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lunes, mayo 21, 2018

lunes, mayo 21, 2018

Kaiji Kawaguchi; o el Japón que pudo ser.

La temática del manga/anime moderno

Cuando inicie mi labor como escritor en este blog, siempre consideré mi rol más como el de "profesor" que como el del típico escritor de artículos. Ya saben, la mayoría de la competencia copia descaradamente de otras fuentes, sin poner atención a su credibilidad, con tal de tener el impacto de la exclusiva. Lamentablemente esto promueve que la comunidad se de ideas equivocadas sobre como se comporta la situación en el tiempo. Desde que comencé a escribir en el 2012; Bleach ha resucitado cada año (aunque parece que finalmente lo hará), Naruto al fin terminó y Rumiko volvió a la televisión con la obra que lleva "ligeramente" (Rin-ne). Así que, si lo vemos desde mi punto de vista, ¿en mi rol de escritor de que puedo hablar ahora que han pasado seis años que ustedes no sepan? ¿Tal vez del punto de vista de Japón?

Hyoma no-Hatta, de Kaiji Kawaguchi.
Una de las falacias que debe enfrentar el aficionado es que Japón es una sociedad civil, donde los jóvenes "respetuosamente" luchan por obtener su individualidad del entramado social que los rodea. Por más variado que sea el mercado, una de las constantes del anime es el estudiante inadaptado que trata de encontrar un propósito en su vida para si mismo en una sociedad que se encuentra integrada. La realidad es que conforme Japón envejece (también se habla mucho del colapso generacional de la sociedad japonesa en tiempos recientes), la vuelta a los valores tradicionales anteriores a la guerra es parte de la temática que tratan muchos mangas y anime (Naruto es un exitoso Hokage con dos hijos que lo pueden superar). Pero conforme esta temática se impone en nuestra era, un autor ya había hablado de ella durante parte del milenio pasado, y había advertido sobre esto. Este es el ilustre desconocido Kaiji Kawaguchi.

Confession, de Kaiji Kawaguchi.

¿Quién es Kaiji Kawaguchi? 



Este autor de manga nace en la ciudad de Onomichi, el 27 de julio de 1948. Su padre fue capitán de un dragaminas durante la guerra y después lo fue en un petrolero, lo que produjo en el joven un amor eterno hacia el mar, las aventuras exóticas y un ojo siempre fijo en la guerra que Japón perdió en el Pacífico. Durante su formación se vio influido por las series del mar así como la película Yojimbo de Akira Kurosawa, donde la combinación de elecciones amorales en situaciones tensas se transformará en su firma a futuro.

Silent Service, de Kaiji Kawaguchi.

Después de abandonar sus estudios en la Universidad Meiji, el autor se dedicó por completo al dibujo, con trabajos propios como de otros autores. Sin embargo, fue hasta 1989 que obtuvo su primer éxito con su obra El Servicio Secreto (The Secret Service), la historia de submarinistas japoneses en la Guerra Fría que se declaran en rebelión abierta contra el Imperio y los Estados Unidos al declararse como la nación de Yamato. Esto capturó la imaginación de los japoneses de su época y se transformó en una obra destacada pero desconocida en occidente. Esta fue la primera serie de su autoría que ganó un reconocimiento, el Kodansha Manga Award en la categoría general en 1990.

Eagle, de Kaiji Kawaguchi.

Su siguiente obra en ganar notoriedad es Eagle, un estudio interesante de como un japones-americano logra imponerse en la política de los Estados Unidos al transformarse en el primer presidente perteneciente a una minoría. La serie se vio catapultada a la notoriedad debido a la polémica de la elección de George Bush en el 2000, la cual se vio replicada de forma integral en la obra.

Zipang!, de Kaiji Kawaguchi.

Al finalizar esta serie, Kaiji pensó en jugar con la historia. Inspirado en The Final Countdown, una película americana de viaje en el tiempo a la batalla de Pearl Harbour; Zipang explora de la misma forma el viaje en el tiempo de la tripulación del JDS Mirai, un moderno crucero japones, a los días previos a la batalla de Midway. Lo interesante de la obra es que la alteración de la historia no tiene las consecuencias deseadas para la tripulación del crucero moderno, que en sus buenas intenciones cambian para siempre la historia de Japón al provocar la independencia de Manchuko en la forma del mítico Zipang, el Japón idealizado en su mitología. Esta serie también ganó el reconocimiento Kodansha Manga Award en la categoría general en el 2002.

A Spirit of the Sun, de Kaiji Kawaguchi.

En simultaneo con esta obra el autor publicó A Spirt of the Sun, la historia de un muchacho que lucha por sobrevivir al apocalipsis ocurrido sobre la sociedad japonesa a mediados del siglo XXI. Lo interesante de dicho trabajo es que el autor lo publicó con la editorial Shogakukan (la competencia) y ganó el Shogakukan Manga Award en el 2005.

Estilo.


A pesar del estilo retro que posee de dibujo y de las muchas libertades que se toma, la temática de Kaiji Kawaguchi es en el mejor de los casos "políticamente incorrecta". La mayoría de sus obras trata de la toma de decisiones de personas con poder (oficiales o tripulaciones) para enfrentar lo que se percibe como figuras reaccionarias, tanto dentro del Imperio de Japón como actores externos (generalmente Estados Unidos). De la misma forma, el autor trata de forma interesante la toma de decisiones y su impacto moral en situaciones extremas, las cuales tienen consecuencias a lo largo de su obra.

A pesar de que no es un autor "popular" en el Occidente, siempre es bueno pegar un repaso por la generalidad de los autores, para que nos demos una idea de las cosas que nos hemos perdido de este lado del charco. Así que, mientras repasamos la vida y obra de este autor de derecha, es conveniente encontrar las similitudes con otros, en el difícil mundo del manga japones.

Bibliografía

Boku wa Beatles, de Kaiwi Kawaguchi y Tetsuo Fujii.

Gunka no Hibiki (1975–76), historia de Ryō Hanmura
Terror no Keifu (1975)
Pro: Mahjong-kai no Hikari to Kage (1981–84)
Iki ni Kanzu (1983), historia de Yūjirō Yoshida
Hard & Loose (1983–87), historia de Marley Carib
Kiba-Ken (1984–85), historia de Fumio Azuma
Actor (1985)
Ai Monogatari (1987–89)
The Silent Service (1989)
Medusa (1990–94)
Mosaren Bugi (1991–92)
Shisetsu Tantei Akai Kiba (1991), historia de  Azusa Katsume
Gokudou Shippuden: Bakudan (1992)
Tantei Hammer (1992)
YELLOW (1995), historia de Shinji Miyazaki
Cocoro (1997)
Araragi Tokkyu (1997)
Eagle (1997–2001)
Ruri no kamikaze (1998)
Bullet & Beast (1998–99)
Confession (1999), historia de Nobuyuki Fukumoto
Seizon Life (2000), historia de Nobuyuki Fukumoto
The Battery (2001)
Kuroi Taiyō (2001)
Zipang (2001–09)
A Spirit of the Sun (2003–10)
Kousetsu Mahjong Shinsengumi (2006–07)
Ginrou ni Kodoku wo Mita (2007), historia de Saho Sasazawa
Hyōma no Hata (2011–14)
Boku wa Beatles (2011–12), historia de Tetsuo Fujii
Rijin no Fushigi na Yakyū (Jo) (2012)
Zipang: Shinsō Kairyū (2012– )
Burai-hen (2013)

martes, abril 24, 2018

martes, abril 24, 2018

Obras literarias que tardaron DEMASIADO en ser adaptadas.

Recuerden niños, las películas generalmente se adaptan de... 

Libros! Porque un lector suele tener la delantera con respecto a los que observan la adaptación en el cine o la televisión. Debido a la necesidad imperiosa de las productoras de buscar material para atraer a un público cada vez más ávido de historias, es casi seguro que cualquier cosa que se haya escrito que haya llegado a alguna posición de los bestsellers más vendidos en Nueva York, o que haya vendido números moderados en el mercado del manga sea adaptada. Esto aplica incluso a obras casi desconocidas como Rin-ne (de Rumiko Takahashi) o la misma Emma (Kaoru Mori), en el caso de la última alcanzó tal popularidad que provocó su propio regreso a la cultura victoriana en Japón.

adaptaciones de obras literarias


Pero de vez en cuando (muy de vez en cuando), una obra literaria tarda en ser adaptada. Por razones varias (las favoritas es que no existe la tecnología necesaria para su adaptación o que puede ocasionar fricciones con el sentir de la época), dichas obras no son adaptadas a lo largo de varias décadas, hasta que finalmente un factor extraordinario favorece su adaptación y de esta forma logran llegar a un mercado más amplio que para el que fueron concebidos. De esta forma, a continuación presento una lista de diez de las obras cuya adaptación tomó tiempo (más del debido).


Parasyte

Creador: Hitoshi Iwaaki
Género: Terror/Horror
Publicada/Adaptada: 1988-2015

Tanto a finales de los ochenta como en la actualidad no existe absolutamente nada de extraño en una invasión de extraterrestres que se apodera de cuerpos humanos para hacer su voluntad. Así que dentro del género seinen, esta propuesta de Hitoshi Iwaaki de unos parásitos extraterrestres que se apoderan de huéspedes humanos para comérselos no está muy lejana a las propuestas de la serie V, Body Snatchers y otras obras del mismo género. Sin embargo, conforme cambio la década, el género del horror perdió fuerza en el público japones y la obra nunca fue adaptada. Su animación se debe a una combinación de factores inusuales, las dos películas live-action y la aparición de la serie Tokyo Ghoul, que abrieron el apetito para el público y permitieron la existencia del anime. Así de extraño e ilógico, pero así fue.


Preacher

Creadores: Garth Ennis y Steve Dillon.
Género: Horror, Comedia Negra, Sobrenatural.
Publicada/Adaptada: 1995-2015

Por donde comenzamos con Preacher. Bueno, según las sensibilidades religiosas de esta época (debo recordarles que Costa Rica no votó en contra de la Avalancha Evangélica por progresismo sino por un ataque a la Virgen); la existencia de un predicador vulgar, rufían y desagradable que recibe una segunda oportunidad junto con un poder que lo pone en contra de figuras religiosas de gran poder (y corrupción) y hasta el mismo Dios es un concepto bastante blasfemo. Desde su publicación hasta que el duo de Seth Rogen y Evan Goldberg se decidieron a adaptar esta obra a televisión ha pasado su tiempo, y aún así la idea de una descendencia del Jesucristo terriblemente afectada por la endogamia ha provocado sus fuertes reacciones. Pero tal como lo dijo el mismo Rogen, "todavía falta lo peor".


Ender's Game

Creadores: Oscar Scott Card.
Género: Ciencia Ficción.
Publicada/Adaptada: 1985-2013

¿Qué sucedió exactamente con esta obra? La realidad es que su autor siempre tuvo miedo de la adaptación de su obra, debido a los diferentes niveles de conciencia en que ocurren los eventos de su Universo. La Guerra de Ender no sólo ocurre a nivel global, con el conflicto entre los humanos y los formics; sino que sucede dentro de un cuarto de simulación y en la misma conciencia de Andrew Wiggin. Sus miedos se vieron parcialmente justificados con la adaptación del 2013, donde un insípido Asa Butterfield no pudo externar la tortura en la mente y la conciencia del joven cadete por haber sido el causante de un xenocidio. Obviamente esto se tradujo en una tragedia en taquilla y que sus participantes fueran catalogados como veneno de taquilla (por lo cual tiene algo de razón). 


Valerian et Laureline

Creadores: Pierre Christin y Jean-Claude Mezeries.
Género: Ciencia Ficción.
Publicada/Adaptada: 1967-2017

Este es uno de los casos más tristes de la historia de la ciencia-ficción y la fantasía. Valerian y Laureline debería ser una de las obras cumbres del género pero ha pasado al ilustre desconocimiento. ¿Por qué? Porque de por medio está presente la acusación de sus creadores de que George Lucas robó muchas de sus ideas para su saga de Star Wars (lo cual no tiene nada de raro, porque de verdad robó ideas de MUCHAS FUENTES). Sin embargo, Luc Besson, uno de los directores y productores más importantes de Francia, siempre había tenido la ilusión de adaptar esta obra clásica del cómic francés al cine. Cuando finalmente llegó la oportunidad, puso casi doscientos millones de dolares con dicho objetivo y cometió todos los errores que garantizaron el fracaso de la adaptación. Luc, si alguna vez vuelves a hacer cine de altos calibres, recuerda no poner ilustres desconocidos en la pantalla, como no lo hiciste en el Quinto Elemento



Bosch

Creador: Michael Connelly.
Género: Detective.
Publicada/Adaptada: 1992-2014

Al igual que con Oscar Scott Card, el autor Michael Connelly tenía mucho miedo de la adaptación de su mejor personaje en una serie de televisión. Un detective que ha protagonizado el New York Best Seller por décadas que no haya sido adaptado parece algo ilógico, ¿pero de verdad lo es? La realidad es que no fue Hieronymus "Harry" Bosch el primero que fue adaptado, sino su medio hermano Mickey Haller (del mismo autor), que vio la vida durante el renacimiento del actor Matthew McConaughey (El Abogado de Limosina/Lincoln). Fue hasta la venida del servicio de televisión de Amazon Studios que tanto el autor como su adaptador se sintieron lo suficientemente cómodos para adaptar a uno de los detectives icónicos a la televisión.



American Gods

Creador: Neil Gaiman.
Género: Fantasía.
Publicada/Adaptada: 2001-2017

En el caso de Neil Gaiman, la adaptación de esta obra es producto de debate. Para comenzar, las adaptaciones de las obras de este autor generalmente llevan un aire de Hollywood que le impide al público identificarse con las diferentes tramas sociales, étnicas y paranormales que representan a sus personajes. Esta obra, como parodia de la sociedad moderna y la adaptación de las deidades a las necesidades humanas, fue adaptada gracias a la colaboración con el autor con la productora para la televisora Starz, lo que nos ha permitido disfrutar de la genialidad del autor en otros medios. Uff!


The Man in the High Castle

Creador: Phillip K. Dick.
Género: Thriller, Dystopia.
Publicada/Adaptada: 1962-2015

Phillip K. Dick siempre ha sido un escritor difícil de adaptar. Al escuchar su nombre lo primero que uno piensa es en ciencia ficción, pero la verdad este autor americano fue prolífico en su obra, la cual siempre se orientó a una crítica entre la ficción y la realidad del mundo en que vivimos. En The Man in the High Castle, tras la derrota en la guerra de Estados Unidos, la división del país bajo la influencia de Japón y Alemania provoca una intriga que amenaza con traer el esfuerzo de ambas naciones al suelo y de ponerlas en pie de guerra. Escrita en una época donde el país del Norte comenzaba a adoptar técnicas totalitarias, a pesar de su éxito en su época esta tardó en ser adaptada porque aunque bullicioso, el público meta de dicho autor es limitado. Así que de nuevo gracias a Amazon Studios por traernos esta crítica moderna muy acertada bajo el gobierno actual que posee los Estados Unidos.


Blade Runner

Creador: Phillip K. Dick.
Género: Ciencia Ficción, Dystopia.
Publicada/Adaptada: 1966-1982-2017

No podíamos evitar hablar de Phillip K. Dick, de nuevo. Ya sabemos que como escritor es difícil de adaptar. Sin embargo, en el caso Blade Runner el problema es aún más apremiante. La adaptación de la novela "¿Acaso los Androides Sueñan con Ovejas Eléctricas?", la puesta en escena de un mundo donde los androides pueden convivir con los humanos y el peligro de su humanización no ha sido objeto de una sino de dos adaptaciones con años aparte. Tanto su versión original, Blade Runner, como el remake/soft reboot  Blade Runner 2049 nos llevan ante la pregunta del monopolio de la humanidad sobre los sentimientos y las emociones. Trágicamente, ambas obras cinematográficas de gran calidad fueron grandes fracasos de taquilla en su tiempo, lo que nos lleva a la pregunta y consideración de que no todo puede ser adaptado porque no a todos les gusta. ¡Qué pena!

Si Sonny, técnicamente nunca estuviste vivo.

I, Robot

Creador: Isaac Asimov.
Género: Ciencia Ficción.
Publicada/Adaptada: 1950-2004

Una de las tragedias de la ciencia ficción moderna es que el mundo que imagino Isaac Asimov a lo largo de su obra nunca se cumplió. El paso de las computadoras todapoderosas a las redes de proceso y la comunicación global han dado un fin ignominioso a su sueño de una humanidad controlada por un procesador todo poderoso. Aunque I,Robot ha sido adaptada con otros nombres (Inteligencia Artificial, El Hombre Bicentenario) a lo largo de la década pasada, la obra de Alex Proyas del 2004 es tal vez lo más cercano que podamos llegar a esto, donde se trata la existencia de un robot que viola las leyes y la Ley 0 de la robótica. Aunque fue acertada la elección de los actores, todavía faltan años para una adaptación integral de la obra cumbre del que es considerado el padre de la ciencia ficción moderna. Así que hay que seguir esperando.


The Price of Salt

Creador: Patricia Highsmith.
Género: Romance.
Publicada/Adaptada: 1952-2014

Patricia Highsmith fue una autora destacada de la segunda mitad del siglo pasado, que se destacaba en thrillers psicológicos, cuyo personaje más destacado es Tom Ripley (adaptado a la pantalla grande varias docenas de veces). Pero una de sus publicaciones más reconocidas es también una de las más controversiales. Para la época (los conservadores cincuenta en Estados Unidos), El Precio de la Sal (o Carol) despertaba muchas voces contrarias debido a que las heroínas de la obra vivían una relación lesbiana ajena a las exigencias de la época (una mujer debía estar felizmente casada y en el hogar) y cometía el "horrendo pecado" de un final feliz. Así que su adaptación vino hasta este milenio, debido a la reacción de Hollywood a la elección de Donald Trump como presidente. Irónico no, que las voces se alcen en tiempos de necesidad y no en unos más felices.



Esta es la lista de ilustres desconocidos es para que la tengan a consideración. Así como ellas, hay muchas obras literarias de enorme calidad que no han sido adaptadas en la actualidad, gran pecado tanto de ignorancia como de incapacidad del público de identificarse con sus contenidos. Espero que esto sirva para que de verdad se pongan a hacer su tarea, y que la próxima vez el libro venga primero a sus mentes que su adaptación. 

lunes, marzo 12, 2018

lunes, marzo 12, 2018

Reseña Anime: Blade and Soul

Las compañías de anime ya no son lo que eran...


Gonzo era una de las compañías de animación más revolucionarias del mercado, con series que combinaban animación por computadora con dibujo 2D. Sin embargo, debido a que poseían una compañía de inversión de capital paralela a su sector animado (GDH), fue golpeada duro por la crisis del 2008-2009. Con un severo problema de liquidez y falta de estabilidad financiera, la compañía absorbió la empresa adjunta y comenzó a reducir su producción en un esfuerzo por resolver la crisis. Para la sorpresa de la empresa, Netflix comenzó a invertir en el anime, compró los derechos de la serie Rosario + Vampire y con el dinero obtenido la empresa pudo comenzar a salir de la crisis e invertir en animación para principios del 2012. La pregunta era, ¿qué debían hacer a continuación con una sección de animación parcialmente destruida por la crisis? La respuesta más barata por supuesto es un juego.


Blade and Soul es un juego en línea de peleas marciales coreano de la compañía NCSOFT, que por supuesto corre en plataformas Windows y Android (lo más popular en la península coreana si no sabían la fama de Starcraft). Así que con presupuesto y permiso, Gonzo comenzó el desarrollo de una serie de una temporada (12 episodios) que reflejara la aventura de una de las clases más populares del juego, introdujera al espectador en el mundo del juego y que por supuesto sirviese como publicidad para futuros desarrollos. La pregunta, como con toda serie desarrollada de juegos, es si lograrían todos esos ambiciosos objetivos.


Blade & Soul

Director: Hiroshi Takeuchi & Hiroshi Hamasaki
Guión: Atsuhiro Tomioka
Música: Taro Iwashiro
Animación: Gonzo
13 episodios
Abril - Junio 2014

Inicio! Spoilers!



Si quieres adentrarte en la trama de este animé, puedes entrar a mi artículo: [Spoilers] Blade & Soul. ¡Allí te cuento todo lo que acontece en este animé, léase con precaución! 

Fin! Spoilers!


¿Y lo que nos queda después de esto es...?

¿Qué diablos fue lo que vi? Por supuesto que para que un anime de este "calibre" tenga éxito se requiere una buena dosis de fanservice, a este no le hace falta nada en este detalle. Con cuatro protagonistas femeninas y una antagonista "casi vestidas" por supuesto que cada fapero aficionado va a estar viendo "esto" (yo incluido). Pero si nos ponemos a ver el fondo de la historia, la realidad es que si usted no es aficionado al juego (y dudo mucho que siéndolo) podría llegar a entenderla. Conforme uno comprende la relación entre el "Espíritu del Cielo", la relación entre la oscuridad y la luz que se consumen la una contra la otra y la obsesiva enemistad entre Alka y Jin Varrel (una de las pocas cosas bien explicadas de la serie, aunque debería ser Alka la obsesiva), uno más o menos comprende por donde va la serie, pero desde el punto de vista de trama y argumento está completamente perdida y fuera de si.



A pesar de todo lo malo que la corroe, Blade and Soul posee una identidad irreverente en la figura de las protagonistas secundarias que apoyan a Alka en todo su viaje. El espíritu de "joie de vivre" que las acompaña así como sus diversas ocupaciones hacen que dicho grupo sea lo más destacado e interesante de la serie. Otro punto positivo es que las mujeres de la serie no son hombres con tetas, la mayoría de ellas poseen una identidad propia, acceso a su propia femineidad y en sus conversaciones muy pocas veces aparece el hombre como centro de sus vidas. Sin embargo, la intención de la serie arruina mucho de lo que se puede lograr con ella. Sin un argumento central, cacaofonía de nombres (las Jin), con pocos antagonistas que pagan por lo que han hecho con su vida y con una trama que revolotea sobre si misma (más que las resurrecciones de Jin Varrel) la serie avanza a transpies hasta terminar en una pelea que cuesta despertar mis sentidos.



El estilo y calidad de la serie (que en animación se comporta a la altura de la exigencia) demuestra el gran problema que sufrirá Gonzo durante los siguientes años, con desarrollos que incumplen a pesar de la inversión gestada en ellos. Orientándose por completo a novelas ligeras y juegos en lugar de material orginal, la compañía sólo produce una serie al año y trata de sobrevivir de la mejor froma en el difícil mercado de la animación que ha provocado el cierre de muchas otras. Así que mientras lamentamos su lenta necropsis, guardemos un minuto de silencio por una compañía que tuvo mejores días.

domingo, febrero 25, 2018

domingo, febrero 25, 2018

Reseña Anime: Devilman Crybaby

Opinar de anime es fácil, pero...

¿Cuál puede ser la medida de la ignorancia de los fans? En una muestra completa de cuan ignorante es el fan de anime que uno puede tropezarse en Internet, bajo el meme de "quien no conoce a Dios a cualquier santo le reza", un bien intencionado pero bastante poco informado aficionado comparó Evangelion con Devilman. La razón de que esto suceda es que el aficionado pasó por alto un hecho importante, la serie Devilman de Go Nagai cumple cuarenta y cinco años de haber sido publicada. Por supuesto, ¿cuál es la importancia de un manga superviolento que se transformó en un anime que temió adaptar la ignominiosa crueldad de su autor?


La verdad es que durante toda su carrera, Go Nagai siempre dio muestras de rebeldia y de intentar llevar el shonen a limites a los que nadie se había atrevido antes. Luego de varios intentos de arrancar su carrera, Harechi Gakuen introdujo el erotismo al shonen (aunque para estos tiempos es bastante discreto). Pero en 1972 se dio su año maravilloso, donde él trabajó simultaneamente en tres series que habrían de darle el reconocimiento para toda la eternidad. Todos los que fuimos producto de los setenta nos acordamos de Mazinger Z, su serie de Super Robots más famosa. Pero sus otras dos series, Violent Jack y Devilman, romperían el género del shonen y guiaría la década de los setenta de este género a uno de super violencia.


Lamentablemente, el público japones no estaba preparado para ver estas obras adaptadas de forma fiel en televisión. Para el caso de Violent Jack, sus adaptaciones han sido más que todo a través de OVA's que no abarcan el contenido de la obra. Pero Devilman fue la que más sufrió, porque se cambió mucho de la trama original para poner a un luchador contra los demonios que desea proseguir con su humanidad. Por eso, hubo que esperar a que una compañía de televisión por web (Netflix) que aprovechó la expiración de ciertos derechos se tomara la tarea de adaptar esta obra tan subversiva. Y realmente adaptó la obra de una forma respetuosa, hasta el punto de la repulsión. ¿Cómo puede ser eso posible?



Devilman Crybaby


Original: Go Nagai
Director: Masaaki Yuasa
Guión: Ichiro Okouchi
Música: Kensuke Ushio
Animación: Netflix y Science Saru
10 episodios
Enero 2018

Inicio! Spoilers!



Si quieres adentrarte en la trama de este animé, puedes entrar a mi artículo: [Spoilers] Devilman Crybaby. ¡Allí te cuento todo lo que acontece en este animé, léase con precaución! 

Fin! Spoilers! 


Una tragedia con un matiz moderno


Vaya, eso fue todo un paseo. A pesar de toda la psicodelia, la sangre, las vísceras y los desmembramientos continuos; esta es la más fiel adaptación del manga de Go Nagai que se haya hecho en los últimos tiempos. La fidelidad a la violencia, a la repugnante locura y el caos que produce el conocer que nadie está a salvo de la intervención de criaturas sobrenaturales es sorprendente; y aunque la historia está resumida para poder ser adaptada esta abarca la mayoría de los arcos del manga y los adapta a tiempos modernos.


¿Qué nos queda después de esta salvaje adaptación? En primer lugar un buen sabor de boca. El director Masaaki Yuasa (Space Dandy) supo aprovechar elementos de animación del pasado (usa mucho rotoscopio y efectos psicodélicos de los setenta) con animación por computadora y buenos efectos especiales. Esto permite una animación fluida y sin muchas dificultades para una historia que debe correr sin distracciones para abrumar al espectador. Porque lo importante no es el dibujo sino la historia. 


Para quien había tenido contacto con la historia, esta adaptación de Devilman es fiel a sus orígenes, es un tributo a Go Nagai y a su genio revolucionario en una década más conservadora. Sin embargo, Devilman Crybaby va más allá para un público que no tuvo contacto con esa historia de hace cuatro décadas. Esta tragedia salvaje, cruda, sangrienta y cruel refleja la realidad de un mundo donde el miedo domina la razón, muy apropiado para la era que vivimos. Tanto seas un creyente fervoroso como un liberal revolucionario, el peligro de que el miedo se haga cargo de la vida cotidiana es que esto crea la necesidad del autoritarismo. Esto es una constante en esta vida y en la otra, así que conforme el conservadurismo se apodera del mundo esperemos que la razón vuelva a la humanidad y podamos evitar destruirnos los unos a los otros. Que así sea.

jueves, febrero 15, 2018

jueves, febrero 15, 2018

Sexy Cosplay: Big Culo Day 2018

Nunca había visto a Shinon de esa forma!
Bueno, luego de una ausencia bastante larga, en honor al blog de Jotacé, viene la celebración del Big Culo Day 2018, Neoverso Style! Así que disfrútenla.

Bueno, cuesta ver ese ángulo de 2B de Nier: Automata.

A sus órdenes, soldado 76. Overwatch siempre estará en mi corazón aunque no en mi consola.

Esta es la razón por la cual todos dicen que a Brie Larson le hace falta cuerpo para hacer de Ms. Marvel.

Para ustedes Vampirella y su tridente. Sin palabras.

¿Están seguros de que es un traje de guerrero del Principe de Persia? No importa.

¿Me creerían que es un cosplay de Saber Nero?

Ufff!

En la lista nunca puede hacer falta Psylocke...

...ni Cammy.

Esperando el desorden...

Harley Quinn y Power Girl... No importa como se vean, siempre es un placer.

¡Qué difícil elección!

D.Va de Overwatch nos recibe con sus mejores atributos.

Y cerrando la lista no puede hacer falta una superdotada Black Cat. Hurra!


sábado, febrero 10, 2018

sábado, febrero 10, 2018

[Top] Tracing! Plagio en su máxima extensión!

¿Pero que es "tracing"?

Desde los tiempos en que contribuí de forma directa e indirecta en la "Segunda Era del Cómic Costarricense", existían aspectos que se mantenían constantes en el grupo de dibujantes que conformó dicho esfuerzo. Esto no tenía que ver nada con drogas recreativas (Púas), regaños constantes (Roberto) y fechas de entregas tardías (Cali). Algo que era constante era la admiración de ciertos artistas específicos del medio americano de dichas fechas y el (ab)uso de mucho de este material para inspirarse en sus propios trabajos. Debemos admitirlo, lo mejor que uno puede hacer es imitar a quien es más exitoso. Pero cuando la fama llega, es probable que la gente se percate de dicha inspiración y la señale.

Ejemplos de Tracing de Sou Miyata para la novela de Muv-Luv. A la izquierda el producto original, a la derecha el adaptado para la novela. ¿Parecido? Por supuesto.

En el ambiente esto se conoce como "Tracing", lo cual es la técnica de sustituir una serie de imágenes por otras conservando el aspecto general. Este nombre se debe específicamente a una propiedad de Photoshop que permite "trazar" las imágenes con nuevas líneas y construir un nuevo dibujo en base a una imagen vieja. Por supuesto, si las personas que se dedican a esto son cuidadosas probablemente nadie lo note. Pero con el advenimiento del entretenimiento japonés y los exigentes tiempos de entrega impuestos sobre ellos, los animadores y dibujantes del Sol Naciente han recurrido a dicha técnica con mucha más frecuencia. Para su desgracia, los fans son muy perceptivos y señalan esto con mucha frecuencia. En los últimos años, diez casos han ocasionado que historias salieran del aire o que se suspendieran a dibujantes de su trabajo. ¿No me creen? Pues acompáñenme para ver esta lista de los eventos más sonados de los últimos tiempos.


1) Sou Miyata y el plagio de una novela de Muv-Luv

Para el año 2012, el juego Muv-Luv llegó a ser tan popular que creo una serie de interés para su adaptación en diferentes medios. Varias obras y animes fueron comisionados, y uno de los dibujantes asignados para los promocionales fue Sou Miyata, quien había trabajado para la compañía Age por años. Pero por supuesto, sea por una combinación de tiempos de entrega cortos o la necesidad de salir a tiempo con el trabajo lo "motivo" a llevar a cabo el que hasta ahora es conocido como el caso más descarado de "tracing" del ámbito japonés. Aunque uso diferentes fuentes, los fans se percataron de su "esfuerzo" y por eso fue despedido de su trabajo. 


Por supuesto, No Game No Life es 100% copia original.

2) Caso de tracing en No Game, No Life

No Game, No Life es una exitosa novela ligera, pero aún así para el año 2014 su autor no pudo evitar el dedo de los aficionados debido a que descubrieron (por supuesto) que llevaba a cabo el ejercicio prohibido de "Tracing" en sus obras. Esto por supuesto se nota en numerosos ejemplos de su obra. Sin embargo, la popularidad de la novela ligera no ha disminuido a pesar del escándalo, continúa en publicación y ha producido series anime, así que podemos decir que se salió con la suya. 


No hay nada más sencillo que copiar a una belleza comiendo un helado.


3) Manga Prism fue puesto en hiatus por tracing.

El manga yuri Prism de la autora Shou Higashiyama comenzó su carrera en el 2010, como una experiencia más de dos adolescentes que comparten el amor y la sensualidad en un Japón que se queda cada vez más sin personas. Sin embargo, a la autora le costaba hacer poses, así que decidió que lo más sencillo era copiarlas. ¿Quién se iba a dar cuenta? Pues la compañía que hizo el anuncio si se dio cuenta, demando y con esto su obra fue puesta en hiatus permanentemente (para evitar pagar derechos). Así que niños, si van a copiar una obra, que sea de algo de domino público. ¡Hasta la próxima!



4) Yuki Tsuetsugu y Flowers of Eden salió de publicación por plagio y tracing.

En la actualidad Yuki Tsuetsugu goza de una carrera saludable con un manga que se ha convertido en un icono popular de Japón al resucitar un deporte perdido en el tiempo y volverlo a la juventud, tal como es Chihayafuru! Pero lo que pocos saben es que su carrera estuvo a punto de irse por el inodoro cuando ella cometió plagio no con una sino con dos obras. Flower of Eden y Silver fueron sacadas del mercado y ella entró en una era difícil donde no pudo ejercer su arte. Pero el tiempo es quien da la experiencia, y con su nueva oportunidad la artista se logró transformar en una figura de culto en Japón y se sobrepuso a esta vergüenza.

Ayy, ¿pero quienes son esos hombres? Por supuesto, si sus poses les parecen conocidas, lo son.

5) Youka Nitta fue descubierta haciendo tracing y plagio.

Youka Nitta era una artista de yaoi reconocida, con más de diez años de carrera y tres publicaciones a su haber. Su obra, Embracing Love, resultaba popular en el mercado que gusta de este tipo de historias. Sin embargo, para el 2004 se descubrió que muchas de las poses de sus obras fueron copiadas de anuncios, que por supuesto estaban registrados. Para su dicha, una disculpa sincera de su parte y de su editor fueron suficientes para continuar con su carrera, que se ha extendido por más de dos décadas de amor masculino.


Cualquier parecido es mera coincidencia.


6) Artes a la venta de Jon Schiller, algunos muy concidos

Jon Schiller es un ilustre desconocido, un artista de promocionales para historietas del mundo underground, específicamente en el estilo manga americano. Por supuesto, también es un ingenuo, que no creyó que los aficionados podrían darse cuenta de que estaba copiando imágenes de muchas fuentes, específicamente de ciertas obras de CAPCOM. La pregunta es si vendrá a aceptarlo o simplemente como director, jefe y mandamás de la compañía que hace la obra SINS se hará el loco y seguirá con el fusil. Eso lo dirá el tiempo.


A la izquierda Bleach!, a la derecha Incarnate. Cualquier parecido es mera coincidencia.

7) Incarnate de Nick Simmons no cae lejos del arbol y también hace plagio

El menor de los hijos de los legendarios Gene Simmons y Shanon Tweed se hizo famoso con el reality show que sus padres montaron en MTV. Por supuesto, con una habilidad de negocios similar a su padre, el joven uso su nombre para publicar un cómic llamado Incarnate, la historia de un inmortal que puede regenerar su cuerpo. Sin embargo, los fans se percataron de la humillante verdad, era un plagio sin pena de Bleach! Y a pesar de haber salido del aire hace un lustro, esta obra todavía sigue proyectando una sombra imponente en el shonen hasta la actualidad. Así que la broma fue para ti.


High Score Girl, una obra donde Square Enix y SNK Playmore cruzaron espadas.


8) Hi Score Girls manga es plagio de SNK Playmore

La realidad es que no es plagio, sino un esfuerzo interesante de una revista por crear la historia de jugadores de consolas olvidados en el tiempo. Sin embargo, varios de los juegos más populares de la década de los noventa eran los de la compañía SNK, así que el uso de las imágenes y sus personajes ha hecho que Square Enix y SNK Playmore pelearan en la corte hasta llegar a un acuerdo. Por eso ahora los personajes son de Capcom. Lol!


Gintama, la vía rápida al éxito es el plagio.


9) Gintama, entre el homenaje y el descaro

Debido a su orientación de tipo cómica, Gintama tenga el dudoso honor de ser una de las obras que más ha plagiado a otras obras populares durante su tiempo en el aire. Y es que ninguna de las obras que la precedieron tanto en su generación como de la década de los noventa se salvó de su incidiosa influencia. Por supuesto, el uso de la comedia ayudó a pasar ese detalle más o menos por alto. Pero aún así, en esta era nos queda su rastro como la máxima expresión de la fama a través del plagio.



10) Naruto, el colmo del tracing

Y por supuesto, en la lista no podía faltar el ninja que con su traje anaranjado y su peculiar forma de correr ha sido el objeto de críticas y admiración por más de una década. Por supuesto, los estudios de animación no perdieron el tiempo y literalmente copiaron peleas famosas para integrarlas a su programa. No lo creen, puse la prueba del video arriba. Eso es llevar el tracing a otro nivel.

¿Y a dónde nos lleva esto?

Por supuesto, en Neoverso no somos partidarios de que el lector y futuro aspirante a dibujante se desarme los sesos tratando de inventar el agua tibia, pero estos ejemplos son una clara advertencia de que si quiere copiar algo, mejor que lo haga bien antes de llevarse una terrible vergüenza pública. Desconocidos y famosos ya lo han hecho y han sido descubiertos, si lo van a hacer, procuren no serlo.