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jueves, agosto 21, 2014

jueves, agosto 21, 2014

Akino Arai, un ángel encarna su voz para el mundo.


Han escuchado cantar a un ángel. A pesar de mi amor por el metal pesado, de sus letras sucias, sus líricas abusivas y su gran poder, siempre me llena la música de los ángeles. Específicamente las voces de mujeres con una amplitud melódica (sea con ayuda de sintentizador o sin ella), que desafían el tono convencional humano y cuyos registros vocales sobrepasan lo que pueden ofrecer sus grupos y sus registros para convertirse en algo más para los recuerdos. Nombres como Tarja Turunen (cuya dolorosa separación de Nightwish dejó un producto diferente tanto para el grupo como para su carrera como solista), Eithne Ní Bhraonáin (mejor conocida como Enya, una de las grandes representantes del New Age) y la misma Yoko Kanno (bajo el nombre de Gabriela Robin si los rumores son ciertos) son los que se me vienen a la mente como vocalistas poderosas con formación clásica que se han dedicado a la música popular. Pero el final de Macross Plus, la voz que se impone en los créditos pertenece a otro de mis conocidos ángeles celestiales. Esta pertenece a la vocalista Akino Arai.

Akino Arai nace en Tokyo el 21 de agosto de 1959. En 1984, durante el 28° Concurso de Canción Popular de Yamaha gana el premio a la canción dorada. Aunque la mayor parte de su carrera se ha caracterizado por interpretaciones en anime y colaboraciones con otros artistas, para 1986 ella saca su primer CD para la compañía disquera Flying Dog. Sin embargo, deberán pasar 11 años para sacar su siguiente álbum en 1997 (una contribución con Tanetomoko y PSY). Fue justamente en el año 1986 ella hace su debut en anime, con la canción para la película Windaria (que lleva su tema debut "Promise").

Su obra no se destaca por sus discos en solitario, sino por sus poderosas contribuciones. Ella ha contribuido con artistas de la talla de Yoko Kanno (para la cual ha prestado su voz en numerosas series), Luna Sea, ha participado junto con el grupo ZABADAK (debido al retiro de Yoko Ueno y Katsushi Matsuda) y junto con la cantante CHARA. Además de esto, ella ha tenido que atender a su creciente base de fans en el extranjero (especialmente en Francia), donde ha dado varios conciertos y recitales.


Tal como algunas de sus contrapartes, Akino Arai mantiene celosamente su vida personal independiente de su vida artística. Pero así mismo ella dedica una gran cantidad de esfuerzo y dedicación a sus fans, agradeciendo durante los conciertos y tomando su tiempo para firmar autógrafos. Por sus contribuciones al anime, a la música pop y a una carrera bastante prolífica en una industria difícil, es bueno recordar a esta cantante en su onomástico.


Discografía

Álbumes

Natsukashii Mirai (Nostalgic Future) - Agosto 21, 1987
Sora no Mori : Arai Akino Best Album (Forest of the Sky) - Agosto 21, 1997
Sora no Niwa (Garden of the Sky) - Octubre 27, 1997
Furu Platinum (Falling Platinum) - Mayo 24, 2000
Concept album Kouseki Radio (Crystal Radio) - Mayo 23, 2001
Álbum de Colección RGB - Febrero 24, 2002
Eden (Eden) - Septiembre 8, 2004
VHmusic - Agosto 19, 2005
Sora no Uta (Songs of the Sky) - Noviembre 23, 2005
VHmusic 2 - Julio 18, 2006
Sora no Sphere (Sphere of the Sky) - Abril 29, 2009
Red Planet - Abril 25, 2012
Blue Planet - Abril 25, 2012


Sencillos

"Yakusoku" (Promise) - 1986
"Chizu wo Yuku Kumo" (A Cloud Which Passes Through the Map) - 1986
"Kaze to Tori to Sora ~ Reincarnation ~" (The Wind, the Birds, and the Sky) - 1992
"Kooru Suna" (Frozen Sand) - 1992
"Dragon Quest Retsuden: Roto no Monshou" (The Wings of Youth) - 1996
"Hiru no Tsuki" (The Moon at Noon) - 1998 - end theme to Outlaw Star (Episodes 1-13)
"Tsuki no Ie" (The House of the Moon) - 1998 - end theme to Outlaw Star (Episodes 14-26)
"Kanaete" (Grant My Wish) - 1999 - end theme to Ayatsuri Sakon
"Hana no Katachi" (Shape of a Flower) - 2001
"PALME Songs" - 2002
"Kakusei Toshi" (The City of Awakenings) - 2002 - end theme to Tokyo Underground
"Nostalgic Sea" (nostalgic "Natsukashii Umi" ? ) - 2004 - opening Song to Kurau Phantom Memory peak Ranked 37th at Oricon Singles charts [2]
"Kimi e Mukau Hikari / Aquarium on the Moon" (Kimihe toward Hikari ? ) - 2006 - opening Song to zegapain peak Ranked 31st at Oricon Singles charts [3]
"Golden Wave, 1000 Waves" "Kin no Sen no Nami" wave of thousand of gold ? ) - 2008 - closing theme to ARIA the Origination peak Ranked 26th at Oricon Singles charts [4]
"Honeyed Dawn" "Mitsu no Yoake" honey ? ) - 2009 - opening Song to Second Season of Spice and Wolf peak Ranked 41st at Oricon Singles charts [5]
"Unknown Vision" - 2013 - end theme to Maoyu Mao Yusha


Contribuciones

Amano Yuri

Door of the soul (escritora, arreglos)

Ishibashi Chie

Bare feet of light (escritora)
Rainbow of upside-down (escritora, arreglos)

Kanaimika

Colors of the rainbow is switched (escritora, arreglos)

Tree Mr. Saori

Empty Hitorikiri (Compositora)

Kusao Takeshi

Song-of KNIGHT OF LODOSS ~ Wind (letras)

Takako Kuwata

Wings of the wind (escritora)
Lagrima of flame (escritora)

ZABADAK

Flower of Asia (letras)
Psi-trailing (letras)
Sleeping sun (letras)
To locate the NORTH POLE The (letras)

Sakurai Sachiko

Graffiti angel (escritora)

Sakurai Tomo

Your beard Floyd (compositora, arreglos)
Announcement of breakfast (Compositora)

Shiina Hekiru

Tears NAMIDA (Compositora)

Sherry

Forever - and Adèsso e Fortuna ~ Flame (escritora)

Swan Yuri

Anastasia (escritora, arreglos)
Charm of the wind (escritora, arreglos)
Blue sky and bicycle (letras)
Pink Tourmaline (escritora, arreglos)
Window of the blue (escritora, arreglos)
Dream to see children (letras, arreglos)
Caramel (escritora, arreglos)
Airplane (escritora, arreglos)
Emerald Forest (compositora, arreglos)
bird (escritora, arreglos)
Feelings of smile (letras, arreglos)
Miracle of the sky (escritora, arreglos)
Strawberry Candle (escritora)
Violet (escritora)
Kangaroo Po~u (escritora)
Rosy Daisy (escritora)
Baby's breath (escritora)
Canary of Beluga ~ ~ sea (escritora, arreglos)
Parasol (escritora, arreglos)
With love from Shanghai (escritora, arreglos)
Bathing mermaid (escritora, arreglos)
Sunnyday Laundry (letras, arreglos)
Small space (compositora, arreglos)
Aquamarine (escritora, arreglos)
CAFE MON LECHE (compositora, arreglos)
HELLO Mr.Cat Bon (escritora, arreglos)
Little Wing (escritora, arreglos)
Thinner Tiny Glamour (escritora)
Flew to Mars in a rocket robot (escritora)

Masami Suzuki

Water (Compositora)

Tanetomoko

LOVE SONG (compositora, arreglos)

Touma Yumi

Rain of stars (escritora)
Soliloquy (compositora, arreglos)
Manjushage (compositora, arreglos)

Tanaka Rie

The Little Mermaid (Compositora)

Hand嶌葵

Song of when (escritora)
Fragments of the month (escritora)
Petals (escritora)
Rainbow (escritora)

Nagasaku Hiromi

Monday Rain (Compositora)

Mieno Hitomi

Night of Galileo (escritora, arreglos)
Day of lie (compositora, arreglos)
Biche (Compositora)
Drive Drive (compositora, arreglos)
Flower crown (escritora, arreglos)
Wearing Kimi (Compositora-arreglista)

Miyamura Yuko

Good night (compositora, arreglos)
Oh. (Compositora)

Yoshino Chiyono

Venus never sleeps (Compositora)

Washio Isako

I and crescent (Compositora)

Watanabe Marina

As cinema city (Compositora)
SWINGIN 'MOON (Compositora)


lunes, agosto 11, 2014

lunes, agosto 11, 2014

La obra de Miyazaki nunca cesa.

En un modesto edificio del suburbio de Mikata, en el Japón, un grupo de artesanos dibujaba sinfonías de colores. Quien llevaba el ritmo de aquel diminuto grupo tenía los ojos enmarcados en lentes muy gruesos, y sus manos, perfumadas con tabaco, guiaban sueños.

Aquel director nació en medio del acero y el fuego del Japón de 1941. Katsuji, su padre, fabricaba piezas de aviones de combate para el general Tojo y el imperio durante la Segunda Guerra Mundial. Las obras de Katsuji, el padre, terminaron en el fondo del océano Pacífico; la obra de Hayao, el hijo, se elevó de la ceniza, llena de vida, en aviones de papel y no tuvo escalas.

"The Spirit of the Seasons", obra inspirada en los sueños de Studio Ghibli. (Anna-Maria Jung y Rebekie Bennington)
Desde 1985, Hayao Miyazaki fue un visionario en el Studio Ghibli, un gremio de magos que soñó y provocó soñar en dos dimensiones. Mediante dibujos animados, unas manos de olor de cigarrillo tallaron un espacio en la historia y en la imaginación de millones de personas. Sin embargo, a sus 73 años de edad, el dibujante decidió guardar sus lápices.

Su taller, Studio Ghibli, anunció una pausa indefinida en sus operaciones. Toshio Suzuki, productor de la compañía, añadió que solamente conservarían un número reducido de colaboradores para administrar los derechos de autoría y el museo del estudio.

Días más tarde, en un programa de la NHK (televisora estatal japonesa), Suzuki explicó que los integrantes “cambiarán su forma de hacer animación” debido a que no son capaces de producir largometrajes en ausencia de Miyazaki; es decir, enfocarán su trabajo en “cosas cortas”. Aún así, la noticia fue recibida como el más amargo obituario.

Hayao Miyazaki, cineasta quien hizo que sus trazos se convirtieran en leyendas. AFP

Casa de tesoros. La aventura artística de Miyazaki comenzó en la década de 1970 con títulos como Conan, el niño del futuro (1978) y El castillo de Cagliostro (1979), pero forjó sus verdaderas alas a partir de 1985, cuando fundó el Studio Ghibli junto a Isao Takahata.

En 29 años, el estudio produjo 19 largometrajes de animación, 11 de ellos dirigidos por Miyazaki.
“La primera película del Studio Ghibli que vi, en un VHS, fue Mi vecino Totoro [1988], cuando tenía diez años; entonces comenzó mi interés por el dibujo y la animación”, confiesa Juan Manuel Orozco, quien estudia diseño gráfico debido a aquellos recuerdos.

Los Totoro son espíritus del bosque, como Miyazaki. Unos y otro dejaron un legado entero de mitos, magia y fantasías para miles de artistas y para Ghibli –hasta el punto de que los Totoro forman el logotipo del estudio–.

Las películas del Studio Ghibli han sido calificadas como unas de las mejores animaciones de la historia. En sus mundos, como el de Mi vecino Totoro , no hay una complejidad extraordinaria; sin embargo, cada secuencia es una ceremonia llena de espiritualidad e inocencia.

El trabajo de Miyazaki está lleno de retos pues induce al descubrimiento de nuevos horizontes para la imaginación.

La historia y los personajes del Studio Ghibli son muy similares. De hecho, la mayoría de los protagonistas de Miyazaki son niñas, pero los artistas marcan diferencias abismales entre cada historia al diseñar realidades cuidadosamente detalladas; sus mundos son un bordado de emociones. Una vez en los mundos de Miyazaki, es difícil regresar al nuestro; uno siempre es aquel niño que rehusaba salir de la juguetería.

Los seres y mundos de Studio Ghibli inspiran el trabajo de miles de artistas como Juan Manuel Orozco, joven diseñador. J. M. Orozco para LN.


En el 2001, el Studio Ghibli nos mostró El viaje de Chihiro , la película más exitosa que ha salido de las islas niponas: alrededor del mundo, el filme recaudó más de 200 millones de dólares antes de estrenarse en Norteamérica, y su botín fue coronado con el premio Oscar a la mejor película de animación.
El Studio Ghibli se convirtió en un reino de lo ficticio que además poseía una fortuna terrenal.
El tesoro apilado por la pequeña Chihiro pareció no haber tentado a Miyazaki. El director y el estudio mantuvieron una fachada modesta, comprometida al dibujo hecho a mano, convertido luego en una excentricidad a causa del apogeo digital.

Para Paul MacInnes, editor del diario británico The Guardian, la importancia del Studio Ghibli fue más allá del éxito financiero y de su impecable estética: los artistas del estudio crearon nuevas fábulas en la cultura japonesa, como la mítica parábola de La princesa Mononoke (1997). Su relevancia es tal que, según cálculos de Tsutaya, cadena japonesa de alquiler de películas, el 95,6 % de la población de ese país ha visto alguna cinta de Miyazaki.

Despedida de una ilusión. “Las películas de Miyazaki son omnipresentes en los medios de prensa japoneses. Cuando estrenan una película suya, es como si se casara un príncipe: hay coberturas todos los días, como por dos semanas. Por esto, su ausencia seguramente dejará un vacío considerable”, explica Aarón Mena, magíster por la Universidad de Ibaraki en cultura de medios y profesor de la UCR.
Los sueños necesitan a Orfeo: Ghibli era Miyazaki, por lo que fue imposible sobrevivir su ausencia, pregonada en todo el mundo a finales de 2013. Miyazaki fue un maestro sin aprendices: el estilo plasmado en su obra –por tanto, en el estudio– no tuvo un relevo generacional, a pesar de que su hijo, Goro, es parte del Studio Ghibli.

Para el director, las personas que dibujaba en sus filmes debían extraerse de la realidad. “Sí, jóvenes como ella existen en la vida real”, decía Miyazaki frente a su escritorio, mientras sus trazos formaban una silueta femenina sobre el papel.

Miyazaki siempre fue un soñador con los pies sobre la tierra. Por ello lamenta que las productoras estén llenas de otakus, denominación peyorativa que refiere a obsesos de las series animadas.

En una entrevista publicada por el periódico nipón Golden Times, el director expresa su preocupación: “Casi toda la animación japonesa carece de bases tomadas del observar a la gente. Es producida por humanos que no soportan ver a otros humanos... Si no se toma tiempo para ver a las personas, no se podrá hacer esto”, comentó sin quitar el cigarrillo de su boca.

“Miyazaki nos da lecciones, de la manera más inocente, y cruel a veces, sobre el balance que hay entre el ser humano y la naturaleza; entre lo sagrado y lo mundano. Nos acerca íntimamente a mundos con una gráfica y una exquisita paleta de color; con un dibujo preciso –más bien simple– y un uso de la metáfora que cualquier ilustrador debería analizar con voracidad”, señala Augusto Ramírez, artista gráfico.

Afiche de 'Se eleva el viento' (2013). Wikicommons.


Ventisca incierta. El último largometraje del Studio Ghibli es El recuerdo de Marnie (2014), dirigido por Hiromasa Yonebayashi. El maestro Miyazaki se despidió con Se levanta el viento (2013), obra que dejó guardados a los fantasmas, las brujas y las criaturas mágicas para hacer despegar la historia de Jiro, un muchacho que, encantado por la idea de volar, lleva su pasión de forma involuntaria a diseñar el Mitsubishi Zero, la catastrófica aeronave de combate del imperio japonés.

La última obra del padre del Studio Ghibli fue una declaración que los conservadores de su país tomaron como antibélica y, por tanto, antijaponesa: este rechazo demuestra que los mejores mundos los tienen los niños.

Por su parte, el diseñador costarricense Daniel Solano opina: “Hayao Miyazaki es uno de esos pocos genios que, con su narrativa, temas y cinematografía,  han influido en ilustradores y cineastas tanto dentro como fuera del ámbito de la animación. Sus trabajos respiran en un mundo ideal, con un amor por los valores familiares, la honestidad, el respeto por la naturaleza, y definitivamente el vuelo”.

El escritor Roberto Saviano dice que los criminales no le temen a los escritores, sino a los lectores. Con reinos de memorias y sueños, Hayao Miyazaki perpetuó su obra al enamorar al mundo, convirtiendo así al Studio Ghibli en una ventisca de emociones implacables. El trabajo de esos magos del trazo sigue moviéndose con el viento, solo que por ahora no ha decidido dónde aterrizar.
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POR David Bolaños Acuña | La Nación.


viernes, agosto 08, 2014

viernes, agosto 08, 2014

[Reseña_Anime] ¿Amor, lo recuerdas?


Había visto la serie Macross por separado de Robotech. Es completamente otra experiencia, con una edición diferente, los diálogos en japones fuera de contexto, sin los incómodos escudos dibujados a la fuerza para dar unicidad a toda la historia. Definitivamente cuando una serie define tu vida, te encanta. Pero a pesar de que la tenía para verla, no he visto las películas de Macross. Macross Flashback 2012 la tengo en una versión tan barata que me da miedo de arruinarme la tanda. Pero jamás había hecho esfuerzo para ver la película basada en la serie. Esto porque obviamente era una repetición de una de las series icónicas del género Real Mecha, ¿o no? Irónicamente, la forma en que me llegó la serie fue a través del fansub.


Una solicitud de Rick Hunter me trajo de regreso a esta película como si fuera hijo Esta resultó no ser tanto un recuento sino una hermosa readaptación de la serie original. Con el equipo original de Macross, ellos pusieron un especial detalle en la mayoría de las pequeñas cosas que hacen a la serie imperecedera, dándole una serie de giros que no se presentan en la serie original. De la mano de Studio Nue en colaboración con Toho Studio, bajo la firme mano de Shoji Kawamori y Noboru Ishiguro (Space Battleship Yamato) y la música de Kentaro Haneda, Macross: Do You Remember Love? asaltó los cines el 4 de julio de 1984. Y este fue un asalto a todas luces, uno a la vista y la imaginación.

Inicio! Spoilers!
Fin! Spoilers!


Tal como leí una vez en los foros a un perezoso, lamentablemente debo informar a cualquier otro que quiera pasarse de gracioso que la película no se parece a la serie. Como guía de evento de Macross, esta película está "inspirada" pero no está basada por completo en la serie. Una de las interrogantes más grandes que deja la serie es lo que sucedió en la Tierra durante la guerra espacial contra los Zentraedis; episodio cuya magnitud y tragedia esta película dedica al menos quince minutos completos para que el espectador pueda apreciar el profundo daño que puede dejar la guerra en todo lo que nos rodea. El resultado sigue siendo el mismo, pero aún así la tragedia es mucho más evidente y palpable en la película, una tragedia donde el mundo en que vivimos se transforma en un páramo de nuestras pesadillas.



Otro de los grandes cambios es el tiempo y la ambientación del triángulo amoroso. Debido al espacio disponible, se ejerció mucha presión en la forma en que Hikaru y Minmay inician su relación. Sin embargo, se le da mucho más énfasis a la relación más madura entre Hikaru y Misa; tanto que uno sabe cual será la elección de Hikaru, tal como siempre lo ha sido en toda la serie. El amor pasa por un periplo desde la inocencia hasta la madurez completa. Sazonado con una buena dosis de la cultura japonesa (Bright Noa como ejemplo) y fanservice (Minmay en las duchas) el amor pasa por todas las fases en sus protagonistas.


Incluso el punto de giro de la trama (la guerra entre Meltrandis y Zentraedis) incluye su buena dosis de amor y odio; incluyendo a una soberbia Millia que se lamenta de no encontrar a su par en combate hasta que lo descubre en un mirconiano. Como ella se sorprendente al repetir las palabras de un asombrado Max, el amor es parte integral de esta obra, más que la guerra. La canción de Minmay reúne, unifica y trae la paz por la que todos luchan. Este siempre ha sido el mensaje de Shoji Kawamori, tanto en Macross como en la mayoría de las series que ha dirigido con esta temática. No importa que tan mal estén las cosas, no importa lo sobrecogedor que sea el enemigo, no importan las imponentes batallas imposibles que enfrentan sus protagonistas; siempre hay esperanza si el amor es quien nos guía. Esta receta es la base de todas las obras de Macross, ha sido el eterno sello de Shoji Kawamori y es lo que lo ha traído hasta el presente sin que pierda su integridad.

viernes, julio 25, 2014

viernes, julio 25, 2014

Koji Seo; el campo y la ciudad se entrelazan por el amor


Con el traslado de mi hermano a la Zona Norte del país (donde si no llueve un día es un milagro), se ha producido un cambio en él así como en su relación con mi cuñada. Es increíble la enorme diferencia que impone una cordillera completa en la distribución y la mentalidad de dos zonas del país que apenas están separadas por menos de cien kilómetros. Porque admitámoslo, Costa Rica es diminuta. Pero aún así, existe una marcada diferencia de educación, de mentalidad y de forma de ser entre los habitantes del área metropolitana y el resto del país. Existen diferencias tangibles, tanto en lenguaje como en comportamiento, que distingue ambas partes del país.


Japón es un archipiélago muy pequeño en relación a otros países. Pero aún así, existe una gran diferencia entre los habitantes del Área del Kanto (con la ciudad de Tokyo como su base) con los habitantes hacia el NorOeste (la prefectura de Kanzawa que ha quedado constantemente inmortalizada por las obras de PA Works) así como al Oeste (la prefectura de Hiroshima, con la ciudad famosa por ser la primera en sufrir un bombardeo atómico en el mundo). Porque para la cosmopolita sociedad del Kanto, estas áreas están llenos de campesinos malhablados e incultos de los cuales pueden burlarse. Esta es una de las luchas que Koji Seo impone en sus obras, que están llenas de relaciones difíciles entre tipos incompatibles, traiciones y la eterna búsqueda por el amor que pueda vencer todas las dificultades.

Kouji Seo nace en Shobara, el área rural de Hiroshima el 26 de julio de 1974. Desde su educación en el Colegio Público Shorabara de la Prefectura de Hiroshima mostró un gran amor por los deportes de pista y campo, así como el basketbol. Al igual que muchos colegas mangakas, él decidió ignorar cualquier otra vocación y se lanzó de una vez al negocio del manga, ese que ya le ha costado la carrera y la vida a muchos de sus colegas sin conseguir nada a cambio.

Su primer trabajo fue el one-shot Half & Half para Magazine Fresh de la Kodansha. A partir de ese momento logró cautivar a una audiencia que le permitió continuar con sus primeros éxitos, Crossover (una historia de superación a través del basket) y Suzuka (una comedia romántica de un estudiante que se traslada de Hiroshima a Tokyo donde conoce al amor de su vida, su vecina y atleta de pista y campo). En ambas obras, el artista impone un estilo que introduce una compleja relación romántica entre los protagonistas principales, una gran cantidad de personajes secundarios que rotan la trama, el héroe masculino que proviene del campo y debe soportar las burlas de sus compañeros más sofisticados y una heroína que no puede decidir sobre sus sentimientos).


La obra cumbre de este autor hasta ahora es Kimi no Iru Machi (El lugar dónde vives). Haciendo uso de los elementos ganadores que siempre lo han caracterizado (relaciones complejas, un muchacho que se traslada del campo a la ciudad y personajes secundarios llamativos); los giros de la trama y la gran habilidad del narrador mantuvo el interés (y en el caso de Victor Otaku el odio) sobre la relación entre Haruto y Eba, que finalmente después de ocho largos años logró llevarlo al término del final feliz que se espera.


A pesar de que no es muy conocido en occidente, las grandes cualidades de este autor son su consistencia (el principio de la trama siempre gira bajo las mismas circunstancias), la trama romántica compleja (amores que no se admiten, relaciones intersecadas, sentimientos encontrados y muchos obstáculos tanto externos como internos de los protagonistas) y el fanservice (que aunque no es su principal función llama mucho la atención). Esto combinado con su conocimiento tanto del campo como de la ciudad, el uso de la tradición shinto como aglutinante de relaciones (muchos de los momentos inolvidables ocurren en festivales religiosos) y una gran fidelidad consigo mismo lo ha hecho un artista popular. Aunque la crítica ha sido inmisericorde por su costumbre de recurrir a elementos sacados de la manga y la trama circular sobre sus personajes principales (específicamente Kimi no Iru Machi).


En este momento, para la revista Weekly Shonen Magazine de la Kodansha él está trabajando en la secuela de Suzuka, Fuuka, que trata de la vida de la hija de los protagonistas de la anterior historia y sus sueños para convertirse en cantante en contraste a la carrera de pista y campo de su madre. Esperamos con ansias el mayor de los éxitos para un artista caracterizado por su consistencia, su perseverancia y su calidad de dibujo. Por supuesto, felicidades en sus cuarenta años.

Trabajos 

HALF & HALF (1996 Magazine Fresh; Kodansha)
W's (W's~ダブルス~ Daburusu?) (2000–01 Kodansha)
Cross Over (2002–03 Weekly Shōnen Magazine; Kodansha)
Suzuka (涼風?) (2004–07 Weekly Shōnen Magazine; Kodansha); traducción en inglés: Suzuka (2006–2010 Del Rey Manga)
Love Letter: Seo Kōji Tanpenshū (ラブレター ~瀬尾公治短編集~?, Love Letter: Compilación de Historias de Amor de Kōji Seo) (2007 Kodansha)
Azusa (梓颯?) (2005 Shōnen Magazine Wonder; Kodansha)
HALF & HALF (2007 Magazine Special; Kodansha)
Love Letter (ラブレター?) (2007 Magazine Special; Kodansha)
Kimi no Iru Machi (君のいる町?, La ciudad donde tú vives) (2008–2014 Weekly Shōnen Magazine; Kodansha)
Princess Lucia (2009–en progreso Monthly Comic Blade; Mag Garden)[2]
LovePlus Rinko Days (ラブプラス Rinko Days?) (2010–11 Bessatsu Shōnen Magazine; Kodansha)
Half & half (2012–en progreso Bessatsu Shōnen Magazine; Kodansha)
Fuuka (風夏?, Fuuka) (2014–en progreso Weekly Shōnen Magazine; Kodansha)

lunes, julio 21, 2014

lunes, julio 21, 2014

[Reseña Anime] Amazing Nurse Nanako


El que diga que el anime era de calidad hace una década y que ha venido desmejorando durante el tiempo definitivamente no recuerda bien el pasado. Estoy de acuerdo, muchos de los programas y series de animación clásicas de mi corazón son de la década de los noventa y ochenta. Pero hay que recordar que incluso en los programas más queridos de nuestra generación estaba presente el fanservice. Un ejemplo claro es cuando Sayaka Yumi y Koji Kabuto se pelean debido a una "inocente" visita al baño (Go Nagai es uno de los grandes exponentes del fanservice en especial con "Sayaka opera a Mazinger"). Ni que decir de los clásicos, todos los autores en algún momento han dejado su firma pervertida para el gusto de los menores de 14 años que casualmente posan sus ojos en las series.


La verdad, las cosas se comenzaron a tornar más liberales gracias a los OVA. Al principio, una animación original le permite la libertad al productor de poner todo lo que desee sin que sea criticado por el contenido (por supuesto con la conveniente advertencia de la edad). De esta forma, con un tono más liberal, las historias son para mayores de edad, con más piel y mucho menos censura. Sin embargo, así como varios de estos relatos se volvieron inmortales, otros se tornaron base de referencia a la oleada de ecchi que invadiría el anime una década después. No hay mejor ejemplo que esta producción de los noventas, donde con la excusa de elaborar una comedia los estudios Radix y Genco bajo la dirección de Hiroshi Negishi produjeron Amazing Nurse Nanako. Y para ser sinceros, lo único que vale la pena de la serie es la susodicha enfermera.

Inicio! Spoilers! 


La historia comienza desde el punto de vista de una despistada y torpe criada del Hospital Ogami, cuyo nombre es Nanako Shichigusa. A pesar de sus esfuerzos y sus buenas intenciones, su torpeza (y en buena medida sus tetas) le impiden llevar a cabo bien su labor. Lamentablemente para ella, el Dr. Ogami, uno de los herederos del hospital, no le tiene tanta paciencia como se debería y la atormenta constantemente con regaños y rutinas de ejercicios agotadoras que la hacen sufrir constantemente. Lamentablemente, ese día, una intriga entre la Iglesia Católica y el Pentágono traslada un sujeto experimental al hospital Ogami. Tal como en toda trama estilo Frankenstein, algo sale mal en el experimento y numerosos soldados mueren tratando de detenerlo. Pero cuando la criatura en forma de babosa se traga a Nanako, su resfrío adquirido por las jornadas agotadoras de ejercicios provoca que cambie su forma y se debilite, lo que le da la oportunidad al Dr. Ogami de destruir a la criatura y rescatar a la criada.

Ojo! Spoilers! 


Conforme se va desarrollando la historia, se devela poco a poco el pasado de Nanako. Durante el segundo capítulo, mientras están de campamento, el Dr. Ogami provoca que Nanako huya debido a su regaño. Luego de ser perseguida por un oso, de trepar en un árbol y de quedar medio desnuda, ella es rescatada por el Dr. Ogami y su equipo; para luego perseguirla desnuda por la montaña por hablar mal de él. Luego, al hospital llega un paciente mental que ataca a cualquier persona que haya sido producto de clonación (lo que confirma que Nanako es un clon a los ojos del espectador). Ella es salvada por poco por el Dr. Ogami que parte para hacer una investigación aparte. Mientras Nanako y sus colegas se queda cuidando (y destruyendo) el hospital del ataque de un mecha desquiciado (y un colega de estudios del doctor que está aún más loco que él), el Dr. Ogami confirma que Nanako es el tercer clon de una enfermera reclutada en el hospital en 1932; que muere de una misteriosa enfermedad incurable a los 20 años (y es así con todos sus modelos).

Ojo! Spoilers! 


Lamentablemente, tanto la Iglesia Católica (para resucitar a Jesucristo) como el Pentágono (para formar una superarma) desean conocer el secreto del éxito en la clonación de Nanako. Un grupo especial a cargo del colega del padre del doctor ataca al equipo, este huye hacia los Himalayas con Nanako. Pero lamentablemente, alcanzan su avión y ambos deben lanzarse en paracaídas (con la subsecuente pérdida de toda la ropa de la estúpida Nanako que obedece al doctor cuando le pide reducir el peso de la aeronave). Al llegar a los Himalayas, el acuerda con el Dr. Griffith y el Sr. Saint llevar a cabo la inseminación de Nananko. Debido a la resistencia de Nanako, el Dr. Ogami informa a Nanako (y al público) que ha llamado al ejército para que ataque la posición. Ninguna de las partes cumple sus promesas, y en la confusión del ataque el Dr. Ogami escapa con Nanako, Saint se lleva  la información del Proyecto Green y el Dr. Griffith muere a manos del experimento que sale mal.

Ojo! Spoilers! 


Cuando todos regresan a Japón, el Pentagono le ordena al doctor que debe trasladar sus operaciones al Skylab 5, que se encuentra en órbita. Fiel a su promesa, el doctor accede solamente si le envían salmón con encurtido para comer, y que no sea otra que Nanako la que se lo prepare. De esta forma, el equipo se prepara para viajar al espacio para continuar con sus aventuras.

Fin! Spoilers! 


¡Sigh! Por alguna razón el japones tiene una relación enferma de amor y odio con el sexo. Por una parte, la Yamato Nadesico es la representación de la mujer japonesa perfecta; recatada, sumisa y servicial. Pero más de las veces alguna de las vertientes simplemente desaparece. Nanako es servicial y sumisa, pero es tan torpe, inocente y estúpida que no se percata cuando está más ligera de ropa que de costumbre. Lo peor del caso es que cada clon de la protagonista resulta ser cada vez menos inteligente que el anterior. Como serie previa al ecchi es un gran recuerdo y un rato divertido en la pantalla (la serie es corta y graciosa). Pero la razón de pasarme la molestia de verla es por sentar un precedente. Porque después de Nanako, los productores se volvieron mucho más atrevidos. Hasta el punto de llegar a los niveles actuales que vemos en televisión. Así que, pueden intentar verla. Si la consiguen.


viernes, julio 18, 2014

viernes, julio 18, 2014

SUMMER 2014 ANIME LIST (PRIMERA PARTE)



Llego el verano a Japón y con ello la inclusión de nuevas series para esta temporada, si bien aún no he terminado de ver las series que reseñe hace dos meses atrás, les confieso que he dejado varias en el camino. Es decir se emite tanto anime en Japón que he adoptado el mismo método que utilizo cuando se estrenan nuevas series o comedias americanas, veo los dos primeros capítulos y si no me atrae en nada lo dejo de lado a menos que hayan mejorado a mitad de temporada o lo hayan renovado para una siguiente, claro que la única forma de saberlo es visitando buenos sites que analizan al detalle cada capítulo, mis favoritos AV CLUB, ROTTEN TOMATOES y IO9.


Eran otros tiempos

Ahora con la Internet todo el mundo crítica pero sin fundamento alguno, al menos en estos sites lo hacen más sencillo y participativo abriendo la reseña para que los mismos lectores evalúen o comenten las series o películas, siendo la más democrática cuando reúnen a todos los críticos o colaboradores y citan entre ellos las series o películas que más les ha impactado en lo que va del año, con ello uno se lleva diversas perspectivas y gustos sin medición alguna.

Volviendo al anime, existen infinidad de sites pero aún no he encontrado uno que recupere esa mecánica de comunidad participativa, por ahora me conformo con leer blogs pero sería mucho mejor encontrar un portal como los que menciono líneas arriba debido a la variedad de géneros que produce el anime; por ejemplo para hacer esta reseña he decidido incluir una serie shoujo con un toque seinen pero sería mucho más enriquecedor que una experta o experto en el tema colabore mejorando este listado.


FUTSŪ NO JOSHIKŌSEI GA LOCODOL YATTEMITA
Nanako Usami sueña con estrenar una nueva ropa de baño para la reapertura de la piscina municipal, en casa no pueden apoyarla por lo que su tío le ofrece un part-time justo en la reapertura, grande es su sorpresa que era para animar el evento convirtiéndose en una héroe local o locodol. La serie fluye bien al presentar los esfuerzos de Nanako para enfrentar al público y presentar un tema interesante: con la partida de más jóvenes a las capitales en Japón sus prefecturas buscan atraer turistas para solventar su economía local.


Part-Time? No sabes lo que te espera

SHIROGANE NO ISHI: ARGEVOLLEN
El mecha del mes, lástima que no se luzca como BROKEN BLADE que por cierto no me gusto su final pero el saldo al final es positivo sobre todo por la excelente pelea-sacrificio de GIRGE (pequeño spoiler); la trama de Argevollen no diferencia mucho de otros títulos, peleas entre naciones sumado a un piloto impaciente por querer lucirse en batalla generan una situación en la que se ve acorralado por fuerzas enemigas que casi lo abaten y salva de milagro al aparecer el “mecha ultra moderno y mejor dibujado que los demás” que le salva la vida. En resumen, trama plana y un diseño mecha que parece un EVA no atraen mucho pero quizás aparezca un lunático (caso GIRGE) o vea más combates (caso MAJESTIC PRINCE) que hagan cambiar mi parecer.


Ni fu Ni fa

AKAME GA KILL!
Tatsumi y 2 amigos viajan a la capital en busca de generar dinero para su aldea, se dispersan en el camino siendo Tatsumi que llega último solo para ser embaucado inocentemente en su primera noche en la ciudad, sin un cobre en el bolsillo duerme en la calle hasta que una noble se apiada de él y lo acoge en su casa. Tatsumi empieza a creer que no todos son malos y que las cosas pasan por algo solo para descubrir que su benefactora había latigueado a morir a su mejor amiga y envenado a muerte al otro. ¿Cómo se salva de morir? Gracias a un grupo de asesinos justicieros que lo conforman —ya lo imaginan— la ladrona que encontró al llegar, con ello salva de morir y termina siendo la mascota del grupo al ser todos unos asesinos en serie. No es un slasher pero hay sangre para regalar y al menos se esforzaron en crear un cierto aire de suspenso que espero mejore con los demás episodios, moraleja “abstenerse de dormir en mansiones la primera noche”.


La que me espera..

SWORD ART ONLINE II
Y volvió KIRITO a pedido de muchos con su amor virtual-real ASUNA, su hija no real YUI y toda la patota de viciosos que sobrevivió a la primera temporada. Esta vez KIRITO trabajara como agente encubierto del gobierno que no ve con buenos ojos como un desadaptado empieza a disparar balas a la pantalla del televisor y/o computadora matando con ello al jugador de turno. ¿Una bala que traspasa realidades? Así como lo oyen, ¿Para qué encerrarlos en el juego, si es más divertido cazarlos como presas? La “Death Gun” será el nuevo desafío de KIRITO con tal de que no vuelvan a  aprisionar a ASUNA o termine enamorando casualmente a otro familiar (caso LEAFA) por lo demás este primer episodio se centra en presentarnos a lo MATRIX los indicios de que la diferencia entre el mundo real y el virtual reside en la cantidad de datos que analizamos.


¿Para esto te salve dos veces?

ALDNOAH.ZERO
Y seguimos con los mechas esta vez con una trama más elaborada, ¿Contra quién nos enfrentamos? Pues nada menos que una civilización avanzada que reside en Marte y usa la Luna como puente intergaláctico, lo curioso es que esa civilización avanzada son terrícolas que encontraron el puente se lo guardaron para ellos y viajaron a Marte donde encontraron tecnología alienígena que los llevo a declarar la guerra a la tierra unos años después. En el proceso se volaron media Luna porque explosionamos el puente (hypergate) y las naves invasoras quedaron sobrevolando la tierra en busca de su venganza, esta tregua se rompe al viajar la princesa de su imperio como embajadora de paz solo para terminar volándola en pedazos ni bien aterriza. ¿Quién fue? Serán los militares “alienígenas” o terrícolas resentidos por la invasión. Y ¿Dónde está nuestro héroe colegial? ¿Y los mechas? Aceptémoslo, no es GUNDAM pero se deja ver.


Tanta genialidad para un solo título, habrá que ver...

ZANKYOU NO TERROR
Creo que ha pasado bastante del 9/11 para basarnos en un anime de actos terroristas, sobre todo si la organización detrás de los bombazos son 2 adolescentes que con máscaras sentai anuncian sus próximos ataques en la Web. Se hacen llamar por números (12 & 9) y por lo visto fueron ratas de laboratorio o algún experimento fallido del gobierno, no se sabe sus intenciones o porque lo hacen pero no tienen remordimiento alguno en volar todo a pedazos. Para darle un tono juvenil introducen a Lisa, una rara adolescente víctima de bullying y con problemas alimenticios que conoce accidentalmente a estos desadaptados, gracias a uno de ellos no termina volando en pedazos haciéndola su cómplice para sus próximos ataques.


Las torres gemelas estilo TOKYO, pesima idea my friends...


TSUTSUKU

lunes, julio 14, 2014

lunes, julio 14, 2014

[Reseña Anime] Canaan; una metáfora del terrorismo.


Nadie presintió lo que sucedería después, pero la Guerra del Golfo de 1990 a 1991 inicio una vorágine de destrucción en el mundo islámico que nos acompaña hasta ahora. La razón parece insignificante, pero la ocupación norteamericana (en bases militares) de Arabia Saudita (donde está la ciudad sagrada de la Mecca) provocó la reacción de los fundamentalistas a lo largo del mundo, que guiados por figuras como Osama bin Laden crearon una de las ramas terroristas más exitosas de la historia. Al Qaeda como tal no es una organización, sino una cooperativa dedicada al terror. Contra este tipo de organizaciones que aprovecha las ventajas que ofrece el Islam para motivar a sus creyentes y la corrupción de los gobiernos laicos en el Oriente Medio; los países occidentales casi no tienen oportunidad de combatirlos decisivamente. Esto se agrava sobremanera debido a que como cristianos no contamos ni con el favoritismo ni con la empatía del mundo islámico. Así que aunque llores por el genocidio de Gaza, o tu corazón se regocije por el "triunfo" de la Primavera Árabe, o tu alma sufra por los bombardeos en Siria, o te indignes por las ejecuciones por crímenes contra el honor, o te molestes por las violaciones de la ISIS en el norte de Irak; que pena, no va a servir de nada. Si vives en América o en Europa existe un 90% de probabilidades que seas un estúpido cristiano (o un creyente de las libertades individuales basadas en la doctrina cristiana que tanto interviene), un hereje, un apostate y sobre todo, UN ENEMIGO.


428: Fūsa Sareta Shibuya de es una novela visual que fue liberada para Wii en el 2008. De la mente de los Koichi Nakamura este nos ofrece un escenario de secuestros, un virus, una relación de amistad y la necesidad de interactuar entre los diferentes personajes para resolver el misterio y terminar el juego (en alguno de sus 85 finales). En base a este escenario, los cofundadores de Type-Moon Kinoko Nasu y Takashi Takeuchi se unieron con PA Works (su segundo trabajo de animación) para hacer una animación de trece episodios, que se expandiría después a un manga y una novela ligera. Casualmente, el nombre de esta serie que fue emitida a partir del 4 de julio del 2009 recuerda mucho de los problemas que embargan esa parte del mundo, porque Canaan no es un nombre que se deba tomar a la ligera.

Inicio! Spoilers!
Fin! Spoilers!


Una de las cosas interesantes de la serie es que sigue una de las tónicas de esta última era. Las series, películas y obras relacionadas con la Guerra del Terror (Body of Lies es una de las mejores representaciones pero una de las más menospreciadas de los últimos tiempos) tiene siempre la misma base si uno lo analiza con introspección. Una red terrorista islámica dirigida por una enigmática figura (Alphard escoge un nombre muy musulmán como su alias y Snake trae a la memoria el termino degorativo que los judíos usan contra los palestinos); ellos están en posesión de un arma de destrucción masiva (en este caso un virus con el que llevan a cabo su disputa de poder) y están dispuestos a usarla con tal de determinar sus puntos. Es el objetivo de miembros ajenos a la milicia (Canaan es una operadora civil de la CIA y María es una fotógrafa) desenmascarar la red terrorista y procurar su destrucción. Aunque esto no es la realidad, mucho de lo que sucede en el mundo ahora tiene esta dinámica, eventos de los cuales los civiles consumidores no tenemos ni la más remota idea, en nuestra isla cristiana allende al mar.


Aunque la serie está llena de agujeros, no posee un final definitivo y se hace eco de esta era moderna, Canaan cumple con el propósito y nos pone con una animación de calidad en la vorágine del espionaje y la vida de los agentes secretos. Esto la transforma en una obra seria, pretenciosa y deseosa de permanecer en la historia. Sin embargo, su misma seriedad es también la fuente de su perdición. Como hemos aprendido, esta generación no desea ver el mundo que lo rodea; por lo que la Guerra del Terror no es una trama popular ni en Japón ni en Estados Unidos. A pesar de los esfuerzos y de la crítica de muchos autores (incluyendo Shinchiro Watanbe con Terror in Resonance del 2014), el género está condenado a menos que exista un elemento que disponga que abramos los ojos y veamos la verdad. Como occidentales, no tenemos (ni estamos) en capacidad de juzgar nada de lo que sucede en el mundo. Porque la mayoría no estamos en un área de guerra. Así que por mientras, o no queremos verlo u opinamos desde la distancia, desde nuestros hogares seguros, a miles de kilómetros de distancia de la verdadera acción. Cuando nos toque verlo de frente, conoceremos de verdad el horror y el sufrimiento que produce la guerra. Antes de eso, no somos nadie para opinar.

miércoles, julio 09, 2014

miércoles, julio 09, 2014

¡Por qué para ver anime DEBES SER PIRATA!

¿Levante la mano todo aquel que lea esta reseña que ha preferido comprar la serie original en lugar de bajarla de internet de alguna de las fuentes y traducciones disponibles por todo el globo? Apuesto que no hay muchas manos arriba. La verdad, yo tengo una colección mixta, de un 20% de originales combinado con un 80% de copias compradas a comerciantes dedicados a esta clase de negocio, más un catalogo en disco de aproximadamente un Tera de anime (que reconozco no he visto todo y no es una colección tan grande). Sigh. ¡Mea culpa!


Todo esto no es culpa ni del espectador, ni del internet, ni de la tecnología moderna, ni de que seamos ladrones. La verdad es que la guerra por los derechos es un asunto complicado. Debido a los convenios de Ginebra, la protección de los derechos de autores debería estar clara, ¿no? Soy el propietario de la obra, entrego los derechos de comercialización a una casa de distribución que lo convierte en formato digital para ser transmitido por la web o consumido en forma física. ¡Fácil no! Cualquier pelagatos que compre una versión pirata se arriesga a que no le garanticen la calidad del producto. Pero, las cosas nunca son así de sencillas, especialmente en Japón.


En Japón, las series siguen unas reglas muy singulares para su comercialización. Una serie animada o una película ocupa primero que el interesado (ejemplo TV Tokyo para televisión o Toho Studio para cine) convenza a un grupo para que invierta en el proyecto (ejemplo la disquera King Records). Una vez que se asegura la inversión se contrata a la casa que animará la serie (ejemplo Studio Pierrot) que se encargará de todos los detalles. Esta es emitida en televisión y dependiendo de su recepción se convierte en formato digital para su venta al público. Los derechos se comparten en este triángulo según los acuerdos comerciales de cada empresa. ¿Pero qué pasa cuando las cosas no salen como deben? A continuación, cinco ejemplos de lo que sucede cuando las cosas no salen como se supone que deberían salir, obligando a los pobres consumidores a ser piratas para conseguir lo que quieren.

La guerra de Macross (Studio Nue & Big West vrs. Harmony Gold)

Levanten la mano los que amaron Robotech. ¡Yo! ¿Cuál fue la saga que más les gustó? ¡La primera, pero la tercera también compuso! ¿Cuándo van a sacar más? ¡Nunca! ¿Cómo que nunca? Así es, NUNCA. Nunca más va a salir nada más de Robotech, por más que alguien intente componer. Porque en este momento hay una guerra no declarada entre Studio Nue y Harmony Gold que lo impide.


Vamos a tratar de explicar esto en pocas palabras. Studio Nue consiguió como patrocinador a la Big West Advertising para producir Macross. Pero la empresa no tenía la capacidad de producir algo tan ambicioso, por esto trajeron el apoyo de Tatsunoko Productions para que se encargara de la mayor parte de la animación a cambio de los derechos de distribución internacionales de esta serie. Posteriormente Harmony Gold compró estos derechos junto con los de Southern Cross y Mospeda para hacer Robotech. Pero la popularidad de la serie original y el éxito de la celebración del décimo aniversario (Macross Plus) movió a algunos importadores (Toycom) para tratar de comercializar los productos de esta serie en Norteamérica. De inmediato la Harmony Gold puso una notificación de cese y desista debido a que "poseían todos los derechos de comercialización de Macross en los Estados Unidos".


En esta ambigua frase yace el fondo de la disputa, porque en la interpretación legal, Harmony Gold sólo posee derechos sobre la primera serie Macross. Todas las demás pueden ser comercializadas sin problema. Pero para levantar la restricción, Studio Nue y Big West Advertising deben disputar esta afirmación, y el litigio legal costaría más que los posibles beneficios. Así que, nos quedamos con las manos vacías. Por eso, descargue descaradamente cualquier serie de Macross, sin remordimiento. Después de todo, no hay derechos. Perdón, los tiene Harmony Gold. ¡Jaja!

El precio del progreso (Yoshiyuki Tomino vrs. Bandai-Sunrise)

Dicen las malas lenguas que Mobile Suit Gundam F91 era la serie de décimo aniversario de Gundam. Dicen las malas lenguas que esta iba a ser una serie. Dicen las malas lenguas que Yoshiyuki Tomino por estas fechas se enteró de la fusión entre Bandai y Sunrise, a la cual se opuso tajantemente. Oigan, ¿por qué la volvieron película?


Como siempre, hay algo de verdad y algo de mentira detrás de las afirmaciones. Después de Char Contrataca, la Sunrise con el dinero inyectado por Bandai comenzó a meterle presupuesto, a construir estudios y a expandirse como jamás lo había hecho antes. Pero por supuesto, lo único que podía estar a tiempo para el décimo aniversario era una serie corta. ¿Por qué? Por los problemas de producción de Char Contraataca. Sin embargo, en coincidencia con el décimo aniversario se le encomendó al legendario director hacer una nueva serie. Pero si, llegaron los rumores de la fusión y Yoshiyuki se opuso. Así que los ejecutivos cerraron el proyecto CON QUINCE EPISODIOS en fase de planeación y producción. Fue una forma elegante de decirle, ¡cállese!

Pero, Yoshiyuki era el director midas de su época. Así que con tal de sacarle algo a la producción, Sunrise tomó esos quince episodios y los condensó en una película, Gundam F91. Nada más. La siguiente Gundam (Victory Gundam) sería la última en muchos años de Yoshiyuki, conforme la Sunrise lo iba apartando cada vez más del directorio o la parte operativa. Y por supuesto, debido al fracaso de la película no volvieron a hacer otra. Con varias traducciones mal hechas y problemas con las versiones, vale la pena bajarla y burlarse un rato. Pero cuidado, esta es la base de uno de los mangas más importantes de Gundam, Crossbone Gundam. Piratas en el espacio contra un imperio espacial. ¿Les suena conocido?

La agonía de Harlock (Toei Animation vrs. Harmony Gold)

Los grandes fans del Leijiverso (título que quisiera encontrar más a menudo en redes para justificarlo) no fueron los primeros en percatarse del enorme parecido que tenían TODAS las series de Leiji Matsumoto. Sus dos mayores éxitos comerciales (dados a final de la década de los setenta) en manga salieron al mismo tiempo y comparten muchos elementos en común que resultan obvios hasta para el seguidor menos conspicuo. El gran problema es que TODOS se dieron cuenta de esto. Incluyendo Harmony Gold.


¿Cuánto más daño le puede hacer una compañía al mundo? Bueno, la culpa es exclusiva del sistema de comercialización de las series para su reproducción en América durante los 80s y 90s. El número mágico para poder sindicalizar (emitirla en cable y en horarios diversos) es 65. Pero la temporada anime en esa era duraba 26 episodios (y si tenían suerte) 50+ episodios. Bueno, Harlock/Raimar tiene 42 episodios + Queen Millenia/la Princesa de los Mil Años tiene 42 episodios = Compren, mutilen, emitan. Captain Harlock and the Queen Milenia fue el resultado de esta mutación, que transmitieron en el país hace más de 15 años creo. Lo que resultó es algo que me hace confirmar mi dicho anterior. Mis respetos a los restos de Leiji, que descansen en su gloria (perdón, se me olvidaba que sigue vivo :p).

El incidente en Kitty Films (Rumiko Takahashi vrs. Kitty Films)

Esta es una noticia vieja, pero no puede evitar recordarlo. Rumiko Takahashi es una de las mangakas más afamadas de Japón (y una de las más ricas en el proceso). Durante la década de los 80s, 90s y principios de este siglo ella era el Rey Midas, serie que sacaba hacía oro tanto en manga como en anime. Urusei Yatsura, Maisson Ikoku, Ranma 1/2 e Inu Yasha fueron sus contribuciones al arte; donde su estilo irreverente de comedia romántica, sus tramas complicadas tanto, sus personajes principales y secundarios y su gran tino para las situaciones locas nos divirtió por más de treinta años.


Kitty Films fue el estudio que animo exclusivamente sus series. Aunque subcontrato tanto a Studio Deen como Studio Pierrot, los trabajos de Rumiko fueron exclusivos del estudio porque había sido compañera del productor de animes de la compañía, Shigekazu Ochiai. Pero en 1992 se descubrió que Hidenori Taga (el presidente ejecutivo) desvió recursos de la división de anime a la división de música por lo que tuvo que renunciar a su puesto, mientras que Shigekazu Ochiai fue transferido a Pao House Studio. Hasta aquí llegó la serie animada en ese momento (Ranma 1/2) y la relación de paridad de Rumiko, que perdió casi todo el control de Inu Yasha cuando pasó a Sunrise (los eternos fillers que mataron la serie). Y después de esto el público le ha dado la espalda y su obra ya no vende como antes. ¡Que pena!

¿Samurai X término? ¿Sin su mejor arco animado? (Studio Gallop & Studio Deen vrs. Nobuhiro Watsuki & Shueisha)

Que recuerdos. Samurai X me recuerda mi tiempo en Animanía. En ese sitio conocí a uno de los más grandes aficionados de anime (con una videoteca envidiable), y disfruté el sano apetito que conservo ahora. Por supuesto, en esos tiempos transmitían Samurai X; que después del admirable arco de Kyoto comenzó a dar vueltas, y vueltas, y vueltas. Fue por esa era cuando Christian me dijo que Rorouni Kenshin seguía, que mataban a Kaoru, que Kenshin se encontraba con su cuñado, que esa serie tenía las mejores peleas hasta la fecha. Como muchos quedé esperando, y esperé, y esperé (y seguí esperando).


Para los que no conocen, después del arco de Kyoto (Makoto Shishio de infame fama) Kenshin regresa a Tokyo para encontrar su casa ocupada y a un desconocido que no lo era tanto, su cuñado Enishi Yukishiro. Este ocupa largos volúmenes que se extienden desde 1998 hasta el 2006. WTF! Aquí volvemos a los derechos, porque Rorouni Kenshin fue adquirido por Fuji TV por cinco años desde 1996. Lamentablemente alcanzaron el arco en producción, y por supuesto la respuesta de la televisora fueron los infames fillers. Tanto fue el cántaro a la fuente que se rompió. No sólo no prosiguieron con dicho arco, sino que para recuperar pérdidas los estudios comenzaron a producir OVAs para conservar los derechos otros cinco años. Esperemos que las películas le hagan honor a este arco, sino vamos a esperar sentados (de nuevo).


Luego de este breve recorrido por los casos sonados, debo afirmar con orgullo que para ver anime no queda otra opción que ser pirata. A menos que se hayan quedado satisfechos con lo poco que vino de Zatch Bell o One Piece, las censuras constantes y los problemas de traducción. Casos y cosas han aparecido durante el tiempo y los fansub sirven para satisfacer a los fans. Pero hay cosas donde uno debe decir que no. La película de Dragon Ball Z y Saint Seiya, así como el remake de Sailor Moon son para mi intocables. Son series populares en lationamérica, que generarán mucho de que hablar en contra o a favor. Para todo lo demás, pirata. A menos que puedan encontrar la versión correcta, con la autorización. Y los permisos de Japón (Crunchyroll compra el derecho a la televisora, una parte del triángulo, y traduce al mejor estilo Google Translator). Sobre todo, recuerden los nombres mencionados, especialmente Harmony Gold, destruyendo series de anime desde los años 80.