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Mostrando las entradas con la etiqueta narrativa. Mostrar todas las entradas
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martes, julio 01, 2014

martes, julio 01, 2014

Silueta= Claridad= Éxito Narrativo

¡Una silueta puede hacer la diferencia! El ser humano tiene la capacidad de asimilar mucha información e incluso, "inventarla" cuando necesita. Pero cuando se trata de narrativa gráfica, nada es dejado al azar, y la silueta definida de cada acción nos garantiza un éxito al transmitir un mensaje.

martes, diciembre 18, 2012

martes, diciembre 18, 2012

Jumping the Shark II: Cuando los cómics meten la pata

"Saltar el tiburón". Para definirlo de forma simple, se refiere al momento cuando un programa de televisión que ya lleva demasiado tiempo al aire hace un cambio drástico en un intento (desesperado) por mantenerse fresco. En otras palabras, cuando ya los guionistas se quedaron sin ideas o el argumento original de la historia ya esta resuelto, pero los productores intentan mantener su fuente de ingresos funcionando.A raíz del artículo titulado Jumping the Shark, Los cambios NO son buenos  (escrito por nuestro compañero del blog, Carlos Molina) me decidí a escribir esta continuación donde quiero mostrar algunos de los tópicos usuales por los cuales los cómics saltan el tiburón.  Aunque no es necesario para entenderlo haber leído el artículo anterior, si se los recomiendo, a mi me hizo pensar en cómo el animé Saint Seiya Omega saltó directamente a la boca del tiburón y me motivó a investigar más sobre el tema.

Dicho esto, comencemos.

Knights of the Dinner Table #151 se dedicó completamente a explorar las formas de cómo se saltarían el tiburón.
Knights of the Dinner Table #151 se dedicó completamente a explorar las formas de cómo se saltarían el tiburón.
"Saltar el tiburón". Para definirlo de forma simple, es una metáfora que se refiere al momento cuando un programa de televisión que ya lleva demasiado tiempo al aire hace un cambio drástico en un intento (desesperado) por mantenerse fresco. En otras palabras, cuando ya los guionistas se quedaron sin ideas o el argumento original de la historia ya esta resuelto, pero los productores intentan mantener su fuente de ingresos funcionando.

Esta expresión se origina en un episodio de "Happy Days", una longeva serie de televisión estadounidense de los años 50. En dicho episodio, el más popular personaje de la serie (Fonzie) literalmente salta sobre un tiburón en una secuencia sobre skies acuáticos. Un momento que, aunque el actor defiende, quedó para la historia como la frase más temida para un productor.

La  famosa secuencia que dió origen a la expresión.
El cómic occidental, lo mismo que su hijo, el manga japonés, como representaciones figurativas de la realidad que vivimos, no estan excentas de estas situaciones. Desde personajes tan poderosos que acaban con la renuncia voluntaria de la incredulidad del lector, pasando por los rellenos asesinos (del cual se habló en el artículo "Fillers: el asesino indeseable del animé"), o la  aparición de personas de la vida real. Hay varias maneras en que se produce este fenómeno, pero los tres modos más comunes en que según los conocedores se da esta situación son:

1- Un personaje protagónico o popular es removido. A veces simplemente lo "matan" de forma burda e insatisfactoria. Usualmente el personaje introducido no es tan carismático como el anterior. Un claro ejemplo es la comedia "Two and a half men" cuando a raíz de los problemas personales entre el protagonista de la serie (Charlie Sheen) con el productor del programa, terminó con el despido del primero y su polémico reemplazo (por Asthon Kutcher). Un caso típico donde la vida real escribe el argumento del programa, con sus consecuencias predecibles.

Near el reemplazo de L o cuando un personaje popular es removido
El torpe intento de reemplazar a "L" se convirtió en uno de los puntos más criticados del manga "Death Note"
 Ejemplos sobran: Jean Grey (X-Men) por Rachel Summers y luego por Hope Summers. L (Death Note)  por Near. Sasuke (Naruto) por Sai, etc.

2- Un nuevo personaje odioso es introducido.  Por alguna razón (o hasta sin razón) el nuevo personaje directamente se gana el odio de los seguidores. Si algunos personajes populares poseen su propio "fandom" (reino de fanáticos) podríamos decir que estos personajes se ganan su propio "hatedom" (reino de odiadores) El mejor ejemplo podríamos tomarlo de los cómic Post-Crisis de Batman, cuando se creó el personaje de Jason Todd para ser el nuevo Robin. No solo se ganó el odio por lo descrito en el punto 1, sino que la forma en que fue escrito lo hacia ganarse el odio de los lectores, al punto que tras una votación popular fue torturado hasta la muerte (y violado, no estoy seguro en qué orden) por el Joker.

La muerte de Jason Todd o cuando un nuevo personaje es introducido y odiado.
Todo el odio que el público sintió por Jason Todd creó uno de los cómics definitorios de Batman.
Múltiples ejemplos hay en diversos cómics: Wonder Man (West Avengers), Barbara Gordon (NuDC 52), Hawk and Dove (en casi todas sus versiones), Vibe (Justice League), Cassandra Sandsmark (Wonder Girl III), Hellion (X-Men), y la lista sigue y sigue...

3- Reemplazo de argumento. El concepto original de la serie se pierde o cambia drásticamente. Otra opción a este cambio se da cuando los personajes "mudan" a vivir en un nuevo vecindario, con los cambios consecuentes de este hecho. En el álbum Astérix and the Falling Sky desarrolla completamente este salto al tiburón, donde cambian tanto el enfoque, como el tema y el tono del cómic, al convertirlo en un collage de referecias de la cultura pop y ciencia ficción. Como es sabido, Astérix se identifica como un comedia histórica...

Future Foundation o cuando hay reemplazo de argumento
Future Foundation: una genial idea... si tan solo hubiera sido usada para OTRO cómic y otros personajes.
 Otros ejemplos: Thunderbolts (Marvel Cómics), Pokémon (la temporada Jotho), Metal Men (DC comics), Green Arrow (NuDC 52), Future Foundation (el reemplazo de los Fantastic Four tras la muerte de Human Torch), y sigue...

Otros ejemplos de Salto al tiburón:
  • El guionista pone demasiado de sí mismo en la historia en su detrimento.
  • Intentos de emular un evento asombroso ya utilizado en la historia.
  • Un romance que rompe y se reúne constantemente.
  • El nacimiento de un bebé repentinamente vuelve "estúpidos niñeros" a todos.
  • Se resuelve el conflicto principal de la historia... solo para que después se descubra que no se ha resuelto.
  • La aparición de un "gemelo malvado" o el "hermano perdido".
  • Resucita un personaje cuya muerte era importante para la historia o épica.
Hay tantas variantes del salto que se necesita de un sitio como Jumptheshark.com para poder listarlos todos, pero me parece que ya te habrá quedado claro el punto y probablemente hasta ya te han llegado nuevos ejemplos a la cabeza.

Saint Seiya Omega o cuando un animé salta al tiburón
De cómo un animé legendario se convirtió en una burla.
En fin, sorprendentemente lo que en apariencia no terminan de entender los productores y guionistas, es que los consumidores hoy día son cada vez más avispados para detectar cuando les están metiendo gato por liebre, por lo que fácilmente detectan cuando un producto salta al tiburón y lo rechaza, abandonándolo de inmediato. Esto lo demuestra este estudio How Does Shark-Jumping Really Affect Audience Numbers? efectuado sobre el múltiple laureado programa "Battlestart Galactica".

Irónicamente, en lugar de ser el momento de catapultar una serie a nuevos éxitos, para la mayoría de estos  la decisión de Saltar el tiburón representa el momento de caer en picada hacia el olvido. Así que les dejo este consejo si quieren escribir un cómic: eviten a toda costa saltar al tiburón. Y si lo deseas, escribe en los comentarios un ejemplo que te venga a la memoria de cuando una serie que viste saltó al tiburón. ¡Nos leémos!

lunes, noviembre 26, 2012

lunes, noviembre 26, 2012

La Narrativa Descomprimida


La narrativa descomprimida (Decompressive Storytelling) es un estilo de escritura que se distingue por que el argumento se va desarrollando de manera intencionalmente lenta, en ocasiones ni siquiera avanzando y centrándose en aspectos secundarios o irrelevantes. 

Si bien sus orígenes se pueden rastrear desde  mucho antes (específicamente en los guiones para televisión), esta forma de escribir guiones se popularizó en el cómic durante la primera década del siglo XXI, y cuenta actualmente con exponentes importantes en la  corriente principal de la industria, como por ejemplo el aclamado guionista Brian Michael Bendis (Dark Avengers) o el mangaka Masashi Kishimoto (Naruto).

Los escritores que utilizan este recurso se apoyan en escenas de acción alargadas, diálogos entre personajes sobre temas triviales, o tramas secundarias con menor interés, y que en ocasiones tampoco acaban de cerrarse. Característicamente, el guionista busca impactar la curiosidad del lector con un contexto o revelación desconcertante en el primer momento, para luego apoyarse en un impresionante arte para sostener el interés del lector a lo largo de varias entregas, dosificando los puntos relevantes del arco argumental.


Por otra parte, la correcta aplicación de la narrativa descomprimida es la mejor manera para que el lector pueda conocer más íntimamente a los personajes y lograr su interés por ellos, ya que permite desarrollar aspectos más mundanos u ordinarios de éstos más allá de sus tópicos habituales (conflictos, poderes, habilidades de combate, etc).

La principal queja de los lectores es que este tipo de escritura incrementa la cantidad de números que comprar para seguir el relato, incrementando naturalmente sus gastos, contrastando notablemente con el hecho que de forma efectiva o aparente "no pasa nada" a medida que se multiplican las ediciones. A la vez, otro tipo de lectores encuentran en la narración descomprimida un gusto por profundizar en sus personajes favoritos.

sábado, noviembre 24, 2012

sábado, noviembre 24, 2012

¿Qué es lo más importante de un cómic? | Parte 3

Bienvenidos de nuevo a esta sección, la ves pasada publiqué la parte anterior en "elblogdeloskomikeros" de Fran pero ahora esta de regreso aquí con el único propósito de explicar, entender o comprender cuando un comic es una autentica obra de arte y cuando no alcanza ni para papel de baño.

Ya hemos hablado con anterioridad que un comic debe estar equilibrado en arte y argumento, (algunos dirán que el guión es más importante, también me incluyo en ellos), pero ya hemos visto que cuando el dibujo apesta de verdad, y digo ¡de verdad! este hecha a perder el comic por mas que el escritor sea de gran calidad, para ejemplo tenemos la serie ULTIMATE SIX que es un crossover entre ULTIMATE SPIDERMAN y por supuesto THE ULTIMATES en la que Peter Parker aparece desfigurado en algunas viñetas.

O ¿por que no? también mencionar WORLD OF WAR HULK que en mi opinión la historia era buena, eso de dar de trancazos a los ILLUMINATI despues de que estos destruyeron el planeta donde Hulk gobernaba con sus nuevos amigos me resultó bastante interesante, pero siendo sinceros el trabajo de Romita fue desastrozo tanto asi que decidí no comprar la serie, sin embargo curiosamente no fue asi con KICK-ASS.



Un ejemplo de verdadero arte en viñetas es la obra del mil veces aclamadísimo Alan Moore con su obra FROM THE HELL que narra la historia del recordado asesino de Londres Jack The Riper, el comic o novela-comic es una valiosa pieza de colección para quien la tenga en sus manos.

Es sumamente impresionante el trabajo que le costó a Moore lograr crear este comic, por poner algunos ejemplos de su maestría en el arte de escribir: hay un capítulo donde Jack está recorriendo Londres junto con su fiel acompañante y conductor para lograr sus planes de asesinatos y mientras lo hace se detiene para admirar y tratar de explicarle a su cochero el significado de los monumentos, estatuas y construcciones mas emblemáticas de la gran ciudad de Londres, poniendo en evidencia los secretos ocultos que hay detrás de cada una de sus historias, trazando ademas un mapa oculto con la interconexión que hay entre ellas, mostrándole ademas a su cochero terribles secretos y cosas que la mayoria de la gente ignora como por ejemplo que la mayoria de las construcciones estan basadas en el pene del hombre mostrando un concepto de machismo e ignorancia.


Todo eso ocurre de la mañana hasta la noche que en el comic fueron un poco más de cuarenta páginas.

Al final el cochero está tan confundido y a la vez sorprendido por el conocimiento y las verdades ocultas que le acaban de transmitir que no resiste mas y vomita en el pavimento, creanme que lo mas sorprendente es que yo acabé con nauseas al terminar de leer por la impresión de las palabras de Moore.

Quisiera señalar, de cara a los escepticos, que es mas que posible acceder a todos los puntos que visitan Gull (Jack) y Netley en su viaje en un solo día, tal como ellos hacen en este capitulo. Aunque yo admito que realizé el viaje en coche. Tomado del apendice 1, From The Hell. 12 may 2010

jueves, abril 12, 2012

jueves, abril 12, 2012

Wanda regresa a la mansion | Análisis de narrativa

Analizamos el lenguaje gráfico utilizado en esta página del cómic Avengers vrs X-Men #0. En esta página podemos observar el uso de viñetas simétricas, enfoques cerrados y de espacios vacíos para transmitir emociones.

Tras desaparecer durante largo tiempo, finalmente Scarlet Witch vuelve a la mansión de los Avengers. Ahi es confrontada por su esposo, y otros compañeros vengadores, por su anterior traición.  La narración en esta página se divide en dos columnas, una dominada por las expresiones de los actores y otra vacía casi por completo.

En la primera viñeta, la toma cerrada sobre Wanda nos muestra su lenguaje corporal, ocultando sus manos dentro de su capa. Apenas con fuerzas para hablar, menos para argüir. Los seis paneles siguientes siguen un patrón simétrico, enfocando el rostro de los vengadores para revelarnos su reacción. Wolverine dibuja una mueca de desprecio. Thor y Marvel muestran compasión por ella. Beast esta alerta y con ira, como un depredador atento para atacar. Ironman estudia a Wanda con mirada atenta. Vision mantiene su postura intransigente. Wanda mantiene los ojos fijos, y por un momento, nosotros somos Vision a quien ella mira suplicante.

Por reacción natural, la vista se posa en el punto superior derecho de la página, para hallar nada. Rápidamente, los ojos bajan hasta el extremo inferior de la página, para descubrir a una Wanda empequeñecida, envuelta en sus manos como buscando abrigo. Finalmente, la ausencia de elementos en la página nos sugiere el vacio dentro de la mujer.


Unos pocos elementos, que bien utilizados, nos transmiten perfectamente la carga emocional que llevan estos personajes en un conflicto psicológico determinado.

sábado, diciembre 03, 2011

sábado, diciembre 03, 2011

El Ritmo Monotonia.


Esta es una técnica utilizada frecuentemente por los artistas y guionistas del cómic para lograr un efecto específico sobre el lector, transmitiéndole una emoción. Es probablemente, la mejor manera de involucrar al lector en las emociones de los personajes. En el ejemplo anterior, la mujer nos comunica sus sentimientos de impotencia y la angustia que le oprimen.

La aplicación de esta herramienta es simple, se trata sencillamente de la repetición rítima de elementos en viñetas consecutivas, donde poco o ningún elemento es cambiado en la transición. De esta forma, se dirige la atención del lector hacia puntos específicos, hacia lo que sí cambia en la viñeta.


Intencionalmente, el autor juega con el tiempo. Mientras que en el primer ejemplo, los diálogos de la mujer perfectamente pueden haber sido expresados tras breves pausas, en el segundo ejemplo la posición del hombre (Giuseppe Bergman) que cambia en cada viñeta, nos muestra que sus textos han sido expresados después de que el hombre ha recorrido un trayecto del camino. A la vez, el artista nos transmite la sensación de soledad y lejanía.

En definitiva, a pesar de su aparente simpleza, la técnica del ritmo monotonía exige una planificación racional por parte del autor dada su potente capacidad expresiva y se constituye en una herramienta indispensable del narrador.
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Imágenes del cómic "H.P. y Giuseppe Bergman", del maestro Milo Manara.