Tatsuki Fujimoto es uno de los mangakas mas jóvenes y a la vez, uno de los mas reconocidos en estos últimos años.Entre sus ex asistentes están Tatsuya Endo (Spy x Family), Jukinobu Tatsu (Dandadan) y Yuji Kaku (Hell's Paradise). Fujimoto es autor de Chainsaw Man, FirePunchy otros títulos de renombre.
Técnica e inspiración
Podríamos enumerar 3 aspectos distintivos de Fujimoto: Acabado digital, influencia occidental y la expresión de la psicología adolescente.
Lo más evidente talvez sea la inspiración en occidente, especialmente el cine. Esta influencia se manifiesta en el escaso o nulo uso de kimonos, kanjis y cualquier aspecto que represente al Japón antiguo, en su lugar hay referencias visuales directas a películas y series. Este aspecto lo relaciona con autores como Hirohiko Araki (Jojo's Bizarre Adventure)
En el realismo de sus personajes vemos una aguda observación del comportamiento humano.
Sayonara/Goodbye Eri
En este tomo unitario el rasgo mas notorio es la fascinación del autor por el cine, el protagonista de esta historia recibe una extraña petición de su madre: "fílmame hasta el final". Con ese material hace una película que presenta en el festival escolar, que resulta en un fracaso rotundo y una burla para todos salvo para "Eri", una misteriosa chica que lo desafía a mirar muchas películas para refinar su estilo y obtener una "revancha".
En obras anteriores ya había demostrado su talento expresando la adolescencia, aquí el protagonista busca definir su personalidad como cualquier otro adolescente, lidiando entre la autoestima y la percepción que los demás tienen de él.
Opinión
La historia tiene varios recursos del estilo de Cervantes como: Contener historias dentro de la historia, la delgada línea entre ficción y realidad y foco en temáticas de actualidad. Aunque nada asegura que esta historia trascienda en el tiempo, tiene los elementos como para lograrlo.
Aunque leemos sobre temas serios no se llega a tocar ninguna fibra sensible, los temas se abordan con mucho tacto y elocuencia. A mi juicio, esta historia merece un lugar especial por la actualidad de los temas que trata, reflexiona sobre el fácil acceso al registro visual y almacenamiento, plantea lo delgada que es la línea entre lo privado y lo público y a la vez, la relación entre lo que somos y lo que mostramos de nosotros mismos en redes sociales. Espero puedas darle una oportunidad. ¡Hasta la próxima!
¿Qué papel debo usar para dibujar manga? ¿Cuál formato correcto? ¿A3, A4, B4, Din a4? : ¿qué significan? Cuando el aspirante a mangaka intenta plasmar su arte a un medio físico aparecen miles de preguntas significativas. Y en este breve artículo trataré de plasmar las respuestas generales a la mayoría de ellas.
Para realizar las páginas, un solo requisito: ¡un papel de buena calidad! Dibujo con lápiz, correcciones, inclusión de tramas... el papel tiene que ser lo suficiente robusto para resistir a este recorrido de combate.
Un gramaje alto.
El gramaje es el peso del papel expresado en gramos por metro cuadrado (g/m²). A la hora de dibujar tus mangas, lo recomendable es utilizar un papel con un gramaje alto, es decir, al menos superior a los 120 g/m². Especialmente, si trabajas con rotulador, un papel con un gramaje de entre 120 y 180 g/m² es fundamental. En cambio, si trabajas con tintas mediante la pluma o el pincel, utiliza de preferencia un papel con un gramaje de 250 g/m²: De este modo la tinta se absorberá mejor.
Una solución de baja exigencia técnica es usar el papel Canson satinado para
que no absorba la tinta, así la tinta quedará por encima del papel como
si fuese impermeable. Si el papel no está satinado, sino que es poroso, este va a absorber
la tinta y por su naturaleza ésta se esparce, con lo que la línea queda difuminada e irregular. Por
esa misma razón el papel también tiene que ser lo suficientemente grueso
para que pueda aguantar bastante cantidad de tinta.
Grano afinado
Un papel de grano fino tiene la ventaja de adaptarse a todas las técnicas de dibujo (pluma, rotulador, lápiz) que se utilizan en el manga. Además, favorece la adherencia de las tramas. Su superficie lisa se adapta perfectamente a los trazos nítidos y precisos de la pluma, el rotulador o el bolígrafo. Para los adeptos del trabajo con lápiz, se recomienda un papel con un grano más visible: el resultado de los difuminados y los plumeados será aún mejor.
El formato de papel
A3, A4, B4 ¿Te has perdido? Estos códigos corresponden a los formatos clásicos del papel según el sistema alemán, el cual es considerada la medida estándar de los formatos de papel. Como es un poco complicado de comprender con lenguaje técnico, usaré unas medidas comparativas.
El formato A1 (594 X 841) se trata de un formato de gran tamaño, por lo que su uso más común es para cartografías, posters, carteles o cualquier soporte publicitario que necesite comunicar un mensaje en grandes dimensiones, sin cortes.
El formato A2 (420 x 594) es aproximadamente la mitad que el formato anterior (así en todos los formatos). Los usos más comunes para el A2 son de diseño, fotografía, carteles, calendarios de pared o diagramas.
El formato A3 (29,7 cm de ancho por 42 cm de largo) constituye una página doble: en ella puedes insertar dos páginas. Junto con el A4, uno de los formatos más comunes y utilizados. Tan estandarizado que existen impresoras para este tipo de formato. Al tratarse de un formato más asequible, por su tamaño, los usos son mucho más variados.
Por ejemplo, suele utilizarse para imprimir dibujos, gráficos, poster, fotografías, revistas, diplomas o partituras. Incluso, es un buen formato para imprimir mapas, por ejemplo en congresos, centros comerciales o rutas.
El formato A4 (21 cm de ancho por 29,7 cm de largo) corresponde a una página sencilla. ¿Quién no ha utilizado un folio a lo largo de su vida? Todo el mundo
conoce este formato. Es el más utilizado para los documentos estándar,
cartas, formularios, cuadernos, libros de aula, acuerdos, contratos,
revistas y un largo etcétera.
Al tratarse de un formato tan estandarizado, no tiene usos concretos, sino que posee una amplia gama de posibilidades.
El formato B4 se trata de un formato japonés algo más grande que el formato A4 (25,4 cm de ancho por 36 cm de largo).
Tipos de Papel y caracteristicas:
El papel es
algo imprescindible a la hora de dibujar, pero no todos son iguales.
Algunos paquetes vienen con margenes especificos para mangas, aunque
equivale un coste extra.
Papel Kent: Un papel de extremadamente buena calidad, hecho especialmente para el dibujo manga, y claro esta, esto influye mucho en el precio
Papel de dibujo: Desapruebo este tipo de papel, para el manga es malisimo (lo se por experiencia propia), sus mayores problemas son que si usas mucho la goma, se acaba rompiendo el papel, y si usas tinta, esta se corre. Papel de impresion: Quizas el de menor calidad, pero en comparacion con los demas es muchisimo mas barato Recomendacion: Cualquier paquete de +o- 500 folios esta bien, aunque cuantos mas gramos tenga mejor.
Conclusiones
El mundo del papel es mas complejo de lo que parece a simple vista, como puedes darte cuenta, y espero haberte dado suficientes datos para simplificarlo lo suficiente para poder informarte de los datos importantes y poder hacer buenas decisiones.
Ante la popularidad de los apps para leer manga y los sitios para ver animé, siempre salta la discusión de qué es mejor. Una discusión que fácilmente puede desvanaserse al concluirse con la inobjetable realidad de que generalmente los mangas salen antes que los anime, y es que evidentemente el anime se suele basar en un manga antes de ser comercializado como animación.
El motivo principal, en mi opición, es que las series de animación por motivos comerciales suelen limitarse a un primer arco argumental y condensar gran parte de la historia en pocos capítulos, mientras que en el manga a veces continua durante años con mucha mas historia. Por esta razón, los mangas nos permiten profundizar en el mundo narrado.
Por otro lado salvo algunas excepciones es la obra original, que en ocasiones por diversos motivos puede verse modificada en la versión animada. Hay excepciones en los que la versión animada suele ser tan buena o mejor, pero no siempre.
Aprovecho para comentar que una parte enorme de manga de gran calidad rara vez es editado fuera de Japón
¿Qué es mejor: leer manga o ver anime?
Eso depende de lo que busque una persona determinada.
Solía pensar que el manga era ridículo y una pérdida de tiempo considerando que se podía obtener la misma información del anime pero en un período de tiempo más corto, con una acción más fluida. Luego me caí por la madriguera de leer manga, y ahora soy oficialmente un gran llorón.
Intentaré enumerar los aspectos que me gustan de ambos en función de los géneros que más veo / leo (acción, aventura, fantasía, romance, shoujo, josei, drama, histórico, artes marciales, manhwa, shounen, seinen).
Por qué el manga es asombroso
El impacto emocional es muy impactante:
Debido a que a menudo puedes leer los pensamientos personales de un protagonista, e incluso muchos de los personajes secundarios, obtienes una visión más profunda de quiénes son. Por lo tanto, a menudo resonamos con ellos en un nivel más profundo que en el anime, donde a menudo solo podemos ver la expresión superficial dada en el anime sin ninguno de sus procesos de pensamiento.
No solo eso, sino que a veces las emociones representadas por un personaje tienen el potencial de transmitirse mucho mejor, ya que no hay restricciones de tiempo al escribir un manga, es decir, los episodios no tienen que tener solo x minutos de duración. Además de las restricciones de tiempo, existe el dicho de que una imagen vale más que mil palabras. En el panel de abajo, no solo la fuente, la burbuja de texto con trinquete, el estilo de texto en negrita y el sombreado, la combinación de colores, la ubicación y el diseño de la imagen hacen que todo se junte para formar un mensaje muy claro. Ese es el poder de las imágenes:
Idealismo versus realismo:
A diferencia de un anime, hay casos en los que el lector fantasea e imagina sus propias partes de la historia y, a menudo, el idealismo vence al realismo. Por ejemplo, si hay un cierto rasgo de carácter que te gusta, que no está escrito explícitamente sobre un personaje, puedes darle esa característica al personaje mientras lees. Si crees que les queda bien, puedes imaginar que son de cierta manera porque un manga es estático.
Disponibilidad:
Recientemente, he estado buscando historias con un protagonista que es el típico perezoso, despreocupado pero secretamente un genio y un tipo increíblemente dominado. En comparación con lo difícil que es encontrar un anime para ver, hay tantos manga que se convierte en un problema mucho menor.
Estilos de arte:
Existe una amplia variedad de estilos de arte en el manga que brindan a los lectores una nueva forma de explorar muchos tipos diferentes de arte y descubrir sus propios estilos creativos. Hay toneladas de inspiración para extraer del manga.
En conclusión…
El anime puede transmitir emociones tan bien como el manga, pero a menudo no se ha invertido tanto tiempo y esfuerzo en hacer esas partes tan expresivas como un manga. La única excepción en la que puedo pensar en este momento es Violent Evergarden y, hasta cierto punto, The Ancient Magus 'Bride. Creo que un anime necesita mucha más atención para hacer que las emociones sean tan expresivas como lo que se puede obtener de una sola imagen en un manga porque hay mucho que se puede transmitir de la historia y una cantidad limitada de expresiones faciales. Sin embargo, si se le presta tanta atención a un anime, realmente se vuelve genial y, en ese sentido, creo que el anime ganaría al manga.
Por otro lado, como alguien que ama el arte expresivo, no puedo dejar de pensar que el manga tiene un encanto especial.
¡Hola!, aunque es común que los personajes se renueven (Batman, Superman, etc.,) tal como dije en el otro artículo El Fin de los Clásicos (y la necesidad de Reinventarse), vuelven para las nuevas generaciones (a nosotros también nos pasó, conocimos un Batman mas sombrío que el de la serie vieja).
Pero hoy no hablo de lo nuevo y lo viejo, hablo de cosas específicas del animé: rellenos, capítulos recopilatorios, reversiones mas fieles, censuras, cancelaciones, etc...
Cuando supe de FullMetal Alchemist Brotherhood imagine que sería una nueva versión mas fiel al manga, años después vino el nuevo HunterXHunter ahí es donde me pregunté: ¿que ocurre aquí? O_O
Gracias a algunos mangas y animés que ví, sobre el "detrás de escena" entendí varias cosas que contaré.
Seguramente hay mas reversiones, pero hasta ahora recuerdo: Megaman, Dragon Ball, HunterXHunter, Sailor Moon y FMA.
Hay 2 animés que me resultaron bastante reveladores sobre este mundillo de la animación: Shirobako (artículo) y Bakuman (artículo).
La evolución de un título, según BAKUMAN
Para los que no conocen, es una historia de 2 mangakas que quieren volverse leyendas en su materia, varios personajes que aparecen son personas reales (sobre todo los editores) y salvo la vida personal de los protagonistas, el resto de los sucesos se basan en hechos reales.
En Bakuman vemos como una historia va subiendo de niveles hasta que llega a la pantalla:
Un concurso o proyecto detomo unitario, pasa a serializar, luego se adapta a novela ligera, drama cd y otros formatos, la mas importante es la adaptación al anime si todavía tiene aún mas éxito y es factible, se adapta al Live Action.
Las encuestas y estadísticas deciden el destino de las historias, en esto consiste gran parte del argumento de Bakuman, cada capítulo es discutido con el editor, si las cosas van bien, se continúa la historia, caso contrario termina en 2 o 3 capítulos. (como diría el meme: vaya, eso explica muchas cosas).
La animación, según SHIROBAKO
Esta historia muestra el detrás de escena de la animación, aquí podemos ver a todos los involucrados: productores, guionistas, animadores, actores de doblaje, etc.
Al pasar un título a la pantalla, se vuelve a editar el contenido, los diseños de los personajes cambian.
En este punto ya hay una carrera contra el tiempo, porque los hechos corren mas rápido que en el manga.
Según Shirobako hay veces que los animadores no llegan a la fecha de entrega, por eso algunos episodios son recopilatorios (editan episodios anteriores y adelantan escenas del próximo) y algunas veces, la imagen se vuelve como de manteca. Estas cosas comprometen al estudio de animación y puede resultar un estigma para la persona que esté a cargo.
Según la información que tenemos, podemos algunas cosas de esta industria:
- El guión tiene gran influencia del editor, desde el principio. Por eso muta el argumento (Katekyo Hitman Reborn! ganó terreno en el humor para luego volverse mas de acción sin perder el humor, entre otros ejemplos como DB, DBZ, etc.,.).
- En la carrera para alcanzar al manga, a veces hay episodios de relleno, aunque a veces generan contradicciones o incompatibilidades, otras son una obra de arte.
- El título apunta hacia una franja de edad y tipo de persona, aunque hay censuras que ya vienen en la adaptación, hay otras puestas por los países que emiten en horario de protección al menor. (Como el caso de Naruto que se pinta la mano con una crayola o Sanji de One Piece que come dulces en vez de fumar).
- Los finales repentinos, resultan de estadísticas poco favorables o por haber perdido la carrera.. Hay títulos muy exitosos que tuvieron incluso un final inventado, del que no se puede retomar para continuar la idea original. (Como FMA que tuvo que reiniciar).
- El mangaka entonces, talvez no pudo en su momento expresar su idea original, pero si el título tiene popularidad, puede volver a sacarlo en una versión más fiel a sus ideas.
Aunque este video trata de otro tema, habla casi de las mismas cosas al principio:
Nota: A todo esto, también hay excepciones, Bakuman, Death Note, Mirai Nikki, Another entre otros, que lograron adaptaciones con muy pocos cambios.
Conclusión
Todos tenemos alguna serie favorita que se canceló por alguna razón, seguramente el paso del papel a lo digital traerá consigo muchos cambios positivos y talvez las futuras historias no tengan que lidiar con estos problemas. Talvez soy demasiado optimista, lo sabré en el futuro. ¡Nos vemos en el próximo artículo!.
Saint Seiya fue un manga muy popular, cuya franquicia aún sigue viva y vigente hasta nuestros días gracias a que diversos escritores y animadores han creado spin offs como Saint Seiya The Lost Canvas, Saint Seiya el Episodio G o la película La leyenda del Santuario. Pero en este artículo nos enfocaremos en el manga: hablaremos de la trama general del manga original, de las diferencias entre el manga y anime, la cosmogonia de su universo y la personalidad de sus personajes principales.
Sipnosis General
Masami Kuramada creó hace ya 30 años su obra más exitosa: "Saint Seiya", que trata sobre 5 jóvenes guerreros conocidos como "Saints" quienes, protegidos por constelaciones, usando armaduras de bronce y manipulando una energía llamada cosmos, deben pelear en nombre de la diosa Athena contra los dioses griegos Poseidon y Hades, para proteger a la humanidad y a su ya mencionada diosa; pero primero deben a vencer a los mismos Saints de Athena, ya que los Saints de plata y oro han sido engañados por un patriarca traidor a la diosa Athena quien desea asesinarla.
"Sus puños son capaces de desgarrar el aire y sus patadas de romper la tierra, son los saints de Athena"
¿Porqué leer el manga, si ya vi el anime?
*Alerta de spoilers
El contraste entre manga y anime
Mientras que en el anime existen historias y personajes de relleno (los santos de acero y el de cristal), en el manga no. Tampoco hay descanso entre batalla y batalla (por lo menos no muy seguido), un ejemplo de esto es cuando el santo de Fénix obtiene su armadura: primero mató a su maestro Gulity, luego vence a los 4 generales de los Saints negros, a su líder Jango y finalmente enfrenta al santo Dorado de Virgo, todo esto sin descanso, por lo que la trama es más fluida y emocionante.
Censura y omisión de detalles
La violencia del manga es muy censurada, con lo que no podemos apreciar de todo el drama o peligro, un ejemplo es Casius, quien decapitó a todos sus oponentes antes de enfrentar a Seiya, pero más importante, se omite mencionar "el detalle" de que todos los huérfanos enviados a entrenar por la fundación Kido, son hijos de Mitsumasa Kido y por lo tanto hermanos; en este contexto la unión entre los santos bronce es mucho más entendible, no es sólo amistad, es hermandad; otro dato importantes que los Santos de Bronce rondan los 13 años pero en la serie parece como si tuvieran 17 años.
Cosmogonia del mundo de Saint Seiya
Para crear este manga, Kuramada usa en mayor medida la mitología griega, pero también usa la egipcia, la escandinava, la china y la japonesa. Él investigó sobre los mitos de todo el mundo y además 3 religiones están presentes en su obra: Budismo, la doctrina hindú y el cristianismo (Athena naciendo humana, athena sacrificandose, etc). También incluyo otros conceptos, como el código samurai y obras de la literatura clásica como la divina comedia (la visión del infierno que vemos en la saga de Hades), un espectro de Hades, Lune de Barlog proviene de los Libros de Tolkien, mientras que Niobe de Deep de los libros de H.P. Lovecraft, así Kuramada se nutre del Folklore universal para crear su obra.
Un ejemplo es El cosmos, el cual se basa en las 9 conciencias del budismo; las primeras 5 son los 5 sentidos, la sexta integra los datos recibidos de los 5 sentidos (sexto sentido), la séptima va dirigida a percibir nuestro mundo interior (séptimo sentido), la octava una conciencia que se mantiene activa tanto en el ciclo de la vida como la latencia de la muerte y nos permite separarnos del "yo" para ver nuestro lugar en conjunto con el universo (octavo sentido), además existe una conciencia más profunda (noveno sentido).
La estética de Saint Seiya
Si bien es un poco borde en lo que se refiere a anatomía por su estilo de los ochenta, en lo que se refiere a las armaduras y sus texturas es espectacular, sobre todo con las doradas que a pesar de ser dibujos en blanco y negro realmente parece que son de oro, por su nivel de detalle; además se tomó la molestia de crear un diagrama de las armaduras y cómo se ensamblan para cada santo, que incluyo al final de los tomos del manga (que después les fueron muy útiles a Bandai al sacar su linea de juguetes). Otro aspecto curioso es que a pesar de ser un shonen, sus personajes masculinos parecen más salidos de un manga shojo, por sus grandes ojos, su pelo largo y el estilo del rostro.
Una parte del diagrama de una de las armaduras
Los personajes principales y su personalidad
Seiya es impulsivo y terco, pero su mayor virtud es que nunca se rinde, su constelación es el Pegaso.Shiryu es un chico serio, tranquilo y reflexivo, su constelación es el Dragón. Hyoga aparenta ser frío pero es muy sentimental, su constelación es el Cisne. Shun es el más noble, tanto que no le gusta pelear en serio con sus enemigos; sin embargo esconde un gran poder, su constelación es es Andrómeda.. Ikki, un lobo solitario que puede acabar sin remordimientos con su enemigo, pero en el fondo cree en la justicia, su constelación es el Fénix.
Resumen sin spoilers
-El manga es fluido y emocionante.
-En el anime se censura la violencia y se omiten bastantes detalles.
-Kuramada basa su manga en el folklore universal, si te gusta la mitologia es un manga genial.
-El dibujo es algo borde, pero las armaduras y su textura son espectaculares.
!Saludos! Después de un tiempo estoy lista para volver a escribir algo de su agrado. Hoy me gustaría hablarles sobre mi género favorito, que nos muestra los síntomas del enamoramiento:Shōjo o bienShoujo.
¿Qué es el Shoujo?
El shōjo o shoujo literalmente es una palabra japonesa que significa «niña joven», y es el término usado para nombrar la categoría del manga y anime dirigida especialmente al público femenino adolescente, pero que también puede interesar a los chicos. El nombre proviene de la romanización del japonés 少女
Este género de anime en si no se califica como simplemente romance, más bien, se habla de un género que es para cierta edad y es destinado para chicas, sin embargo eso no impide que también los hombres puedan disfrutarlo. Estrictamente hablando, el shōjo no se adscribe a ningún estilo o género particular y es más un indicador del público al que va destinado, en 1910 aparece el primer shoujo y se dedicaba solo a aventuras donde la protagonista era una preadolescente, sin ningún interés romántico. Esto fue cambiando, a mediados de 1960, cuando el mangaka Yoshiko Nishitani comenzó a dibujar historias de adolescentes japonesas contemporáneas enamoradas, provocando un drástico cambio del género. Desde entonces, podemos definirlo como un género más sentimental y que no solo se concentra en un romance heterosexual, sino, de cualquier otro tipo. Pero hoy me gustaría concentrarme en estos Shoujos "Clásicos".
Es cierto que no todos disfrutan del anime romantico, pero es difícil que un buen amante del anime no sienta curiosidad por echarle una ojeada a algún manga o anime de este género. Algo interesante de este género es que no es solamente "diabetes", siempre he admirado la capacidad de poder crear comedias románticas, es fascinante como se pueden complementar ambos géneros y crear una atmósfera en las que la diversión y el romance tierno y leal pueden ir juntos perfectamente, matizadas con diálogos y frases de la vida que representan las experiencias que muchos hemos pasado.
Lo que me gusta de Shoujo.
Hablando un poco respecto a mi punto de vista, opino que es un género en el cual no solo la relación de los personajes protagonistas avanza, también ellos mismos como personajes, e incluso los secundarios que les rodean. Un género sobre la amistad sincera y el romance puro. Me fascina como funcionan estas historias, usualmente se presentan en un entorno escolar, en el cual muchas personas el algún momento se movieron o lo hacen todavía, haciendo sentir al espectador un poco más alejado de la ficción.
Lo Malo del Shoujo.
Si tuviera que decir algún factor malo del Shoujo es que algunas veces la protagonista puede ser un tanto "obvia", por así decirlo, muchas poseen características repetitivas que llegan a cansar, o bien, el protagonista es demasiado "perfecto", estamos conscientes de que el anime y el manga es muy fantasioso, pero aveces se aleja demasiado de la realidad. Los protagonistas deben tener el menos un defecto así cuando se entra al drama el lector o espectador podrá sentirse más identificado con la situación y lo verá de forma más sentimental.
Bien, espero que hayan disfrutado el artículo, por cuestiones de tiempo lo deje un poco corto, aun así espero que se haya dado a entender mi opinión. Recomiendo totalmente este género, hasta para el que no disfrute mucho el romance, con un buen toque de la comedia o amistad que se presenta en este género , podrá gozarlo sin la necesidad de ser un fanático del romance.
Bueno me despido preguntando:
¿Has visto un anime de este género? y si es así ¿Cúal es tu favorito?
El mio es Kaichou wa maid-sama y con un poco más de tiempo les diría todas las razones de porque lo es. ¡Nos leemos pronto!
Cuando inicie mi labor como escritor en este blog, siempre consideré mi rol más como el de "profesor" que como el del típico escritor de artículos. Ya saben, la mayoría de la competencia copia descaradamente de otras fuentes, sin poner atención a su credibilidad, con tal de tener el impacto de la exclusiva. Lamentablemente esto promueve que la comunidad se de ideas equivocadas sobre como se comporta la situación en el tiempo. Desde que comencé a escribir en el 2012; Bleach ha resucitado cada año (aunque parece que finalmente lo hará), Naruto al fin terminó y Rumiko volvió a la televisión con la obra que lleva "ligeramente" (Rin-ne). Así que, si lo vemos desde mi punto de vista, ¿en mi rol de escritor de que puedo hablar ahora que han pasado seis años que ustedes no sepan? ¿Tal vez del punto de vista de Japón?
Hyoma no-Hatta, de Kaiji Kawaguchi.
Una de las falacias que debe enfrentar el aficionado es que Japón es una sociedad civil, donde los jóvenes "respetuosamente" luchan por obtener su individualidad del entramado social que los rodea. Por más variado que sea el mercado, una de las constantes del anime es el estudiante inadaptado que trata de encontrar un propósito en su vida para si mismo en una sociedad que se encuentra integrada. La realidad es que conforme Japón envejece (también se habla mucho del colapso generacional de la sociedad japonesa en tiempos recientes), la vuelta a los valores tradicionales anteriores a la guerra es parte de la temática que tratan muchos mangas y anime (Naruto es un exitoso Hokage con dos hijos que lo pueden superar). Pero conforme esta temática se impone en nuestra era, un autor ya había hablado de ella durante parte del milenio pasado, y había advertido sobre esto. Este es el ilustre desconocido Kaiji Kawaguchi.
Confession, de Kaiji Kawaguchi.
¿Quién es Kaiji Kawaguchi?
Este autor de manga nace en la ciudad de Onomichi, el 27 de julio de 1948. Su padre fue capitán de un dragaminas durante la guerra y después lo fue en un petrolero, lo que produjo en el joven un amor eterno hacia el mar, las aventuras exóticas y un ojo siempre fijo en la guerra que Japón perdió en el Pacífico. Durante su formación se vio influido por las series del mar así como la película Yojimbo de Akira Kurosawa, donde la combinación de elecciones amorales en situaciones tensas se transformará en su firma a futuro.
Silent Service, de Kaiji Kawaguchi.
Después de abandonar sus estudios en la Universidad Meiji, el autor se dedicó por completo al dibujo, con trabajos propios como de otros autores. Sin embargo, fue hasta 1989 que obtuvo su primer éxito con su obra El Servicio Secreto (The Secret Service), la historia de submarinistas japoneses en la Guerra Fría que se declaran en rebelión abierta contra el Imperio y los Estados Unidos al declararse como la nación de Yamato. Esto capturó la imaginación de los japoneses de su época y se transformó en una obra destacada pero desconocida en occidente. Esta fue la primera serie de su autoría que ganó un reconocimiento, el Kodansha Manga Award en la categoría general en 1990.
Eagle, de Kaiji Kawaguchi.
Su siguiente obra en ganar notoriedad es Eagle, un estudio interesante de como un japones-americano logra imponerse en la política de los Estados Unidos al transformarse en el primer presidente perteneciente a una minoría. La serie se vio catapultada a la notoriedad debido a la polémica de la elección de George Bush en el 2000, la cual se vio replicada de forma integral en la obra.
Zipang!, de Kaiji Kawaguchi.
Al finalizar esta serie, Kaiji pensó en jugar con la historia. Inspirado en The Final Countdown, una película americana de viaje en el tiempo a la batalla de Pearl Harbour; Zipang explora de la misma forma el viaje en el tiempo de la tripulación del JDS Mirai, un moderno crucero japones, a los días previos a la batalla de Midway. Lo interesante de la obra es que la alteración de la historia no tiene las consecuencias deseadas para la tripulación del crucero moderno, que en sus buenas intenciones cambian para siempre la historia de Japón al provocar la independencia de Manchuko en la forma del mítico Zipang, el Japón idealizado en su mitología. Esta serie también ganó el reconocimiento Kodansha Manga Award en la categoría general en el 2002.
A Spirit of the Sun, de Kaiji Kawaguchi.
En simultaneo con esta obra el autor publicó A Spirt of the Sun, la historia de un muchacho que lucha por sobrevivir al apocalipsis ocurrido sobre la sociedad japonesa a mediados del siglo XXI. Lo interesante de dicho trabajo es que el autor lo publicó con la editorial Shogakukan (la competencia) y ganó el Shogakukan Manga Award en el 2005.
Estilo.
A pesar del estilo retro que posee de dibujo y de las muchas libertades que se toma, la temática de Kaiji Kawaguchi es en el mejor de los casos "políticamente incorrecta". La mayoría de sus obras trata de la toma de decisiones de personas con poder (oficiales o tripulaciones) para enfrentar lo que se percibe como figuras reaccionarias, tanto dentro del Imperio de Japón como actores externos (generalmente Estados Unidos). De la misma forma, el autor trata de forma interesante la toma de decisiones y su impacto moral en situaciones extremas, las cuales tienen consecuencias a lo largo de su obra.
A pesar de que no es un autor "popular" en el Occidente, siempre es bueno pegar un repaso por la generalidad de los autores, para que nos demos una idea de las cosas que nos hemos perdido de este lado del charco. Así que, mientras repasamos la vida y obra de este autor de derecha, es conveniente encontrar las similitudes con otros, en el difícil mundo del manga japones.
Bibliografía
Boku wa Beatles, de Kaiwi Kawaguchi y Tetsuo Fujii.
Gunka no Hibiki (1975–76), historia de Ryō Hanmura
Terror no Keifu (1975)
Pro: Mahjong-kai no Hikari to Kage (1981–84)
Iki ni Kanzu (1983), historia de Yūjirō Yoshida
Hard & Loose (1983–87), historia de Marley Carib
Kiba-Ken (1984–85), historia de Fumio Azuma
Actor (1985)
Ai Monogatari (1987–89)
The Silent Service (1989)
Medusa (1990–94)
Mosaren Bugi (1991–92)
Shisetsu Tantei Akai Kiba (1991), historia de Azusa Katsume
Gokudou Shippuden: Bakudan (1992)
Tantei Hammer (1992)
YELLOW (1995), historia de Shinji Miyazaki
Cocoro (1997)
Araragi Tokkyu (1997)
Eagle (1997–2001)
Ruri no kamikaze (1998)
Bullet & Beast (1998–99)
Confession (1999), historia de Nobuyuki Fukumoto
Seizon Life (2000), historia de Nobuyuki Fukumoto
The Battery (2001)
Kuroi Taiyō (2001)
Zipang (2001–09)
A Spirit of the Sun (2003–10)
Kousetsu Mahjong Shinsengumi (2006–07)
Ginrou ni Kodoku wo Mita (2007), historia de Saho Sasazawa
Hyōma no Hata (2011–14)
Boku wa Beatles (2011–12), historia de Tetsuo Fujii
Recuerden niños, las películas generalmente se adaptan de...
Libros! Porque un lector suele tener la delantera con respecto a los que observan la adaptación en el cine o la televisión. Debido a la necesidad imperiosa de las productoras de buscar material para atraer a un público cada vez más ávido de historias, es casi seguro que cualquier cosa que se haya escrito que haya llegado a alguna posición de los bestsellers más vendidos en Nueva York, o que haya vendido números moderados en el mercado del manga sea adaptada. Esto aplica incluso a obras casi desconocidas como Rin-ne (de Rumiko Takahashi) o la misma Emma(Kaoru Mori), en el caso de la última alcanzó tal popularidad que provocó su propio regreso a la cultura victoriana en Japón.
Pero de vez en cuando (muy de vez en cuando), una obra literaria tarda en ser adaptada. Por razones varias (las favoritas es que no existe la tecnología necesaria para su adaptación o que puede ocasionar fricciones con el sentir de la época), dichas obras no son adaptadas a lo largo de varias décadas, hasta que finalmente un factor extraordinario favorece su adaptación y de esta forma logran llegar a un mercado más amplio que para el que fueron concebidos. De esta forma, a continuación presento una lista de diez de las obras cuya adaptación tomó tiempo (más del debido).
Tanto a finales de los ochenta como en la actualidad no existe absolutamente nada de extraño en una invasión de extraterrestres que se apodera de cuerpos humanos para hacer su voluntad. Así que dentro del género seinen, esta propuesta de Hitoshi Iwaaki de unos parásitos extraterrestres que se apoderan de huéspedes humanos para comérselos no está muy lejana a las propuestas de la serie V, Body Snatchers y otras obras del mismo género. Sin embargo, conforme cambio la década, el género del horror perdió fuerza en el público japones y la obra nunca fue adaptada. Su animación se debe a una combinación de factores inusuales, las dos películas live-action y la aparición de la serie Tokyo Ghoul, que abrieron el apetito para el público y permitieron la existencia del anime. Así de extraño e ilógico, pero así fue.
Preacher
Creadores: Garth Ennis y Steve Dillon. Género: Horror, Comedia Negra, Sobrenatural. Publicada/Adaptada: 1995-2015
Por donde comenzamos con Preacher. Bueno, según las sensibilidades religiosas de esta época (debo recordarles que Costa Rica no votó en contra de la Avalancha Evangélica por progresismo sino por un ataque a la Virgen); la existencia de un predicador vulgar, rufían y desagradable que recibe una segunda oportunidad junto con un poder que lo pone en contra de figuras religiosas de gran poder (y corrupción) y hasta el mismo Dios es un concepto bastante blasfemo. Desde su publicación hasta que el duo de Seth Rogen y Evan Goldberg se decidieron a adaptar esta obra a televisión ha pasado su tiempo, y aún así la idea de una descendencia del Jesucristo terriblemente afectada por la endogamia ha provocado sus fuertes reacciones. Pero tal como lo dijo el mismo Rogen, "todavía falta lo peor".
Ender's Game
Creadores: Oscar Scott Card. Género: Ciencia Ficción. Publicada/Adaptada: 1985-2013
¿Qué sucedió exactamente con esta obra? La realidad es que su autor siempre tuvo miedo de la adaptación de su obra, debido a los diferentes niveles de conciencia en que ocurren los eventos de su Universo. La Guerra de Ender no sólo ocurre a nivel global, con el conflicto entre los humanos y los formics; sino que sucede dentro de un cuarto de simulación y en la misma conciencia de Andrew Wiggin. Sus miedos se vieron parcialmente justificados con la adaptación del 2013, donde un insípido Asa Butterfield no pudo externar la tortura en la mente y la conciencia del joven cadete por haber sido el causante de un xenocidio. Obviamente esto se tradujo en una tragedia en taquilla y que sus participantes fueran catalogados como veneno de taquilla (por lo cual tiene algo de razón).
Valerian et Laureline
Creadores: Pierre Christin y Jean-Claude Mezeries. Género: Ciencia Ficción. Publicada/Adaptada: 1967-2017
Este es uno de los casos más tristes de la historia de la ciencia-ficción y la fantasía. Valerian y Laureline debería ser una de las obras cumbres del género pero ha pasado al ilustre desconocimiento. ¿Por qué? Porque de por medio está presente la acusación de sus creadores de que George Lucas robó muchas de sus ideas para su saga de Star Wars (lo cual no tiene nada de raro, porque de verdad robó ideas de MUCHAS FUENTES). Sin embargo, Luc Besson, uno de los directores y productores más importantes de Francia, siempre había tenido la ilusión de adaptar esta obra clásica del cómic francés al cine. Cuando finalmente llegó la oportunidad, puso casi doscientos millones de dolares con dicho objetivo y cometió todos los errores que garantizaron el fracaso de la adaptación. Luc, si alguna vez vuelves a hacer cine de altos calibres, recuerda no poner ilustres desconocidos en la pantalla, como no lo hiciste en el Quinto Elemento.
Bosch
Creador: Michael Connelly. Género: Detective. Publicada/Adaptada: 1992-2014
Al igual que con Oscar Scott Card, el autor Michael Connelly tenía mucho miedo de la adaptación de su mejor personaje en una serie de televisión. Un detective que ha protagonizado el New York Best Seller por décadas que no haya sido adaptado parece algo ilógico, ¿pero de verdad lo es? La realidad es que no fue Hieronymus "Harry" Bosch el primero que fue adaptado, sino su medio hermano Mickey Haller (del mismo autor), que vio la vida durante el renacimiento del actor Matthew McConaughey (El Abogado de Limosina/Lincoln). Fue hasta la venida del servicio de televisión de Amazon Studios que tanto el autor como su adaptador se sintieron lo suficientemente cómodos para adaptar a uno de los detectives icónicos a la televisión.
American Gods
Creador: Neil Gaiman. Género: Fantasía. Publicada/Adaptada: 2001-2017
En el caso de Neil Gaiman, la adaptación de esta obra es producto de debate. Para comenzar, las adaptaciones de las obras de este autor generalmente llevan un aire de Hollywood que le impide al público identificarse con las diferentes tramas sociales, étnicas y paranormales que representan a sus personajes. Esta obra, como parodia de la sociedad moderna y la adaptación de las deidades a las necesidades humanas, fue adaptada gracias a la colaboración con el autor con la productora para la televisora Starz, lo que nos ha permitido disfrutar de la genialidad del autor en otros medios. Uff!
The Man in the High Castle
Creador: Phillip K. Dick. Género: Thriller, Dystopia. Publicada/Adaptada: 1962-2015
Phillip K. Dick siempre ha sido un escritor difícil de adaptar. Al escuchar su nombre lo primero que uno piensa es en ciencia ficción, pero la verdad este autor americano fue prolífico en su obra, la cual siempre se orientó a una crítica entre la ficción y la realidad del mundo en que vivimos. En The Man in the High Castle, tras la derrota en la guerra de Estados Unidos, la división del país bajo la influencia de Japón y Alemania provoca una intriga que amenaza con traer el esfuerzo de ambas naciones al suelo y de ponerlas en pie de guerra. Escrita en una época donde el país del Norte comenzaba a adoptar técnicas totalitarias, a pesar de su éxito en su época esta tardó en ser adaptada porque aunque bullicioso, el público meta de dicho autor es limitado. Así que de nuevo gracias a Amazon Studios por traernos esta crítica moderna muy acertada bajo el gobierno actual que posee los Estados Unidos.
Blade Runner
Creador: Phillip K. Dick. Género: Ciencia Ficción, Dystopia. Publicada/Adaptada: 1966-1982-2017
No podíamos evitar hablar de Phillip K. Dick, de nuevo. Ya sabemos que como escritor es difícil de adaptar. Sin embargo, en el caso Blade Runner el problema es aún más apremiante. La adaptación de la novela "¿Acaso los Androides Sueñan con Ovejas Eléctricas?", la puesta en escena de un mundo donde los androides pueden convivir con los humanos y el peligro de su humanización no ha sido objeto de una sino de dos adaptaciones con años aparte. Tanto su versión original, Blade Runner, como el remake/soft reboot Blade Runner 2049 nos llevan ante la pregunta del monopolio de la humanidad sobre los sentimientos y las emociones. Trágicamente, ambas obras cinematográficas de gran calidad fueron grandes fracasos de taquilla en su tiempo, lo que nos lleva a la pregunta y consideración de que no todo puede ser adaptado porque no a todos les gusta. ¡Qué pena!
Si Sonny, técnicamente nunca estuviste vivo.
I, Robot
Creador: Isaac Asimov. Género: Ciencia Ficción. Publicada/Adaptada: 1950-2004
Una de las tragedias de la ciencia ficción moderna es que el mundo que imagino Isaac Asimov a lo largo de su obra nunca se cumplió. El paso de las computadoras todapoderosas a las redes de proceso y la comunicación global han dado un fin ignominioso a su sueño de una humanidad controlada por un procesador todo poderoso. Aunque I,Robot ha sido adaptada con otros nombres (Inteligencia Artificial, El Hombre Bicentenario) a lo largo de la década pasada, la obra de Alex Proyas del 2004 es tal vez lo más cercano que podamos llegar a esto, donde se trata la existencia de un robot que viola las leyes y la Ley 0 de la robótica. Aunque fue acertada la elección de los actores, todavía faltan años para una adaptación integral de la obra cumbre del que es considerado el padre de la ciencia ficción moderna. Así que hay que seguir esperando.
Patricia Highsmith fue una autora destacada de la segunda mitad del siglo pasado, que se destacaba en thrillers psicológicos, cuyo personaje más destacado es Tom Ripley (adaptado a la pantalla grande varias docenas de veces). Pero una de sus publicaciones más reconocidas es también una de las más controversiales. Para la época (los conservadores cincuenta en Estados Unidos), El Precio de la Sal (o Carol) despertaba muchas voces contrarias debido a que las heroínas de la obra vivían una relación lesbiana ajena a las exigencias de la época (una mujer debía estar felizmente casada y en el hogar) y cometía el "horrendo pecado" de un final feliz. Así que su adaptación vino hasta este milenio, debido a la reacción de Hollywood a la elección de Donald Trump como presidente. Irónico no, que las voces se alcen en tiempos de necesidad y no en unos más felices.
Esta es la lista de ilustres desconocidos es para que la tengan a consideración. Así como ellas, hay muchas obras literarias de enorme calidad que no han sido adaptadas en la actualidad, gran pecado tanto de ignorancia como de incapacidad del público de identificarse con sus contenidos. Espero que esto sirva para que de verdad se pongan a hacer su tarea, y que la próxima vez el libro venga primero a sus mentes que su adaptación.
