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viernes, agosto 04, 2017

viernes, agosto 04, 2017

[Comic] Superhéroes para la historia (por década)

Cada era tiene el superhéroe que merece

Sue Storm de Artgerm. Sin duda toda una musa.

Le duela a quien le duela, el cómic es una de las musas que compone el arte. Con el advenimiento del siglo XX, el cine y la televisión se apoderaron de los medios gráficos; pero durante su período de auge la combinación de la expresión artística con el medio escrito produjo historias que entretuvieron a las masas (niños y adultos por igual) durante más de un siglo y lo siguen haciendo. Sin embargo, el problema básico del cómic como medio de expresión se relaciona con su principal objetivo, llamar la atención de una forma dramática (y barata) a un público expectante para que lo consuma, y lo siga consumiendo, preferiblemente para siempre.

Una de las portadas de Jim Lee para Giant Size X-Men, con el equipo renovado después de su primera iteración.

Lamentablemente para esta forma de expresión, los gustos cambian y evolucionan con el tiempo. Cada uno de estos cambios amenazó al cómic, pero la ventaja que este medio posee sobre otros es que ha sabido reinventarse (otra de las cosas que comparte con las otras formas de arte). En medio de esta era digital, el cómic ha evolucionado a medios digitales y visuales que nunca había imaginado; pero en el proceso el medio físico que le dio forma languidece una muerte lenta antes de que alguna otra transformación lo devuelva de nuevo a la preponderancia.

May "Mayday" Parker refleja el problema actual con Spider-Man, cada nueva araña tiene un boom y luego desaparece, perdón la reciclan. 

Debido a que el cómic norteamericano es el que mayor influencia ha tenido de este lado del Atlántico, conviene analizar que fue lo que sucedió con este medio; y qué mejor forma de hacerlo por décadas. Muchos de los momentos memorables del cómic abrieron y cerraron eras, pero estos superheroes descritos a continuación son el mejor reflejo de sus décadas, sea por lo que representan en la actualidad o por el papel que jugaron en eventos que moldearon la cultura americana de cómics hasta nuestros días. Dicho esto, comenzamos.

El Superman de Jerry Siegel. Siempre es interesante tener a mano el arte de uno de los fundadores.


1930-1939. Action Comics #1 (Junio 1938)

Superman, o cuando para ser el mejor ocupas llegar primero.

"Tuve la necesidad de ayudar ... ayudar a las masas oprimidas, de alguna manera. ¿Cómo podría ayudarlos cuando apenas podía ayudarme? Superman fue la respuesta." 
Jerry Siegel, dibujante y creador.
Es increíble que hayan pasado 75 años con Superman. ¡Cómo has cambiado! Aunque no mucho.

Es innegable el impacto que Superman tuvo en el cómic moderno. Todavía existe polémica sobre si él fue la semilla gestora pero nadie discute que su aparición fue un punto de inflexión en el cómic, tanto que todavía se publica y es popular. Lo que era el sueño de dos jóvenes judíos impotentes en medio de una más intolerante y más racista Norteamérica, amenazados con la sombra de la Alemania Nazi del otro lado del Atlántico y sin nada que perder, Jerry Siegel y Joel Schuster diseñaron una vía de escape para sus problemas en la forma de un extraterrestre que se crió en el medio oeste americano. Sin querer, millones de niños se imaginaron siendo el Hombre de Acero, resolviendo problemas con su poder y transformándose a la semilla que nos ha dado casi noventa años de superhéroes. Aunque por ello tuvieron que pagar el precio supremo, perder los derechos sobre él.

Uno de los primeros ejemplos de una leyenda viviente, Wonder Woman exponiendo sus mejores atributos.

1940-1949.  All-Stars Comics #8 (Diciembre 1941)

Wonder Woman, o una concepción (artística) muy difícil.

"Todas las cualidades positivas de las mujeres se menosprecian por su debilidad. El remedio obvio es crear un personaje femenino con toda la fuerza de Superman y todo el atractivo de una mujer buena y hermosa."
William Moulton Marston, psicólogo y creador.
Cualquier parecido de la representación superior con Gal Gadot de Mujer Maravilla es mera coincidencia.

Tal vez sea una ironía del destino que el creador de la Mujer Maravilla sea el mismo científico que nos trajo el detector de mentiras. Su creador, "Charles" Moulton era un psicólogo destacado que vio en el cómic una poderosa herramienta educativa. Luego de llamar la atención del editor Max Gaines, junto con su esposa Elizabeth y su amante poliamorosa Olive Bryne se dieron a la tarea de diseñar un personaje que pudiera obtener sus victorias sin violencia. A pesar de ser sujeta a los prejuicios de su época, la Mujer Maravilla fue tan popular que sobrevivió junto con Batman y Superman la debacle del cómic de finales de la Segunda Guerra Mundial y ha encontrado su rumbo para llegar a nuestros días, superando incluso el fetiche de perder sus poderes al ser amarrado por su propio lazo. :p

Un ejemplo de las primeras representaciones de Flash, efecto de cámara lenta para poder verlo.

1950-1959. Showcase #4 (Octubre 1956)

Flash (Barry Allen)

"Si ustedes siguen trayendo a los héroes de la Edad de Oro de los años 30 y 40, ¡dentro de 20 años la gente llamará a esta década la Edad de Plata!"
Scott Taylor, de Westport, Conneticut. 
La representación moderna es bastante superior, pero el efecto sigue siendo el mismo.

Lamentablemente con el final de la Segunda Guerra Mundial, el cómic recibió una gran cantidad de atención negativa e indeseable. Preocupados por el aumento de la delincuencia juvenil, las autoridades relacionaron al medio favorito más reciente de los jóvenes con la escalada de violencia, culminando con el infame libro "La Seducción del Inocente" del psicólogo Fredric Whertham. Para combatir contra esto, los cómics decidieron autocensurarse, dejando de lado las temáticas de terror y las historias sangrientas. Para mantenerse competitiva, DC Comics comenzó a rescatar personajes del pasado y traerlos al presente bajo nuevos formatos, el primero de ellos Flash. De la mano de Robert Kanigher y Carmen Infantino, este superhéroe dio inicio a la Edad de Plata y con ello arrancó la que en mi opinión es "la mejor era del cómic de la historia".

Uno de los clásicos de Fantastic Four fue la reintroducción de Namor, rescatado del olvido para integrar Marvel.

1960-1969. Fantastic Four #1 (Noviembre 1961)

Fantastic Four

"Los personajes serían el tipo de personajes con los que podría relacionarme: serían carne y hueso, tendrían su defectos y debilidades, serían falibles y mercurios, y lo más importante de todo, dentro de sus botines coloridos, todavía tendrían pies de barro ".
Stan Lee, guionista y creador.
Si chicos, a casi un lustro de su partida nadie extraña su revista. Lo siento mucho!

Es odioso estar en la competencia cuando estás abajo, pero lamentablemente la única persona que queda para relatar esta historia es una leyenda viviente de la historia del cómic norteamericano. Según las palabras de Stan Lee, los editores de Marvel Comics y DC Comics eran amigos de golf. Cuando los segundos llegaron presumiendo sobre las ventas de su Liga de la Justicia, el primero llego ante su jefe de editores de cómics para que hiciera lo mismo. Desanimado por encontrarse en un trabajo sin esperanza, él decidió renunciar pero su esposa lo convenció de que esta vez publicara algo para si mismo y no para complacer a su editor. De esta forma, él (con "ayuda" de Jack Kirby) creo la historia de una familia disfuncional de cuatro que recibió sus poderes en un terrible accidente espacial y así nacieron los Cuatro Fantásticos. Con la saga de Galactus la familia más conocida del cómic transformó la percepción del cómic de un simple relato para niños a un medio de comunicación para todos los gustos. El resto es historia. Tristemente para los Cuatro Fantásticos también, cancelados por una disputa de derechos con la Fox que no ha terminado.

El equipo de X-Men de Chris Claremont, el equipo que inició la leyenda. 

1970-1979. X-Men #94 (Agosto 1975)

X-Men de Chris Claremont

"El los vivió y los sintió, él escribió párrafos enteros sobre lo que la gente llevaba puesto, realmente se metió en los pensamientos, las esperanzas y los sueños de estas personas".
Bob Harras, Editor de Marvel.
Dark Phoenix es una de las sagas memorables que nos trajo Chris Claremont, el verdadero padre de los X-Men.

Es muy fácil hablar de los éxitos pero es difícil hablar de los fracasos. La primera iteración de los X-Men fue un fracaso que muy pocas veces ha admitido Stan Lee, suspendida en el número 63 y reimpresa durante los siguientes años para conservar el nombre. Reeditada por medio del número Giant Size X-Men #1, Len Wein delegó las labores del guión a un joven aspirante a escritor, Chris Claremont. A diferencia de sus pares, este adoptó un estilo metódico para adaptar las reacciones de los personajes ante las situaciones que encontraban e introdujo "información encriptada" en sus adaptaciones que sirvieron de base para guionistas que lo sucedieron. Las sagas más famosas de X-Men corrieron bajo su cargo de la serie y esto dejó una marca indeleble en la forma en que se trata el género de superhéroes y su impacto en el mundo que los rodea, sea en el papel o el físico. 

Watchmen es un punto de inflexión para el cómic, su punto más alto y hermoso. En su deconstrucción del héroe Alan Moore hizo soñar a muchos que el género podía ser algo más. Lástima lo que sucedió después.

1980-1989. Watchmen (Septiembre 1986 - Octubre 1987)

Watchmen

"Moore presenta esta perspectiva como una verdad simple y sin barnizar para deconstruir la motivación última del héroe, es decir, proporcionar una salvación secular y alcanzar así una inmortalidad mortal".
Iain Thomson, filósofo.
Watchmen esta tan bien hecha que ni siquiera Zack Snyder pudo arruinar su adaptación. Aleluya!

Alan Moore ya era un escritor y guionista reconocido a mediados de los años 80, que nos trajo la aclamada adaptación para Superman de "For the Man Who Has Everything". Así que con carta libre, este quiso disponer de los héroes de Charlton Comics para crear una historia policial de misterio. El problema es que DC Comics no quería disponer de uno de estos personajes (Captain Atom), así que entre broma y broma el autor creó un nuevo equipo de personajes. Lo que comenzó como una adaptación de una novela negra, Watchmen se transformó en una de las máximas expresiones a lo que un cómic puede aspirar. En sus doce entregas esta deconstruye el modelo de los superhéroes en una sociedad anárquica y distópica de mediados de los ochenta. ¿Qué es necesario para conservar la paz en nuestros tiempos? La respuesta en Watchmen pone a héroes y villanos contra las cuerdas, destruye el género y de paso cambia las reglas del cómic para siempre.

Visto de esta forma, Rob Liefield no parecería tan mal dibujante, ¿verdad?

1990-1999. The New Mutants #87 (Marzo 1990)

Cable

"Rob es una de las personas más enérgicas y encantadoras que he conocido, no puedes evitarlo, y en sus primeros trabajos mostró un gran potencial. Pero el éxito le vino demasiado rápido y fácil, y nunca sintió la necesidad de desarrollar ese potencial. Lo que es realmente muy malo, porque si lo hubiese hecho, estoy seguro de que habría dejado una marca muy diferente en la industria."
Karl Kesel, entintador y escritor.
Aunque no lo parezca, todos ellos son leyenda vivientes del cómic. Los fundadores originales de Image en su 20 aniversario. De izquierda a derecha, arriba Whilce Portacio, Jim Lee y Erick Larsen; abajo Marc Silvestri, Jim Valentino, Todd McFarlane, Rob Liefield.

Entrar al mundo del cómic y tener éxito no tiene que ver con el talento, muchas veces tiene que ver con la suerte. Cuando Rob Liefield recibió el encargo de crear un nuevo personaje para The New Mutants que se viera malo, groso y venoso, este creó al primer ejemplo del gran pecado de los noventa, Cable. El éxito que tuvo este mercenario del futuro cargado de armas, bandoleras y músculos propicio una nueva serie y nuevos encargos para este joven dibujante que se abría paso en este mundo. Pero cuando tuvo una discusión con sus jefes por derechos, este convenció a otros para abandonar el barco de Marvel y trabajar por su cuenta. La importancia de Cable en el presente del cómic es que provocó la serie de eventos que culminó con la fundación de Image, la tercera editorial de cómics de Estados Unidos; pero también fue una de las razones que produjo la crisis del cómic de los 90, un retroceso en las ventas del cual no se ha recuperado. Shame! Shame! Shame!

Hubiese querido ver algo así de impresionante en la película.

2000-2009. Kick-Ass (Febrero 2008)

Kick-Ass

"Vamos, sé honesto contigo mismo. En algún momento de nuestras vidas, todos queríamos ser un superhéroe."
Dave Lizewski, personaje de ficción.
También esto.

El cambio del milenio trajo un fenómeno sin precedentes en cómics. Las editoriales no sólo intentaban recuperar la cuota de mercado que habían perdido la década pasada, también trataban de sobrevivir la despiadada competencia por lo que quedaba. En todas partes las series de superhéroes se imprimían y salían del mercado con una rapidez asombrosa. Las pocas series sobrevivientes mostraban más de lo mismo. En una década con una copiosa oferta, del renacimiento de Image gracias a The Walking Dead y de otros muchos esfuerzos; los reconocidos artistas Mark Millar y John Romita Jr. vinieron a través de la marca Icon con la historia de un superhéroe de la vida real. Disparatada, loca y brutal; Kick-Ass tuvo un gran éxito y aceptación en el público, cansado de lo mismo que ofrecía el género. Porque lo dicho por Dave refleja no sólo el sentir de sus autores sino de todos los que hemos estado involucrados en el mundo del cómic, ¡si Dave! ¡Todos queríamos ser superhéroes!

Spider-Gwen refleja una tendencia de los nuevos personajes en este milenio. Gráficamente impactantes, populares por un tiempo y luchando por sobrevivir el siguiente.

2010- Spider-Gwen (Febrero 2015)

Spider-Gwen

"Spider-Gwen es uno de los cómics más consistentes en circulación. Gracias a que la serie existe en su propio universo, cada decisión de Gwen Stacy tiene un gran impacto en el mundo. Spider-Gwen es una excitante experiencia de lectura que te hace esperar lo que suceda a continuación."
Kevin Lainez, Comic Book Revolution blog.
Marvel tratan de enmendar su error en Renew Your Vows, la continuación de la historia del matrimonio de Peter Parker con Mary Jane Watson. Poster por J. Scott Campbell.

A pesar de ser una de sus series más exitosas, el Hombre Araña está pasando por una "crisis de mediana edad". Luego de la controversial serie "One More Day" en que se destruye el matrimonio de Mary Jane Watson con Peter Parker, las ventas de todas las series del Amigable Vecino se desplomaron de forma sostenida. Esto combinado con el hecho de que los derechos de las películas siguen en manos de la Sony puso a la casa de las ideas en busca de la pomada canaria para reactivar la serie. Los "remedios" incluyeron la aparición de un Spider-Man afroamericano (Miles Morales que ha sido regurgitado en todas las adaptaciones y crossover durante todo este lustro), la "muerte" de Peter Parker, la cancelación de la revista The Amazing Spider Man, la creación de Superior Spider Man, el salto multimillonario de Peter Parker al mundo de los negocios, una nueva adaptación de multiversos con el Spider-Verse, la aparición de una miriada de Spider Women (incluyendo la exitosa Silk)... ¿Un momento, como fue que esa revista vendió 250.000 ejemplares en su primer número?

Una combinación matadora, Spider-Gwen y Miles Morales haciendo equipo para vender por el equipo araña.

Spider-Gwen cuenta la historia arácnida con un giro, fue Gwen Stacy quien fue mordida por la araña y Peter Parker fue víctima de las circunstancias de su esfuerzo para combatir el crimen. A pesar de que las ventas de la serie han bajado mucho (pero continúa vendiendo lo suficiente para justificar su existencia); las grandes ventajas de la Radioactiva Spider-Gwen en la Tierra-65 es el diseño de su traje, la popularidad de Emma Stone como Gwen Stacy en las adaptaciones de Spider-Man de Mark Webber y el giro narrativo de los personajes conocidos en el mundo de Marvel (muchos héroes son villanos en este universo, Gwen no es inteligente como Peter pero conoce mejor el trabajo detectivesco gracias a su padre policía). Con dos apariciones en series de televisión (al igual que Miles Morales), ella es el ejemplo de que con una buena campaña de mercadeo, un dibujo sencillo pero impactante y con sacar provecho a las oportunidades se puede crear un personaje memorable que se adueñe del corazón del público, aunque sea brevemente.


¿Y qué pasó con Batman?

Aunque es innegable que Batman es una de las figuras icónicas del cómic moderno, venir segundo ha pesado mucho en esta lista. No sólo nació como respuesta a la aparición de Superman, su impacto en el cómic ha sido progresivo a lo largo del tiempo. The Killing Joke y el número de Batman #428-#429 ocurrieron en la misma década que Watchmen, al igual que The Dark Knight Returns de Frank Miller. Si Batman Inc. le hubiesen permitido más, tal vez la hubiese elegido en lugar de Kick-Ass y en este momento de superioridad la realidad es que la serie está gozando de la popularidad de sus personajes y el renacimiento de DC. Así que quieran o no, el pobre no está en la lista.


Aunque la lista no es definitiva, a mi parecer cada uno de los representantes contiene un la representación del cómic americano desde la aparición de Superman en los años 30. Y aunque dudo mucho que Spider-Gwen, Silk o Miles Morales sobrevivan la década, de despedida les dejo una imagen impactante. Porque para que un arácnido sea considerado canon por Marvel, debe ver al simbionte al menos una vez en su vida. Bienvenida, Gwenom.

domingo, mayo 07, 2017

domingo, mayo 07, 2017

¡VIVA MÉXICO! ¡VIVA SUPERMAN!


DC Comics de la mano con Bruce Timm quien ha sido el encargado de la mayoría de los proyectos animados ahora nos presentara un universo alterno donde México contara con un Super Hombre, todo esto dentro de una nueva serie llamada "Justice League Gods and Monsters".


Este Superman sera un Kriptoniano, pero la gran diferencia es que ahora sera hijo del General Zod y su nave se estrellara en el sur de los U.S.A. y sera criado por una familia de pochos*.


Esto anterior nos asegura que Superman tendrá que lidiar con el racismo e intolerancia hacia las minorías que hay en Estados Unidos.


Pero no podemos olvidar a los demás miembros de la Liga, Batman sera Kirk Lamstrong quien en su búsqueda para encontrar la cura contra el cáncer se convierte en un vampiro gigante; Wonder Woman sera una chica criada en el reino de Ares el Dios de la guerra.


Este universo tiene grandes expectativas ya que se espera que se pueda expandir hasta alcanzar su película animada, su cómic y su serie web la cual constaría de dos temporadas

Esta serie sera vista en el mes de Julio de este año.

Fuente: IGN




N.T. (*Mexicanos viviendo en U.S.A. o también Mexicanos nacidos en U.S.A.)

lunes, enero 16, 2017

lunes, enero 16, 2017

El Fenómeno Cosplay en Latinoamérica con Lilia Lemoine [Cosplay]

El Fenómeno Cosplay en Latinoamérica

con Lilia Lemoine / Lady Lemon Cosplay

por Gastón Elian Ocariz


Hoy vamos a analizar el fenómeno Cosplay en Latinoamérica, de la mano de una representante argentina cuyo trabajo y presencia a nivel internacional ha crecido significativamente en los últimos años, con todos ustedes Lilia Lemoine.

cosplay latinoamerica Lilia Lemoine

Video promocional para Comicópolis 2014


cosplay latinoamerica Lilia LemoinePara poder entender este fenómeno cultural primero debemos definir, para quienes no están al tanto, que significa Cosplay. El término nace de la contracción de  dos palabras en inglés “costume” (disfraz) y “play” (jugar), que podemos traducir en español como juego de disfraces. Básicamente, consiste en usar ropas y accesorios para representar, de la manera más fiel posible, a un personaje específico de algún videojuego, película, serie televisiva, libro, cómic, manga, anime, etc.

Si bien esta práctica suele ser un hobby para la mayoría, algunos Cosplayers (Personas que practican el arte del Cosplay) llevan esta pasión a límites impresionantes, incluyendo en sus caracterizaciones objetos históricos reales o incluso animales. Los más radicales y comprometidos incluso apelan a la ciencia médica para realizar modificaciones físicas en sus cuerpos, para optimizar sus recursos a la hora de llevar adelante sus personificaciones.

Un Poco de Historia del Cosplay.


El fenómeno cosplay surgió en los años '70 y tuvo lugar en los Comic Market de Japón que celebrados en Odaiba (Tokio), lugares de compra y venta de Dojinshi (fanzines de manga). Allí, grupos de personas se vestían para caracterizar a sus personajes favoritos de manga, anime y videojuegos.  Es por ello que dicha práctica siempre ha estado relacionada estrechamente con estas temáticas. Con los años, se fue extendiendo, siendo más abarcativo y cruzar las fronteras de Japón, alcanzando nuevos horizontes.

historia del cosplay latinoamerica
Comic Market en Tokio

historia del cosplay latinoamerica
Hoy, con ayuda de la tecnología y las redes sociales, el fenómeno se ha viralizado, popularizando esta práctica más allá de los eventos y convenciones, pasando a convertirse en un estilo, una forma de vida, traspasando las barreras de la moda y pasando a formar parte de la cultura popular.

El número de seguidores del cosplay ha ido en aumento, de hecho, cada vez es más común ver gente disfrazada en cualquier convención o evento y constituye uno de los principales atractivos, permitiendo a los asistentes disfrutar y apreciar los diseños, fruto del trabajo dedicado de los artistas del cosplay. Es normal verlos reunidos y ataviados con sus trajes en las salas de cine en ocasión de los estrenos de las grandes superproducciones internacionales. Como así también en eventos y presentaciones artísticas enfocados en el noveno arte.

En dichos eventos abundan los llamados kameko (o kamera kozo, chico de la cámara) que se dedican a sacar fotos de los cosplayers.

Cabe destacar que son generalmente jóvenes adolescentes de ambos sexos los que practican esta actividad, pero hoy no es raro ver niños o adultos mayores participar de manera entusiasta.

Podemos afirmar que se ha convertido en una subcultura que incluye conocimientos de diseño, interpretación de personajes, y un lenguaje común entre los miembros, que trasciende las fronteras geográficas, idiomáticas y sociales.



El Cosplay Competitivo


Los concursos de cosplay son muy habituales en las convenciones de videojuegos, cómics, manga y anime. Allí los participantes compiten en el afán de conseguir la caracterización mejor lograda en todos sus aspectos, tanto estéticos como actitudinales. Como está manufacturado el traje, que materiales fueron utilizados, la precisión en cuanto a la constitución física, el peinado, maquillaje, y la interpretación, imitando sus gestos, expresiones, forma de hablar, actuar y demás aspectos que serán evaluados a la hora de decidir quién es el mejor.



cosplay latino americano

cosplay latino americano

cosplay argentina
Comicópolis - Buenos Aires, Argentina.

cosplay erotico


Podemos destacar algunas prácticas comunes como el crossplay (contracción de crossdressing y cosplay), que refiere a una variante del cosplay en el que una persona se disfraza de un personaje del género opuesto; o el furry, que implica disfrazarse de algún animal utilizando pieles.

Por lo general un cosplayer hará su propio traje, aunque aquel que no posea los conocimientos necesarios, apelará a los servicios de terceros (familiares, amigos o profesionales) conocido como un cosmaker (etimológicamente, "creador de cosplay"). En general, todos los complementos son fabricados por ellos mismos, principalmente por la dificultad que supone conseguir algunas de los objetos que utilizan los personajes y los elevado de sus costos del merchandising original disponible.

 

 



 

 

cosplay latinoamericano robocop femenino cosplay latinoamericano robocop femenino

robocop lilia lemoine capitan barato daniel muller miss capi andre lolita vati denisse
Mundo Cosplay con Robocop (Lilia Lemoine), Capitán Barato (Daniel Müller) y Miss Capi (Andre LolitaVati Denisse)
En cuanto a los aspectos laborales, los cosplayers que se convierten en profesionales, muchas veces tienen problemas legales, dado que las empresas consideran que están atentando contra derechos de autor por cobrar dinero en los actos donde participan en carácter de invitados, sin pagar derechos por el uso de la imagen y/o marca de un personaje a creadores o empresa licenciadas. Tenemos que decir que esto no es frecuente pero puede ocurrir.

Algunas empresas han aprovechado el auge del cosplay para realizar concursos internacionales. Vamos a hacer un repaso de los principales eventos de nivel internacional, en donde se reúnen cosplayer de todo el mundo para competir en las diferentes modalidades que establece cada certamen, entre los que podríamos destacar:

World Cosplay Summit es el concurso internacional por excelencia. Iniciativa del canal de televisión japonés TV Aichi, local de Nagoya, el evento comenzó en 2003 como una especie de programa documental. En 2005 se puso en funcionamiento el concurso. A pesar de limitar los cosplays a fuentes de origen japonés, sigue siendo uno de los concursos más populares, quizás por el viaje al país nipón.

Yamato Cosplay Cup, iniciativa de una empresa privada, la Yamato Corporation, empresa brasileña dedicada a la comunicación y la organización de eventos. La primera edición se celebró en Brasil en 2007. Ya en 2008, amplió sus fronteras e invitó a participantes de otros países. La edición brasileña se sigue celebrando con mucho éxito, con eliminatorias por todo el país en categorías individual, de parejas y de grupo. Su versión internacional incluye representantes de multitud de países del centro y sur del continente americano, además de contar con presencia española desde el año 2010.

EuroCosplay, es un concurso que se estrenó en 2010 en el London MCM Expo. Evento dedicado al entretenimiento audiovisual de todo tipo, en la capital del Reino Unido. La variedad del evento se refleja también en la normativa del concurso, que al igual que la Yamato, acepta todo tipo de cosplay, no importa su país de origen.

European Cosplay Gathering, inicia sus actividades en 2011. Cuenta con un concepto similar al Eurocosplay, reuniendo a cosplayers de toda Europa en una competición con categoría individual y grupal (con grupos de dos o tres personas). La sede impulsora y lugar de la primera final fue la Japan Expo de París, evento dedicado a la cultura japonesa.

Cosplay World Masters, este concurso se celebró por primera vez en marzo de 2010 en IberAnime, evento afincado en Portugal. Destaca sobre el resto por el importante premio en metálico para el ganador. La competición reunió a cosplayers portugueses y a algunos representantes internacionales de cierta fama, entre ellos la cosplayer española Bereniç Serrano, que formó parte de la pareja que representó a España en el World Cosplay Summit en 2009, consiguiendo un 2º puesto en la final.

También podemos mencionar The Royal Fest Internationalque cuenta con 16 países participantes, y tuvo su primera final en Venezuela en 2012, esta competencia tiene como modalidad cambiar de sede cada año, y comprende dos categorías: individual y por parejas.

En 2011 algunos grupos sin fines de lucro de distintos países de Latinoamérica y el Caribe conformaron la AIC (Asociación Internacional de Cosplay) y establecieron un reglamento para aplicar en los torneos internacionales.


Latinoamérica se ha hecho eco de la masificación prolífica y sostenida de en el tiempo, del fenómeno Cosplay a nivel mundial, se ha transformado en un semillero de artistas y seguidores, entusiastas del manga, el anime, los cómics y los videojuegos. De la mano de todas estas pasiones, los cosplayer han proliferado en Argentina, Brasil, Chile, Perú, Costa Rica, Ecuador, Panamá, Bolivia, Venezuela, México, entre otros.


Gabriela Mosso Buron (Chile), representando a Warwick, el Cazador de la Tundra
en la Final Regional Sur - League Of Legends (2013), 
recibe el premio del Jurado.

La colega panameña Clotilde Castillo, en un artículo muy interesante publicado en 2010, hace un relevamiento de los sitios web de América Latina que difunden material relacionado con la actividad del cosplay latino e internacional.


cosplay mortal combat sexy grupal
Representación de todos los personajes de Mortal Kombat

Tanto aficionados, como profesionales tienen un gran interés por dar a conocer la actividad y compartir sus propias experiencias a través de Blogs personales, perfiles de Facebook, Flickr, Pinterest, Twitter y demás redes sociales.



 

 

 

 

 

 
  
 

Ahora que tenemos una idea más clara de la temática, vamos a conocer a una de las representantes argentinas más importantes dentro del ámbito cosplay latino.


¿Quien es Lilia Lemoine / Lady Lemon Cosplay?

Oriunda del partido de San Martín, Buenos Aires, Argentina. Vive actualmente en Capital Federal (CABA) desde hace muchos años. Realizadora integral de efectos especiales, trabajo muchos años como profesional IT (específicamente con software) y Call Center Customer Support, fan de la tecnología y los videojuegos (es una experta en el Golden Axe), actriz de cine independiente, modelo, conductora.

También fue presentadora de la sección de videojuegos en la página de La Nación Online.

Entre 2013 y 2014 decide fundar una escuela con el objetivo de enseñar a hacer cosplay . Así, junto a Glory Lamothe amiga y socia del proyecto, empezó a funcionar bajo el nombre de Alchemy Cosplay FX en un pequeño departamento en el barrio de Palermo (CABA), para luego trasladarse a Belgrano donde funciona actualmente.

Hoy es una reconocida cosplayer y cosmaker profesional. Además dicta clases, talleres y charlas sobre manufactura de armaduras, trajes, y accesorios para cosplay. Hasta la fecha ha realizado más de 100 trajes.

Nacida bajo el signo de escorpio, es una mujer de convicciones, sincera, directa, temperamental, apasionada, aunque melancólica, la atrae lo gótico, lo romántico, lo antiguo, y la estética steampunk. Se define como autodidacta; ama profundamente su oficio y la libertad que le otorga, pilar sobre el que basa todos los aspectos de su vida. 

Lilia es partidaria del aire libre, ama la naturaleza, los animales, las plantas y especialmente los árboles. Gusta de alimentarse sanamente, aunque confiesa su debilidad por el chocolate.

Multifacética, se autodenomina NERD, pasó su adolescencia en el ostracismo; una soledad fruto de su escasa vida social, que le proporciono tiempo para estudiar, investigar y aprender sobre los temas que más la inquietaban. Curiosa e inteligente, ha aprendido a adaptarse y crecer tanto profesional como personalmente. Hoy es una mujer popular, reconocida por su trabajo y sus pasión por difundir su obra, que se ha transformado en un estilo de vida.

Presentación de uno de sus tantos videos en YouTube

Su primer trabajo fue como letrista. Organizo la Monsterwalk en el 2008, caminata sin fines de lucro, apta para todas las edades, con el fin de poder disfrazarse de monstruos y transitar por las calles de la ciudad.



Comenzó su afición por la actuación en el 2009, esto cambió el rumbo de su vida para siempre. Antes había probado tímidamente con la música, bailando y cantando. 

Su primer cosplay fue un crossplay caracterizando a Otaru Namiya de Saber Marionette J, en un evento realizado en el Jardín Japonés en 2007. Desde finales de 2011 ha puesto su energía, aparentemente inagotable, para convertirse en cosplayer. Y le ha dado frutos, hoy es un referente indiscutible para la gente del ambiente.


Su Relación con el Anime

Al momento de responder sobre cual es su anime favorito, en una entrevista publicada en Irrompibles.net, Lilia comenta:

"Ufff... me estás poniendo una pregunta difícil. Hubo varios anime que me marcaron muy fuerte. El más significativo fue Mazinger Z, que lo volví a ver hace relativamente poco, e igual me pareció BRUTAL en todo sentido. Después vi los que pasaron por televisión de aire (recordemos que soy una chica grande): Saint Seiya, Dragon Ball y Sailor Moon. El anime que me devolvió el fanatismo fue Tennku no Escaflowne, fue el primer opening en japonés que escuché y nunca me pude recuperar. En seguida me enganché con Orphen, Lain, Hunter X Hunter. La mejor historia, lejos: Full Metal Alchemist y por ahí le sigue Ah! My Goddess. Y ya en los últimos tiempos me hice fana de un género relativamente nuevo: “reversed harem”. Es más para chicas, pero suele tener argumentos muy interesantes y los personajes femeninos se caracterizan por ser muy inteligentes. Dejo una lista por si les pica la curiosidad: Yamato Nadeshiko Shiki Henge (AKA Perfect Girl Evolution), Ouran High School, New Snow White Legend Pretear, Fruit Basket (el mejor manga que leí, el anime no le hace honores). He visto MUCHISIMOS más, pero ya creo que los aburriría."

Con respecto a su relación con el cosplay afirma:

"Me encanta el cosplay porque me gusta jugar a ser otra persona, soy exhibicionista y encima se me da muy bien hacer manualidades (bromas aparte). ¡Sé coser, pintar y hacer props, y puedo jugar como cuando era chiquita, pero con mejores juguetes! Hacer cosplay es una de las cosas más divertidas que hay en el mundo y mi meta es figurar en el chart de los mejores cosplayers del mundo. Sí, soñar es gratis, ¿por qué no?"


Influencias y Referentes

Admira profundamente a Yaya Han uno de los pocos cosplayers en el mundo que a logrado construir un negocio en esta comunidad de aficionados, pero incluso después de una década de éxito, ella se esfuerza por permanecer fiel a lo que la llevó a este campo originalmente: la diversión y la creatividad. Hoy, Yaya ha hecho un sin numero de trajes en géneros diversos: anime, manga, videojuegos, ciencia ficción, cómics y por supuesto también sus propios diseños originales. Sus complejas y ostentosas creaciones han ganado premios y aclamaciones en todo el mundo, y ha sido invitada como panelista, juez, intérprete y anfitrión a más de 100 convenciones y otros eventos en todo el mundo.

Yaya ha contribuido fuertemente en lograr poner los ojos del mundo en el Cosplay, ganando respeto e integridad como una forma de arte más allá del fandom y las comunidades de arte. Su campaña creativa por más de una década ha ayudado a que Cosplay cumpla con los estándares que conocemos hoy en día. Todos los días, Yaya continúa allanando el camino para el arte que ama y haciendo de ello su estilo de vida.

A continuación algunas fotos de Yaya Han para ilustrar su talento:


cosplay yaya han











Tambien admira a la canadiense Riki 'Riddle' Lecotey, y dentro del ámbito latino destaca a Ángela Bermúdez de Costa Rica.




Otras Actividades Artísticas

Fuera del ámbito cosplay a participado en varios videoclips del artista argentino Emmanuel Danann, líder de la banda Danann, ejemplos de ello podemos mencionar: Ella (Video Oficial), Lo Siento (Video Oficial) y Sálvame (Video Oficial).






Practicante de artes marciales chinas, japonesas y coreanas, realizó en 2014 una serie de videos en su Canal de YouTube, bajo el marco de GO! Ving Tsun mostrando sus entrenamientos, preparándose físicamente bajo la tutela del sifu Gerardo Nieva.



En 2016 incursionó en la práctica de Poledance, esta actividad podemos describirla como una disciplina que requiere fuerza, coordinación y mucha sensualidad para realizar los movimientos. Cada escuela establece las preferencias en cuanto a los movimientos acrobáticos, los pasos de baile y las coreografías.

Lilia también incursiono en el Poledance.

También en 2016 con la banda Black Stones Hard presentaron su primer show en vivo en FREAK City GO: Convención de comics, películas, series y videojuegos, en la ciudad de Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina.

BlackStonesHard: Lilia Lemoine, Emmanuel Danann y Shazer Rock. 


Lucho (batería), Shaz (guitarra), Manu (voz) y Nolo (bajo) 

En estos momentos se encuentra trabajando en su primer libro sobre cosplay y varios proyectos audiovisuales en paralelo.

Participaciones Internacionales

Ha participado como invitada en eventos internacionales, podemos destacar Festival internacional de Cosplay en Chile 2013, Next Gen Py en Paraguay 2013, 7º Encuentro de Maquillaje Corporal Fonámbules 2014, ComicCon Colombia 2014, ComicCon Ecuador 2016, Anime Friends 2016, Dimensión Cómics 7ma. Edición 2016, ComicCon Argentina desde 2013 a la fecha, entre otros. Japón, Israel, EEUU, Inglaterra han sido escenario de sus talentos.

Ella, al igual que muchas otras personas en el mundo, han hecho del cosplay una profesión. Un espacio para desarrollar sus talentos y disfrutar de sus gustos personales.


Conclusión

Claramente el cosplay ha llegado para quedase, y ha encontrado en los latinoamericanos un espacio que en el transcurso de pocos años logró imponerse a los prejuicios y pre conceptos generacionales y culturales propios del continente, para llegar a ser parte importante de la cultura popular para la juventud latina.


 

 



Contratapa del Diario Popular - Argentina


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