse a mal, sino como parte del estilo propio que todo mangaka aporta a sus obras.

Kouta Hirano y su fantasía histórica

Debo admitir que cuando ví los trailers de esta serie me sentí muy emocionado, dejé este manga muy temprano (por obligación y no por gusto) y esperaba mucho esta adaptación. Me sentí complacido con la calidad de la animación, y la fidelidad de esta con el manga de Hirano. Por otro lado, encontré en esta mezcla de figuras históricas algo poco atrayente, por lo forzoso que estas se integran en la trama. Pero, a fin de cuentas, de eso se trata la ficción y la fantasía.

Lo que me gustó bastante de esta serie, y que es donde el estilo de Hirano más impacta, es en la estilización de las figuras históricas. El mangaka tomó su contexto histórico, y lo aplicó en las habilidades mágicas sobrehumanas de los personajes, y esto quedó muy bien. Todos los personajes se ven acordes con su historia original (dentro de lo que se puede decir) y aprovechan muy bien esto para volverse personajes ficticios bastante impresionantes. Claro que, como buen japonés, tenía que darle el protagonismo y la victoria a las figuras del Japón feudal, pero no es algo que moleste en absoluto.

Drifters, conclusiones

Siendo fan de Kouta Hirano, pienso que esta serie es un must-see, pero que podría parecer chocante el hecho de los momentos cómicos que interrumpen en cualquier instante. La adaptación es realmente buena, la calidad de los efectos y la animación tiene poco o nada para reclamarle, además, el apego al estilo del manga está al nivel esperado. La historia es interesante y deja suficientes interrogantes como para que se siga esperando otra temporada. El soundtrack no está nada mal, sin ser tampoco de lo mejor. En general, es una serie que podría (ojo, podría) abrir un nuevo espacio para que este mangaka busque un protagonismo nuevamente.

Finalmente, espero que les haya gustado y recuerden, cualquier comentario o duda o corrección es más que bienvenido, no lo piensen dos veces para hacérmelo saber ¡saludos!

El 15 de agosto marca una fecha especial para todo Otaku. Antes de esta fecha, un Japón ultranacionalista y antioccidental luchaba una batalla perdida contra los Aliados por el control del Océano Pacífico. Después del medio día del 15 de agosto, el Imperio del Sol Naciente oficialmente depuso sus armas y se rindió ante sus enemigos. Esto produjo una ocupación de siete años por parte de los americanos que cambió para siempre la vida e idiosincrasia de la nación insular, de formas en que no se creían posibles con anterioridad.

Aunque ya han pasado casi setenta años desde este evento la herida sigue abierta. La humillación de la ocupación, la reconstrucción de su país, la imposición de un sistema político que no era suyo y la negación de su tradición militar siguen afectando a la nación del Sol Naciente, así como a sus artistas. Muchos de ellos, consciente o inconscientemente, llevan a cabo series remontándose a un pasado lejano, donde su país era una potencia temida y respetada por el mundo. A continuación voy a poner una pequeña lista de obras  que hablan sobre este pasado anhelado por los japoneses, algunas conocidas, otras no tanto. Todas comparten el deseo de sus autores de volver a ese pasado de sus padres y abuelos, y alejarse de la realidad que los rodea en este momento.

Code Geass

Una de las series populares de la década pasada (y que todavía tiene continuidad) sigue la costumbre de una realidad paralela donde (caramba, que coincidencia) un imperio llamado Brittania (parecido al Imperio Británico en su mayor apogeo), que conquista y ocupa Japón, renombrandola como Área 11. Aunque la historia original es trágica y llamativa, y el diseño de los personajes por CLAMP es impecable; no se puede negar que en sus similitudes, la herida de la ocupación americana sigue presente en esta historia de Sunrise.

Zipang
En la tradición de las realidades alternas; un moderno destructor japones, el JDS Mirai, es transportado a los primeros días de la batalla de Midway. En la tradición de otras obras literarias, Zipang discute sobre los viajes en el tiempo, la inteferencia en el pasado y el tenue equilibrio entre el nacionalismo y el militarismo fanático. A pesar de sus errores en continuidad, es un concepto interesante que todo amante de la historia debería ver.

Exploradores del Cielo (Sky Crawlers)

¿Cuál es el precio que debemos pagar por la paz? De la novela homónima de Hiroshi Mori, la película explora la ingeniería genética, la clonación, y el impacto del ciclo de la vida y la muerte en sobre sus individuos, mientras los Kindren luchan contra un enemigo invencible una guerra para el entretenimiento, el gozo y el adormecimiento de las masas. Participante del 65avo Festival de Venecia, es la clara muestra de que el anime es una forma de arte que entretiene inclusive a los críticos más selectos.

Valkyria Chronicles

Juego de video llevado a la pantalla chica por Sega, este nos habla de una guerra en una Europa alterna. En 1935, la pequeña nación de Galia es invadida por la Alianza Imperial para obtener su recurso más importante, la ragnarita (la mayoría de los juegos poseen versiones alternas del petroleo como fuente de energía). Llevado por el nacionalismo o la amistad, un grupo de civiles se incorpora en la milicia para repeler al invasor y demostrar su propia capacidad. Concentrada en el Sétimo Escuadrón de la Milicia, esta historia de camaradería, muerte y gloria es un recordatorio subconsciente de las ideas que dominaron a Japón durante este mismo período de su historia.

Hentalia: Axis Powers
¿Que pasaría si los países fueran personas? ¿Cómo se describiría mejor la relación entre ellos? Más durante el más turbulento período que tuvo la humanidad. Hentalia nos introduce a un estudio personal de cada uno de los países que eran un poder en el mundo entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. Cargada de estereotipos de cada una de estas naciones, esto nos recuerda el tiempo antes de que la historia cambiara para siempre, porque el mundo jamás fue el mismo después de 1945.

Konpeki no Kantai
¿Qué hubiese pasado se Japón hubiese ganado la Guerra del Pacífico? En la tradición del golpe por la espalda que Hitler lanzó a la Unión Soviética, este se lanza contra un Japón victorioso de su conflicto contra los Estados Unidos; tornando a ambas naciones en aliadas en una guerra fundamentalmente peleada en el mar. Llena de numerosos errores históricos y presunciones, aún así resulta interesante, escandalosa y controversial dentro de la tonada de negación del resultado de la guerra para el Imperio Japonés.

Gunparade March

En 1945 la Segunda Guerra Mundial concluye cuando una raza alienigena invade la tierra, aprovecha la debilidad de las naciones de ese entonces y conquista brutalmente el planeta. Con el miedo como su alimento, ellos roban a la Tierra de los soldados para reaccionar, lo que obliga a los gobiernos del mundo a recurrir a los jóvenes y los niños para pelear en su contra. Basada en un juego de Play Station y convertida en una serie de dos temporadas, la serie es una crítica y una visión de una verdad de la guerra "Los adultos son quienes declaran la guerra, pero los jóvenes y los niños son quienes la pelean".

Estos son solo algunos ejemplos (muchos probablemente desconocidos) de los que tengo memoria o conocimiento. Todos ellos hablan de una realidad donde la Ocupación de Japón por los Estados Unidos nunca existió. Pero, tras de este anhelo subconsciente del pueblo japonés, existe una verdad innegable. Sin la ocupación, jamás hubiese existido el manga tal como lo conocemos. Y por defecto, tampoco existiría el anime. De esta forma, surgió un movimiento mundial de un período oscuro, que el mismo emperador Hiroito describió como "soportando lo insoportable y sufriendo lo insufrible".

El dolor de una generación derrotada

En 1967, en medio del mejor período de recuperación de Japón, la generación que iba naciendo posteriormente a la Segunda Guerra Mundial no recordaba o no sabía que en algún momento el Imperio quedó postrado de rodillas frente a los victoriosos norteamericanos, luego de perder la Segunda Guerra Mundial. Pero los que fueron niños en ese período ahora se transformaban en adultos e ingresaban a la vida profesional en Japón. Uno de ellos, Akiyuki Nosaka, decidió que había dejado pasar demasiado tiempo para dejar las culpas de su pasado. En la forma de una novela, La Tumba de las Luciérnagas vio la luz ese año y desde ese entonces se ha transformado en uno de los mayores gritos en contra de la guerra de la historia.

Sin embargo, a pesar de su éxito, Nosaka se negó en reiteradas ocasiones a que su obra fuese puesta en escena. Esto porque consideraba que los niños normales no tendrían la capacidad artística necesaria para plasmar el crudo realismo de la guerra, así como sería difícil reproducir el ambiente de devastación vivido en la ciudad de Kobe en tiempos modernos. Por eso, cuando Isao Takahata, una de las cabezas de Studio Ghibli le ofreció animarla, él tuvo sus reservas. Lo que terminó de convencerlo fueron los cuadros de edición donde se le describieron las diferentes escenas, que consideró que serían imposibles de recrear por medios convencionales. Con su visto bueno, la película fue estrenada el 16 de abril de 1988, y de inmediato se transformó en un punto de referencia para la literatura antiguerra.

Inicio! Spoilers!

La película inicia en media narración, donde luego de exclamar las infames palabras del principio, Seita fallece en una estación de ferrocarril en Kobe, víctima de la desnutrición y el abandono. Junto a él, media docena de niños desamparados también se encuentran en similar situación. Los empleados de limpieza revisan sus bienes y encuentran una lata de confites oxidada llena de cenizas. Cuando este desecha su contenido, el espíritu de una niña aparece observando el cadáver del joven. Sin embargo, este aparece a su lado y juntos comienzan el relato que nos lleva a los acontecimientos que derivaron en semejante tragedia.

Seita y su hermana Setsuko son dos jóvenes que vive con su madre (la cual sufre una dolencia del corazón) en Kobe durante 1945. Su padre, un oficial de la marina es una figura ausente. Durante un bombardeo americano de la ciudad, ellos se separan de su madre mientras las bombas incendiarias destruyen la ciudad por completo. Cuando se reúnen con los sobrevivientes, ellos reciben la noticia de que su madre fue encontrada con terribles quemaduras. Ella no sobrevive la noche, pero Seita decide ocultarle la verdad a su hermana. A falta de parientes confirmados, ellos se van a vivir con su tía a las afueras de la ciudad.

El trato que reciben de la tía no es malo, pero ella es bastante tacaña y algo codiciosa, reclama a menudo por la situación en que ha quedado (mantener a dos huérfanos que no trabajan lo considera una pérdida de recursos). Aunque ella convence a su sobrino de vender los kimonos de su madre para conseguir arroz y comparte su parte con ellos, los constantes regaños y la tensión dentro de la casa provocan que ellos deseen su independencia. Por esto Seita dispone del dinero que su madre había guardado para conseguir artículos y preparar sus alimentos. Luego, harto de los reclamos, el joven decide irse a vivir en los refugios antiaéreos, ante la indiferencia de su tía que aunque tentada no los convence de lo contrario.

Al principio ellos viven una vida feliz y cómoda en solitario. Pero, conforme pasan los días y se acaban los recursos, el hambre y las enfermedades comienzan a hacer mella en ambos. Lentamente, Seita es obligado a robar en pequeños cultivos o apropiarse de la comida que puede durante los bombardeos de la ciudad, mientras su hermana se debilita, da las primeras muestras de padecer disentería y se llena de irritaciones en la piel. Cuando la niña cae desmayada el joven la lleva al médico, que le informa que lo único que ocupa su hermana es una buena alimentación.

Desesperado, él saca los ahorros de su madre, pero al hacerlo se entera de que Japón ha perdido la guerra. Su padre, un comandante del crucero pesado Maya (hundido en la Batalla de Leyte de 1944) es probable que esté muerto, por eso es que el gobierno central no ha permitido que le lleguen sus cartas y misivas. Desesperado, él llega con los suministros donde su hermana Setsuko, pero es demasiado tarde. Aunque le logra dar de comer algo de sandía, la niña fallece durante la noche y el crema sus restos en un emotivo despliegue de imágenes. Luego, introduce las cenizas en la lata de confites favorita de su hermana y abandona la cueva. Al final, los espíritus de los niños (símbolo de que no han logrado el descanso eterno que merecen) se voltea desde una colina y contemplan la moderna ciudad de Kobe con una indiferente alegría, mientras las luciérnagas procuran guiarlos en el viaje al más allá que debieron haber tomado hace más de cuarenta años.

Fin! Spoilers!

La tragedia y la muerte en la película anti-guerra más impactante de la historia

Gracias a la influencia del neo-realismo italiano, Takahata logra crear una de las más imponentes adaptaciones de esta desgarradora tragedia. No es un secreto para quienes conocen de historia de guerra que Japón sufrió de una de las jornadas de bombardeo más extremas de toda la Segunda Guerra Mundial. En parte irritados por el ataque sorpresa que sufrieron al principio de la guerra, los Estados Unidos se propuso destruir a los japoneses para que no se levantaran de nuevo en armas. Por esta razón las jornadas de bombardeos sobre sus mayores ciudades ocurrían a diario, pocas áreas de las islas principales escaparon de la vigilante mirada de cazas y bombardeos de la gran potencia. Con pequeños cuadros de imágenes, la película también relata de forma realista los preparativos que los japoneses llevaban a cabo para una posible invasión de las islas, como esconder aviones en la campiña, enterrar suministros y levantar el ánimo por medio de alabanzas de confianza hacia el emperador. Todas expresiones inútiles para tratar de extender una guerra que no podía ser ganada.

Al final, a través de esta obra, tanto Takahata y Nosaka expiaron las culpas que la guerra les produjo, brindándonos una obra que ha durado para la posteridad. Después fue adaptada en live-action, los temores del autor han quedado plasmados por la falta de emotiva profundidad que no logran los actores infantiles (la hermana de Seita inclusive es mayor a la edad que tenía en la obra). Esto es un fiel reflejo del genio de Isao Takahata. Por eso es conveniente recordar, Studio Ghibli no sería lo que es sin este hombre, que junto con su amigo Hayao Miyazaki lograron llevar la animación de Japón al nivel de las películas que competían por premios internacionales y que nos dejó un legado para la posteridad.

Existía un tiempo antes de que Masashi Kishimoto, antes de Naruto, antes del florecimiento de los ninja en la cultura japonesa y su eventual transferencia hacia la cultura occidental. Existía un tiempo en donde el término samurai era el sinónimo de todo lo correcto y honorable de la sociedad japonesa, donde el camino shinobi era el sinónimo del secreto y de la ausencia de este. Debido a mi edad (y a la de muchos antes de los 35 años que viven ahora) yo recuerdo bien esa época, así como lentamente el termino de ninja dejó de describir la parte más baja de la maldad y se transformó en una forma neutral hasta adquirir la popularidad actual. Desde finales de la década de los ochenta, los diversos medios fueron transformando esta imagen en la percepción del mundo occidental. Pero aún así, todavía existía un panorama oscuro que no permitía observar más allá de ese mundo secreto y desconocido.

Tal como sucedió con George Lucas con el éxito de La Guerra de las Galaxias; con el éxito de Wicked City (Yoju Toshi, otra célebre desconocida en el hemisferio occidental) el artista Yoshiaki Kawajiri comenzó a trabajar en el script de una obra que había tenido en mente desde hace años. Prestando oídos sordos a los productores y administradores de la Madhouse, el ambiento su obra en el Japón feudal, la inspiró en la vida y obra de Jubei Yagyu (un héroe del pasado japones) y decidió de paso hacer un homenaje a las obras Ninpucho del escritor Futaro Yamada. Liberada el 5 de junio de 1993, Jubei Ninpucho fue expuesta en todos los cines de Japón, recibiendo el reconocimiento y la aclamación inmediata por parte de la crítica y el público. Como ganadora del Citizen's Award del Festival Internacional de Yubari, la obra llamó la atención de promotores occidentales (Manga Entertainment), que compraron los derechos y la comercializaron en Occidente. Pero como el nombre era largo y poco reconocible, decidieron renombrarla Ninja Scroll.

Inicio! Spoilers!

En una noche tormentosa, siete misteriosas figuras recorren el área del clan Mochizuki, lo cual no pasa desapercibido por los espías de este clan. Esto, combinado con una misteriosa plaga que asola una villa cercana pone en aviso a los ninjas Koga que trabajan para el clan, que preparan una patrulla para  investigar este movimiento. Lamentablemente, durante la noche el grupo es exterminado con facilidad. Su única sobreviviente, una kunoichi de nombre Kagero (la probadora de venenos del Señor Feudal) es capturada y violada por uno de los atacantes del grupo, hasta que un desconocido vagabundo (cuyo nombre conocemos al principio como Jubei) logra rescatarla de su incomoda posición y escapar de su capturador. 

A veinte años de su estreno en Japón; Ninja Scroll se ha transformado en una obra de culto, un clásico de la animación de esa década, así como un gran éxito comercial y con la crítica. Además de su gran calidad en áreas como animación, música y fotografía; con una puesta en escena magnífica y una trama sólida en todos los aspectos; esta historia se ha transformado en uno de los éxitos que definió una era. Porque a partir del momento de su comercialización en Estados Unidos el anime no volvió a ser el mismo. Esta se transformó en uno de los estandartes que dió a conocer la animación japonesa al mundo; lo cual le permitió a esa generación conocer de frente la cultura de Japón, le abrió camino a otras obras (Ghost in the Shell, Macross Plus y otras) que no tenían nada que envidiarle a la animación tradicional de esa era.

Desestimar el impacto de Girls und Panzer en el primer lustro de esta década es ignorar uno de los hechos más importantes de la industria. Incluso yo me reí con ganas cuando observé tanques multicolores guiados por niñas de secundaria, la única razón por la cual le dedique tiempo a la serie fue por mi afinidad con los elementos mecánicos. Una serie de tanques en estos tiempos siempre es una apuesta peligrosa, quienes se encargaron de su animación eran amantes de los tanques y fueron fieles en la mayoría de las animaciones por computadora, por eso se ayudaron de los elementos básicos del anime para garantizarse el éxito; lolitas inocentes y un colegio en amenaza. La serie sufrió de un desastroso proceso de producción que casi la condena a no ser terminada. Lo impactante del caso es que contra todo pronóstico y en plena competencia con otras candidatas más fuertes, sus BD y DVD fueron éxito en ventas durante los siguientes meses (segundos y terceros lugar), lo que permitió que se terminara la serie.

Al final de su emisión la serie hizo millones (no yens, dolares). El éxito inesperado puso en manos de los productores un producto que no sabían como comercializar, por dicha para ellos, el manga continuaba y el público seguía consumiéndolo. Así que para calmar al público espectador ellos animaron el evento más frustrante de toda la serie, la batalla contra el Colegio Anzio. En un OVA cargado de divertidos clichés y una generosa dosis de todo lo que compone ahora el anime, esta nos estrella contra una realidad oscura de la guerra, la razón de la inutilidad italiana en la Segunda Guerra Mundial.

Director: Tsutomi Mitsushima

Productor: Kyoshi Suhiyama

Escritor: Reiko Yoshima

Música: Shiro Hamagushi

Estudio Actas

25 de Julio del 2014

El Colegio Ooarai y el Colegio Anzio se preparan para su inevitable enfrentamiento del final del capítulo 7. Lamentablemente, el Colegio Ooarai no tiene idea del arma secreta que posee su rival, así que envían a su espía Yukari para que reúna información. Entre un ambiente festivo y de celebración diario (un cliché de la forma de ser italiana), el equipo descubre que la columna vertebral de los tanques de Anzio son el Carro Veloce 33 y el Semovente P41; y su arma secreta es un Carro Armato 40 (muy parecido al Panzer IV en movilidad y poder de fuego). Con esto en mente las chicas se reúnen para las prácticas, donde el Tipo 89B hace las veces de Carro Veloce y el Panzer IV hace las veces del Carro Armato. El equipo pule sus estrategias previo a la batalla y durante la cena de discusión al estilo italiano descubren que su compañera César (artillera del equipo Hippo) tiene una amiga en el Colegio Anzio.

El día de la competencia llega, durante las presentaciones de los equipos las amigas se reencuentran (y queda en evidencia que el verdadero nombre de César es Taka). Durante el inicio de la competencia el equipo Anzio prepara una emboscada en un cruce de caminos con una serie de tanques falsos, pero gracias a una torpeza de la jefa del equipo de Carro Veloce (instalan 10 replicas de tanques menos el P40, cuando las regulaciones dicen que sólo deben tener 10 tanques por equipo); el equipo Ooarai se da cuenta de la estrategia empleada y comienza su movimiento. Usando al Tipo 89B como señuelo, este atrae a la mayoría de los Carro Veloce mientras el resto de los tanques se mueve a posiciones de batalla usando como señuelo al Panzer III de la presidenta.

Al ver su maniobra comprometida, la líder de Anzio (Duce) ordena el repliegue de sus fuerzas sin darse cuenta de que está siendo acorralada en un despeñadero. Cuando lo hace es demasiado tarde, sus tanques quedan inutilizados y con sólo la pérdida del Sturmgeschutz III (que tiene un duelo de amigas contra un Semovente P41); el Colegio Ooarai se impone en la lucha. Al final, en el mejor espíritu del Sensha-do, las niñas comparten una cena de celebración con el equipo de inspiración italiana.

Con un gran humor y mucha habilidad, Girls und Panzer: This is the Real Anzio Battle! culmina con uno de los elementos más anticlimáticos de la serie mientras explica de forma humorística como los elementos acorazados italianos eran una basura comparados con otros de otras naciones. Sólo el Semovente y el Carro Armato eran los únicos tanques de poder que podían hacer frente a algún rival. Incluso el Tipo 89B (que era inferior al Grant y al Sherman) pudo hacerse cargo por si solo de los Carros Veloce, eso dice mucho. Esta precisión y documentación, combinada con la buena animación y una simpática presentación; Girls un Panzer nos deja una lección de historia con un suspiro. Esta es la razón por la cual sigo la serie, aunque sea de los pocos en occidente que lo haga. Porque la esencia de una serie es el amor que ponen sus productores para su realización, y aunque no lo crean Girls und Panzer es una obra de amor disfrazada de un anime de producción. Por eso si se quieren divertir, les recomiendo que la vean (de nuevo).

A la izquierda, el manga; a la derecha el anime. Bimago, ten fe.