Durante el boom del comic de los años ochenta y noventa, varios artistas se separaron de las principales editoriales de comic de Estados Unidos para probar suerte por su cuenta. Grandes artistas de la talla de Rob Liefield (Youngblod para Extreme Studios), Jim Lee (Wild C.A.T.S. para Wildstorm), Todd McFarlane (Spawn para Todd McFarlane Productions) y Marc Silvestri (CyberForce para Top Cow) se unieron en una editorial que se conocería como Image, que procuraba escapar de la larga sombra de DC y Marvel, para poder publicar sus historias sin los problemas de derechos presentadas en ambas y tratar de ocupar parte de dicho mercado, que parecía inagotable e infinito para ese momento.

Para mediados de los noventa, Wildstorm Studios llevaba la delantera en publicación y en títulos dentro del esfuerzo de la editorial Image. Aún con buenas ventas, Top Cow Productions se encontraba en una posición de desventaja, debido a que su primer caballo de batalla Cyberforce no tenía el éxito esperado dentro del ámbito del comic. Acusada de plagio y falta de originalidad (el staff de personajes es muy similar a muchos de los X-Men de Marvel), la serie languidecía en ventas y apenas alcanzaba a impulsar a la editorial durante sus primeros años de existencia.

Como respuesta, en 1995 Marc Silvestri decidió darle un giro sobrenatural a su compañía. De la mano de Michael Turner, Witchblade vio la luz en noviembre de 1995. En su primera entrega (la cual fue reimpresa y de la cual tengo una de sus copias), la detective Sara Pezini se tropieza con su destino cuando por accidente, en un tiroteo de la mafia, ella llama al poder de un artefacto místico conocido como Witchblade, cuyos poder y facultades se integran a su vida, como su nuevo compañero de combate. Siendo una entidad masculina que lleva a cabo una relación simbiótica con su portadora, que sirve como regulador del bien contra el mal, integra (más de las veces en contra de su voluntad) a la atrevida detective a una serie de peligros y riesgos sobrenaturales; que la enfrentarán contra ángeles y demonios, empresarios corruptos y carismáticos secuaces, e incluso a la descendencia del mismo Jesucristo con María Magdalena. 

La serie fue un éxito más allá de los más salvajes sueños de sus creadores. The Darkness, que salió un año después, introdujo a uno de los primeros rivales de esta poderosa arma, así como cimento el camino de este estudio de artistas en uno de los más poderosos en el ambiente independiente. Con las Aventuras de Tomb Raider y otras producciones, esta se logró consolidar en el mercado americano, de donde sus contrapartes como Wildstorm han desaparecido o han luchado hasta el momento por sobrevivir.

El éxito de la serie motivó la creación de una serie de televisión, donde Yanci Butler (modelo que aparece con Jean-Claud Van Damme en Hard Target) interpreta a la detective Sara Pezini. Una serie con moderado éxito, fue cancelada a mediados del 2002 por la caída de los ratings y por el reingreso de la actriz a rehabilitación de su problema de alcoholismo.

Sin embargo, el más sorprendente de los golpes fue la adaptación de un anime. De estudios Gonzo, la historia del arma legendaria es contada desde la mano de Masane Amaha, una desobligada, desempleada y atribulada madre soltera de una niña de seis años, que fue encontrada en el punto cero de un evento catastrófico (terremoto) que destruyo Tokyo en un futuro cercano. Aunque la serie recurre a mucho de los estereotipos del anime (sólo vean el pecho de la protagonista y la armadura de la Witchblade arriba), ofrece un relato totalmente diferente al de la serie de comic (casi toda la trama se relaciona a las investigaciones  científicas llevadas a cabo sobre el artefacto) y con una animación intermedia; la historia es muy entretenida, con un final que va contra los convencionalismos de Hollywood. Para sorpresa de muchos de los fans, Top Cow ha declarado la serie canónica, lo que significa que este relato es parte de esta realidad.

Cuando se anuncia la puesta en escena en pantalla grande de esta historia (en espera desde el 2009 pero proyectada para el 2013), los fans esperamos que en algún momento de este paso. Porque, aunque no les gusten las mujeres que pateen traseros, Witchblade es una historia digna de ser vista, donde la fantasía sobrenatural se combina con el mundo moderno para ofrecernos una vista temible de todo lo que nos rodea. Por eso yo espero su realización, y rezando porque no ocurra el mismo desastre que provocó la cancelación de Red Sonya. Esto sería un gran honor para su primer dibujante, Michael Turner, que nos fue arrebatado por el cáncer en el 2008. Todos los fans de los comics estamos agradecidos porque hayas compartido tu talento. En su honor dedico este artículo.

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Caos en el Mall | Guión: Hermes | Arte: Lobo Zamora

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Caos en el Mall | Guión: Hermes | Arte: Lobo Zamora

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Caos en el Mall | Guión: Hermes | Arte: Lobo Zamora

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Caos en el Mall | Guión: Hermes | Arte: Lobo Zamora

Caos es en Mall es una historia de tipo one-shot que se realizó para la publicación del libro "Colectivo de Comics Costarricense Volumen 2". Lamentablemente, dicha publicación nunca vió la luz, pero para que no se pierdan de esta historia aquí se las presentamos.

Con el guión de Jose Pablo Morales (Hermes) relata una hilarante historia sobre un grupo peculiar de chicos que se encuentran en un Mall y pues... bueno no les quiero arruinar la sorpreza, mejor veanlo ustedes mismos. El arte es de Lobo Zamora, quien diseña a los personajes, el grupo esta confromado por la exhótica Hazel, el galán Armando, la ruda Jeninifer, el loco Roy (el hermano drogadicto de Jennifer) y Charlie (el perro parlante del Roy).

Tal como sucedió con la serie Star Trek en la primera década de este siglo, con la que comparte tantas similitudes; la franquicia Mobile Suit Gundam recorría el incierto camino que recorren las series luego de su mejor exposición (Gundam Wing); el de la cancelación y el olvido al enfrentarse con dos sucesivos fiascos. After War Gundam X fue el primer fracaso de la franquicia desde la aparición de la serie original Mobile Suit Gundam. Recortada debido a la falta de ratings, la serie más corta de todas fue cancelada a pesar de ofrecer una de las mayores y más oscuras premisas de toda la serie. Para la celebración de los veinte años del lanzamiento de la serie original, la compañía Sunrise invitó al director original Yoshiyuki Tomino para crear una serie en conmemoración de este evento. Turn A Gundam, la serie en lugar de ser una continuación del universo original se transformó en una re-interpretación del futuro que no terminó de convencer al público (ni a la juguetería Bandai con sus magros resultados en ventas de modelos), y resultó en un horrible desastre al ser compilado en forma de película.

Ante este panorama sombrío, el equipo de Sunrise sabían que la siguiente apuesta debía ser una ganadora, so pena de correr el mismo camino de las series televisivas de Star Trek. Con esto en mente, trajeron a la pareja de esposos Mitsuo Fukuda (director y especialista en diseño) y Chiaki Morosawa (escritora y guionista) para el siguiente proyecto. Tal como suele suceder dentro del cerrado mundo de creadores de Sunrise, tomaron ideas de numerosas fuentes, incluyendo basarse espiritualmente en la primera serie Gundam. Con estas armas a la mano, Gundam SEED salió a la luz el 5 de octubre del 2002.

La primera impresión de Gundam SEED resulta impactante para aquel quien ha tenido la oportunidad de ver la serie original, porque uno entiende en ese momento que está ante una puesta en escena similar. La Guerra del Sangriento San Valentín lleva más de un año. Los coordinadores (seres humanos mejorados genéticamente) de PLANT y su brazo armado ZAFT están ganando la guerra contra la Alianza Terrestre, una alianza de naciones  que rige los destinos de todo el mundo. En la colonia de Heliopolis, perteneciente al pacífico país de Orb; Kira Yamato, un estudiante de ingeniería y sus amigos viven alejados de la guerra que los rodea (cualquier parecido con Side 7 y Amuro Rei hasta aquí es mera coincidencia. ¡Claro!). Pero la guerra toca a la puerta.

Como medida de protección, la nación de Orb y la Alianza desarrollaron una serie de robots para combatir a PLANT en la guerra, así como un crucero de combate que pueda contenerlos. Enterados de dichos planes, ZAFT ataca por sorpresa la base y roba cuatro de los prototipos. En la confusión, Kira queda atrapado con la comandante técnica de diseño, la teniente Murrue Ramius en el interior del modelo GAS-X105 Strike, el cual adapta con sus enormes habilidades y usa para escapar junto con sus amigos de la colonia, con la eterna sombra del brazo militar de ZAFT detrás de ellos (aquí también se parece a la original muuuchooo).

Con una premisa que honra a su original, Gundam SEED introduce a la tecnología moderna a la franquicia con una súbita sacudida. La acción trepidante del combate, la complejidad de los personajes y los radicales giros en la trama (la incorporación de Dearka Elsman al equipo del Arcángel, la creación de la Alianza de las Tres Naves y la lucha de tres facciones en el conflicto en el combate final) mantuvieron a todos los fans, viejos y nuevos, atados a los asientos.



La historia tuvo dos giros importantes en la trama, el primero durante la pelea entre Kira Yamato y Athrun Zala en la Tierra que resulta en la destrucción del GAT-X303 Aegis y el GAS X105 Strike, la desaparición de Kira y la consolidación el sentido anti-guerra en Athrun. El segundo es el remate y el giro más importante, que se produjo al final de la serie donde una infinidad de personales importantes y secundarios desaparecieron en el monumental evento final de toda la guerra. En la mejor tradición de Kill'em all Tomino; el trío de drogadictos, el trío de jóvenes pilotos de Gundam M1 Astray, la teniente Natarle Bagiruel, Murata Azrael, el capitán Mu La Flaga, Reu La Creuste, Patrick Zala y Flay Allstare; todos desaparecen en el calor del combate, mostrando con crudeza todo su horror y advirtiendo al espectador sobre los horrores de dicho evento; en un marco genocida donde ambos bandos cometen atrocidades que harían que el Tercer Reich se sonrojarse de vergüenza.

A pesar de que la serie introdujo numerosas malas costumbres; como el fanservice (el primer Gundam donde se sugiere relaciones íntimas), la correa corta de la juguetería Bandai (el cambio de bando de Dearka Elsman obedeció a que su modelo de robot no vendía lo suficiente), y la relación de odio (y algo de amor) entre los aficionados originales de Gundam y Chiaki Morosawa (que se intensificaría en la secuela Gundam SEED Destiny); la serie vino como un soplo de aire fresco para toda la franquicia. La popularidad de la serie en Japón hizo posible la primera secuela fuera del Universal Century (el universo de Yoshiyuki Tomino) e impacto con fuerza a la actual generación de amantes de los mechas. Combinado con el estreno de las películas de Mobile Suit Z Gundam, hizo del 25 aniversario de la serie un evento memorable. 

Es triste que la señora Morosawa lleve cinco años luchando contra el cáncer. La que antes había sido una desconocida escritora logró (aunque con cierta torpeza, estorbo de Bandai y sentimentalismo) relanzar una serie interesante con un nuevo aire. Con su apego al realismo, su crítica descarnada a la guerra y su justificada violencia, a los diez años de su lanzamiento Gundam SEED esta merece una visita de sus fans. Aunque muchos no lo quieran, oremos por la recuperación de esta artista, o que su esposo acepte otro escritor; para que pueda entregarnos con su visión el final de esta serie en forma de la película que lleva archivada todo este tiempo. Porque con todos sus defectos, Gundam SEED mostró el camino al futuro de toda la franquicia y ganó nuevos fans para ella.

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No se si les ha pasado alguna vez en sus vidas. Corrían los maravillosos años finales de los noventa. Como todo joven universitario, novato y deseoso de nuevas experiencias, recorro los pasadizos de los sitios tradicionales de Video Juegos del San José Centro (Mundo Tico y Galáctica). Allí conoces a un par de amigos, comentas sobre tus ambiciones de escritor y te atraen a jugar Calabozos y Dragones (experiencia que no lamento pero que ahora veo con cierta reserva debido a la adicción que produjo en mi vida por los siguientes diez años). De pronto, tu maestro de calabozos, un amigo carismático y de habla suave, introduce un escenario donde una joven virgen NPC se sacrifica por el grupo, ante el dolor de todos sus integrantes que se habían encariñado con ella.

Misteriosamente, este evento se repite un par de veces con bastante similitud con el mismo maestro. Dejo a este grupo y me desactivo por dos años, para volver a jugar en otro grupo, con el disgusto de ver la escena repetida con un diferente maestro a principios del dos mil. Pero a diferencia de la maravillosa reacción de sorpresa, un ya preparado y precavido jugador (yo) reclama con dolor y frustración que este escenario se parece mucho a algo que ha oído antes, que ha vivido antes. Ya para ese momento, sabía que esto, repetido numerosas veces en otros juegos, fue el escenario de la muerte de Aerith Gainsborough, un momento cumbre y de inflexión en Final Fantasy VII.

Luego del éxito comercial de Final Fantasy VI, el equipo de la compañia de videojuegos Square se encontró frente a uno de los retos más importantes de toda su historia. El juego, considerado uno de los mejores de todos los tiempos, era la cumbre de lo que se podía hacer sobre una plataforma de 16 bits. En gráficos, en jugabilidad y en historia; este RPG parecía haber marcado la cumbre de lo que podía llegar a hacer Square y la serie. Pero, con el cambio de los tiempos, la competencia entre las plataformas se reinició con furia en el mercado y la saga se vio ante su más grande reto. ¿Podría adaptarse a los tiempos y superarse a si misma? ¿O sería el final de toda una generación de RPG como lo fue con otros juegos famosos (Ogre Battle como ejemplo)?



Todo pareció ponerse en contra de la compañía cuando se inició su desarrollo en 1995. Concebido originalmente como un juego de Super Nintendo como su predesesor, la noticia de que Nintendo 64 usaría cartuchos en lugar de CD's, y de que habría que apagar el juego para cambiar de cartuchos, decidió a la empresa a migrar todo el desarrollo a PlayStation, una plataforma que apenas estaba en desarrollo; debido a que por su tamaño sería imposible contenerlo en un sólo cartucho de memoria. Con un sistema de juego rediseñado (sistema de turnos libres), combinado con antiguas técnicas trasladadas (limit break); con una animación por píxeles completamente generada por computadora, cinematics generados con la última tecnología de ese entonces y una banda musical poderosa, el juego fue liberado en el mercado el 31 de enero de 1997. Nadie esperaba lo que sucedió a continuación.


Luego de vender sólidos 2.2 millones de copias en Japón para Agosto, muchos de los distribuidores en Estados Unidos se vieron obligados a violar la fecha de salida del producto debido a la inmensa demanda que había generado el juego. Con 300.000 unidades vendidas en la primera semana, 500.000 antes de las tres semanas y con el momento de ventas presente por varios meses, Sony anunció para diciembre que había superado el millón de copias vendidas, consolidando a PlayStation como la ÚNICA plataforma de juegos por la siguiente década en occidente (así como su sucesor el PlayStation2).



Fueron muchos los comentarios que tuve que soportar durante esos años. Cosas como "mae, encontré la forma de evitar que Aerith se muriera" (una obvia mentira), o "vieras que chiva el cinematic de enfrentamiento con Sephiroth", o "usted no está en nada si no ha jugado FF7", o "sabías que las tetas de Tifa crecen conforme sube de nivel"; su influencia fue impactante en mi vida en el submundo de los videjuegos por largos años.



En los juegos de mesa comenzaron a aparecer personajes clones del antagonista con espadas katanas del doble del tamaño de una personas  (fueron tan populares como los clones de Drizz't do Urden y sus dos fantásticas cimitarras); así como vampiros clones de Vincent Valentine, que aunque no fuera vampiro de nombre, lo encuentran dormido en un féretro, se transforma en seres monstruosos y se mueve entre las sombras (si grazna como pato, nada como pato y se mueve como pato es pato); son un claro testimonio del impacto que tuvo este juego en la mente de los jóvenes hace quince años.


Para mí es difícil hablar de un juego que sólo he visto cinco veces en mi vida (ni siquiera pude jugarlo), y he vivido a través de la experiencia de los amigos que hice en mi tiempo. Pero si existe una verdad de la que puedo hablar. Para el momento en que Play Station fue liberado, Sony estuvo en una fuerte competencia en un lejano tercer lugar frente a la consola Sega Saturn/Dreamcast y las SNES/Nintendo 64. Al finalizar el año 1997, la compañía Sega había sido herida de muerte (ahora sólo se dedica a hacer juegos) y Nintendo vio reducida su participación de mercado significativamente (sus esfuerzos hasta la llegada de la consola Wii no llegarían a impactar en el mercado norteamericano). Estos fríos números son la evidencia de porque Final Fantasy VII fue "el juego que vendió al PlayStation". Así que voy a procurar conseguirlo para vivir la experiencia; o esperar que por las críticas y el desastre que ha enfrentado Square con su última versión de esta serie (Final Fantasy XIV), hagan el remake de este juego. Los fans lo esperamos, aunque sus productores no lo quieran.

Durante el período de descanso en el cual dedique mis esfuerzos a otro tipo de satisfacciones personal entre los cuales no destacaba la lectura, llevaba a cabo la usual investigación para determinar que serie de animé (si, soy otaku, lo reconozco). Luego de intentar bajar, quemar y codificar El Puño de la Estrella del Norte, luego de que un amigo desistiera de hacerlo; combinado con la insatisfacción que me dejaban los filler de Inu Yasha, renuncié para siempre a bajar series en progreso aunque me gustaran. De esta forma, a mediados del  2007, me puse a buscar series que bajar que fuesen de 13 o 26 episodios. En la lista puse a Grenadier y Samurai 7 (el remake en anime del clásico de Akira Kurosawa) cuando me tropecé con Starship Operators.

Basado en la novela ligera de Ryo Nizumo, la premisa desde un principio suena poderosa pero se puede leer entre líneas. Tres decenas de cadetes en entrenamiento de la Academia Militar de Kibi (universitarios y colegiales) quedan atrapados dentro de la nave comando Amaterasu en el inicio de la guerra de su nación Kibi contra la Alianza Henrietta.

Abandonados por sus oficiales superiores, ante la noticia de la rendición de su patria, ellos se niegan a entregar su nave y deciden luchar en contra del enemigo de su nación. Con este fin, ellos llegan a un acuerdo con Galaxy Network, que brinda los recursos para comprar la nave al gobierno de Kibi a cambio de hacer un 'reality show' de ese evento. Con estas armas en sus manos, los cadetes se lanzan en una lucha imposible en contra de un formidable enemigo.

Una crítica pasiva al pacifismo, a la inactividad y a la sumisión; la serie no fue un éxito ni entre la crítica ni entre los fans. Mucho de esto se debe al apego que el equipo de diseño tuvo a la ciencia dura y a la novela en la cual está basado (una gran cantidad de tiempo describiendo tácticas, resumen en segundos de horas y días de combate en el espacio, inexactitud de la aparición de las naves fuera de hiperespacio que se traducía en tiempos muertos dentro de la serie que la vuelven aburrida ante muchos ojos). Ni siquiera la aplastante superioridad de mujeres de la tripulación (hay tres mujeres por cada hombre), con su conveniente realce, salvó a la serie de la posibilidad de una nueva temporada.

Esta serie habla con detalle de una verdad que envuelve al mundo actual, que la guerra no es peleada por hombres hechos y derechos, sino por muchachos e inclusive niños. Criaturas que ni siquiera tienen edad para tomar o votar son lanzados hacia los horrores de la guerra; ven morir a sus amigos, a sus amados, despertando al juego de traición y brutalidad de los adultos demasiado temprano en su vida.

Combinado con un respetuoso tratamiento de la ciencia dura dentro de la ciencia ficción, así como el hábil uso de teorías acerca del movimiento en el espacio (con el generador de inercia potencial para suprimir los efectos G sobre los tripulantes de la nave, los saltos de hiperespacio, la tecnología de teletransportación y la variedad en el tipo de armas en el espacio) en mi opinión la convierten en una referencia ineludible para aquellos que gustan de la ciencia ficción, de la animación y el dibujo. Por esta misma razón, al igual que por sus trece cortos episodios, es que recomiendo a los fans de ciencia ficción a verla. Va a ser un rato divertido.

Desde el principio de los tiempos, el hombre ha sentido una gran atracción hacia lo que resulta grotesco, lo que le produce repulsión o lo que resulta prohibido. Desde los años treinta, con los filmes baratos en contra de la adicción a las drogas como la marihuana, pasando por el género de zombies, las películas de terror y otros numerosos géneros; la explotación ha llenado cines, ha producido millones y ha generado grandes ganancias para los inescrupulosos que exponen los puntos más bajos de la inhumanidad al gusto enfermo de la gente.

Conocido como Cine de Explotación, lo peor del caso es que en múltiples ocasiones pagamos por observar esto, con mucho gusto. La atracción por la sangre, nuestra enfermiza curiosidad de ver lo prohibido y de darle sentido a una vida que no posee el sabor que deseamos nos motiva a pagar y observar estas cosas una y otra vez hasta el final.

Japón no escapó de esta necesidad por lo prohibido. El contacto cercano con los norteamericanos debido a su ocupación y lo cerrado de su sociedad provoca que la sociedad mire el tipo de obras de explotación con ojos prohibidos, pero con un cierto gusto que para occidente podría parecer enfermo. Esto se ha traducido en obras del manga, pero muy pocas veces estas han podido dar el salto al animé. Hasta que apareció Elfen Lied.

Obra de Lynn Okamoto, esta fue publicada en la revista Shueisha Week Young Jump entre Junio del 2002 (si, también cumple 10 años) hasta agosto del 2005, en la forma de 107 capítulos y doce takobon.

A diferencia de otras series del género, el enfoque principal es la interacción entre una serie de personajes pertenecientes a diferentes razas, humanos y diclonii (mutantes de humanos). Estos últimos poseen una constitución similar a la del ser humano, con dos cuernos y la capacidad de crear brazos telequinéticos con los que pueden atacar a los enemigos llamados vectores.

En una guerra no declarada entre la raza humana y estas criaturas, la serie pone a prueba temas controversiales como la discriminación, la identidad, el prejuicio, el abuso, la venganza, los celos, el remordimiento y el valor de la humanidad, en un escenario cargado de violencia gráfica, desnudismo y profanidad.

Como toda persona limitada ante una obra desconocida de la que había oído solo por Internet, decidí gastar  dinero para observarla. En cualquier puesto de animé por encargo puede encontrarse esta obra puesta en escena en el 2005. Sin embargo, de primera entrada se siente lo apretado del presupuesto y lo mezquina que fue la puesta en escena de parte de la compañía Arms. Para una obra extensa como esta, doce episodios no fueron lo suficiente.

De esta forma, con una trama repleta de agujeros y problemas en el guión, muchos temas quedaron por fuera de tratamiento para tratar de abarcar al menos la mitad de la historia en sus cortos doce episodios. Con efectos por computadora mal diseñados, animación repetida, repleta de flashbacks de relleno que se repiten varias veces (en especial durante la niñez de Lucy), la obra intenta capturar al espectador por medio de su gratuita dosis de mutilación, sadismo, profanidad, traición y locura. 

Pocos personajes (específicamente Nana o Número 7 y la titular Lucy) logran alcanzar la redención a través de la obra por medio de un seguimiento de la receta de Joseph Campbell en "El héroe de los mil rostros". Todos los demás, pasando por el personal científico hasta los compañeros de ambas protagonistas diclonii simplemente se encuentran allí para robar tiempo y situaciones sentimentales, confirmar las emociones expresadas en la obra y 'robar cámara'.

Como buena serie de explotación, su utilidad en el mejor de los casos es para establecer una situación, en la peor es para servir como carne de cañón de ambas protagonistas; con miembros, extremidades y órganos saltando a la vista, explosiones gratuitas al por mayor, suicidios masivos y una inequívoca maldad; además de mostrar sin explicación una habilidad médica superior a la tecnología actual.

En lo personal, la serie revolvió mi estómago y me hizo sentir mucho sueño. A partir del capítulo siete, cuando comienzan los flashback, en lugar de animarse la serie comienza en un letargo sin sentido, en donde ni siquiera hay suficiente violencia gratuita para justificar el tiempo. Pecando del abuso en los flashbacks para explicar la relación entre la protagonista y su benefactor, estuve tentado más de una vez a apagar el reproductor. Pero, la curiosidad pudo más y pude llegar al final.

Para quienes gustan del gore, de la sangre, de las entrañas y la locura bizarra, esta serie es perfecta. Para los demás, mi recomendación es que si queremos justificarla mejor consigamos el manga. Porque la obra quedó mutilada, tal como la increíble cuenta de cadáveres que Elfen Lied ofrece al público para su enfermo deleite.

Pues tengo la fortuna de que mis sueños son muy imaginativos y largos, donde puedo ver o vivir aventuras fantásticas y además de todo, poder recordarlos vívidamente. Así una vez soñé, hace varios años, una aventura post-apocalíptica en un mundo de zombies. El sueño abarcaba décadas, a medida que avanzaba los personajes  envejecían y morian...

El punto es, que quisiera rescatar esa historia. Soy un gran fan de ese género, seguidor fiel de The Walking Dead (ambos, cómic y serie televisiva), libros como World War Z y por supuesto, películas son parte de mi colección personal. Mi historia, no obstante,pretende  aportar una perspectiva distinta.

El problema es... ¿qué nombre ponerle?

Le he dado tantas vuelvas... y no tengo idea. Así que agradezco sugerencias, y quien me de la mejor sugerencia, lo nombraré en los créditos y recibirá ganacias cuando la historia llegue a Hollywood (ja ja). ¡Nos leémos!

Hace mucho tiempo, nuestro país comenzó por un camino de exploración muy  interesante y novedoso. En el tiempo en que el cable no era para todos, en que las televisoras nacionales eran todo correctitud y buenos modos, apareció una alternativa novedosa y diferente para todos. Canal 19 de Costa Rica. Debido a alguna extraña razón, el canal transmitía programación interesante, como El Show de Benny Hill, la programación para mayores a deshoras de la noche. Pero un buen día, ellos comenzaron a transmitir algo que yo había visto pero no tenía edad de presenciar. Mi padre comenzó a secuestrarme el televisor para ver una serie de películas de espías. Ese fue mi primer contacto con las viejas películas del agente James Bond, el 007. Así fue como llegué a ver al 007 en contra del Dr. No.

OJO! Spoilers!

De la sexta novela de Ian Fleming (de las otras cinco dos serían una pesadilla de derechos de autor y luchas judiciales para los productores Albert R. Broccoli y Harry Saltzman que amenazaría dos veces con destruir la franquicia); la historia es la más orientada a espionaje de las primeras adaptaciones del Agente 007. Ante la desaparición de uno de sus agentes, MI6 encarga al agente 007 que investigue la situación. Tal como en todas las series, previo a la presentación del barril del arma James Bond hace su presentación (jugando bacará en homenaje a Casino Royale) y comenta la línea que será la marca distintiva de toda la serie "El nombre es Bond, James Bond".

OJO! Spoilers!

A partir de su viaje a Jamaica, comienza una serie de desventuras y enredos por parte del 007, donde una serie de espías y asesinos intentan encargarse de él, sin éxito. Entre otras cosas, sobrevive a una emboscada por un falso taxista, es espiado por una hermosa fotógrafa, descubre que un posible enemigo contra el que pelea es aliado (ayudado por el operativo de la CIA Felix Leiter), embosca a sus enemigos constantemente, mata a su primer hombre a sangre fría y reúne información suficiente para suponer que el magnate Julian No, el dueño de la isla Crab Key es el responsable de todos los inconvenientes del agente (incluyendo el hecho de que oculta la configuración del material fisible de la isla).

OJO! Spoilers!

Luego de acordar llamar a los marines con el agente Leiter, Bond y su antiguo rival desembarcaron en la isla, donde descubren a la buza de superficie Honey Rider (Ursula Andrews como la primera Chica Bond). Lamentablemente para nuestros héroes y la recién ganada relación de Bond, una dragón (un tanque disfrazado) incinera al acompañante y los guardias de la isla capturan a los dos héroes restantes. Luego de ser descontaminados, ellos son llevados frente al Dr. No, que como todo malvado monologa acerca de sus planes de usar su láser potenciado por radiación para secuestrar todos los satélites enviados a la órbita, para fomentar la desconfianza entre occidente y oriente, y provocar la guerra entre ambos.

OJO! Spoilers!

Lamentablemente para el Dr. No, durante la tortura del agente, este logra escaparse y escabullirse al área de reactor de la base, destruye los planes y luego de una lucha titánica (las manos mecánicas del Dr. No pueden destruir cualquier cosa), el malvado villano de Bond es lanzado a la pila de enfriamiento del reactor, donde muere de forma horrenda sin posibilidad de salir. Luego de rescatar a Honey Rider, ambos escapan en un bote a motor, quedan a la deriva en el mar sin combustible, son rescatados por un barco de la naval de los Estados Unidos y Bond sacrifica el rescate para pasar más tiempo con su nueva conquista.

Para ese momento, muy poca gente imaginó el éxito que tendría esta película. El mismo Ian Fleming, el autor de las novelas que originaron al espía más famoso del mundo, sintió una gran reserva al enterarse que el alto y fornido escoces Sean Connery interpretaría a su querido agente secreto. Estrenada el 5 de octubre  de 1962 en una premier en el Reino Unido, el éxito obtenido propició una segunda entrega que apareció (From Rusia With Love) dos años después. Con Goldfinger y Thunderball, la franquicia tomaría un impulso imparable, tanto que seis actores y cincuenta años después todavía seguimos disfrutando de las aventuras del carismático James Bond.


A finales de agosto, regresa Daniel Craig como el Agente 007 en Operation: Skyfall. Es una de las formas más elegantes en que este arcaico y petulante residuo de la Guerra Fría le grita al mundo que no está listo para abandonarnos. Como muchos, esperaré ansioso el momento y por mientras, recordaré todos los brillantes momentos que este agente nos ha brindado durante su medio siglo de existencia.

EDIT: Para completar esta información, no se pierdan el artículo "6 hombres, 50 años de historia... 007" por la Revista Fancomplx donde reseñan a los actores que han dado vida al más famoso espía.

Título. Vengadores versus Hombres X - Ronda 1

Temas. La Obsesión | La Supervivencia |  El Miedo. | El Racismo

Momentos.

Análisis

La lucha entre los mutantes y los vengadores nos remite como intertexto a las épicas batallas de la Ilíada griega, donde los mejores guerreros de los más grandes ejércitos se enfrentan. Utopía viene siendo la moderna Troya, y la joven Hope funge el papel de la hermosa Helena, siendo ella el objeto aparente de la lucha. 

El conflicto es generado a partir de la entidad conocida como el Fenix. Tal como el arquetipo mitológico, es un símbolo de renovación. En este contexto, también lo es de destrucción. lo cual el equipo de artistas establece al mostrar en planos generales la forma en que el ser destruye un mundo entero simplemente por pasar a su lado.

La acción se enlazando con lo acontecido en el cómic Av vs Xm 01 - Infinitum, donde nos narraban cómo el superhéroe Nova se estrellaba en el planeta Tierra. Siguiendo con la narración, los Avengers se informan de la amenaza cósmica que se aproxima.

Cyclops representa el tema de la obsesión y la supervivencia. Su lucha por evitar la desaparición de la clase mutante le ha convertido en un tremendo jefe militar, pero va más allá del razonamiento. Figurativamente, él representa la desesperación a la que se ha visto orillada la raza mutante después del Día de M. Cyclops se visto obligado a convertirse en un pequeño dictador, por la necesidad de proteger a los últimos mutantes del planeta en su isla. No obstante su capacidad de liderazgo se ha desarrollado al punto que incluso líderes reconocidos como Magneto y Namor trabajan bajo sus órdenes.

El nombre mismo de la isla que habitan nos demuestra la posición actual de la raza mutante en el mundo: Utopía es un término griego que literalmente significa "sin lugar".

Mientras tanto, tenemos al lado a Hope. Como su nombre lo indica, representa la Esperanza, la esperanza de sobrevivir para la raza mutante. Perseguida desde el mismo día de su nacimiento, ha viajado por el espacio y el tiempo para salvar su vida, entrenándose primero con Cable (el soldado definitivo) y posteriormente con los X-Men. Ella aún no comprende para cuál destino Cyclops la entrena hasta los límites extremos, pero a medida que la Fuerza Fénix se acerca al planeta, sus nuevos poderes se comienzan a despertar.

Efectivamente, todo apunta a que ella es la futura nueva huésped de la Fuerza Fénix.

Entre tanto, los Avengers se reúnen con los líderes de Washington D.C. para informarles del peligro que se acerca. El encuentro sirve como pretexto para que el guionista pueda describir el plan de acción (mas bien, plan suicida) de los Avengers y para asentar la amenaza que significa la Fuerza Fénix para la humanidad.

Tras ubicar la manifestación del Fénix en la isla Utopía, el Captain America conversa con Wolverine en su nueva academia para jóvenes dotados, ya que él tiene experiencia en el pasado luchando contra la entidad. El hecho que el Captain America le hable en persona, en lugar de comunicarse  a distancia por algún medio nos da una idea de la gravedad con que los personajes toman el tema. Wolverine recalca la posición de desesperación de Cyclops, pero principalmente, que el líder de los X-Men de seguro ya tiene una agenda en movimiento.

Y por supuesto que la tiene.


Aqui nos acercamos al punto culminante de este episodio. Los líderes mutantes discuten la propuesta de Cyclops, hay divergencias, pero nadie se atreve a plantarle la contra. Entonces, hace su aparición el Captain America en la isla, eligiendo su posición para la entrevista en la playa. ¿Por qué en la playa? ¿Por qué no en un salón de los muchos edificios en la isla? ¿Por qué precisamente allí? La respuesta es obvia si consideramos la formación militar del capitán. Tras la entrevista con Wolverine, él decide prepararse para toda eventualidad y no se va a retirar con las manos vacías.

El encuentro entre los dos líderes es muy significativo. Como generales de sus respectivos ejércitos. El punto más álgido de la reunión es el justo reclamo de Cyclops, donde pone el dedo en la llaga, al señalar la hipocresía de los llamados héroes más poderosos de la Tierra. Ellos son quienes nunca han intervenido en los numerosos conflictos y maltratos que los mutantes han sufrido y soportado a lo largo de los año.

Aqui entonces es donde chocan los dos frentes. Para Cyclops la llegada de la Fuerza Fénix bien puede significar el final de la raza humana, a quienes esta dispuesto a arriesgar por el renacimiento de los mutantes. Para el Captain America esta entidad es una amenaza global, y para él los mutantes simplemente son un elemento más del conflicto.


El resultado de la discusión era más que predecible, dado que el mismo título del cómic nos señala directamente que esta es una historia basada en las peleas. A pesar de esta protesta, Avengers vrs X-Men #1 cumple con su papel como antesala a la lucha de los grupos superheroicos más poderosos y populares del universo Marvel. 

Hola a todos, soy JackDarkTemplar Sin tomarle mucha importante a esto, pues me dedico a criticar a un anime de magia que me he terminado de ver recientemente, el cual es Zero no tsukaima.

(Esta crítica al igual que todas mis críticas tiene los spoilers señalados con antelación)

Este es un animé bastante famoso en realidad, y ya yo había escuchado de él, y leído mencionar múltiples veces en varios foros de ánime; aunque fue hasta hace poco que me senté a verla, y ahora nada más hago este muy pequeño análisis con el fin de entreteneros un poco.

Es un buen ejemplo de un shoujo, con mucho ecchi, y también harem; el cual me dejó mucho que desear, pero está mejor que muchos que he tenido la desgracia de perder mi tiempo viendo -varas como School Rumble, Pastel y cosas así-.

Aunque bueno, sinceramente cuando empecé a ver este animé, ya estaba avisado de estos detalles más aún desconocía la sinopsis.

Sinopsis completa -personalizada-:

Zero no Tsukaima trata de Saito -protagonista del "mundo real"-, el cual se ve teletransportado inesperadamente hacia el mundo de Halkiginia, donde Louise -co-protagonista, y quién lo teletransportó (también apodada Zero por su evidente carencia de muchas cosas)- lo llamó para ser su familiar, lo cual es un compañero que te acompaña -valga la redundancia- en tu vida, para convertirse en algo así como un amigo/sirviente para el resto de la vida de ambos. Ahora Saito se ve en la posición obligada de convertirse en el familiar de Zero (lo que siginifica Zero no Tsukaima en japonés).

El mundo de Zero no Tsukaima está inspirado en 2 cosas: 1) Un mundo de magos y gente que no puede hacer magia -no sé por qué, pero me parece haberla leído antes...-; 2) En la edad previa al Renacimiento; la cual habla de nobles y plebeyos, feudos y siervos de la gleba, reinos y reyes -o reinas-, y un Papa el cual tiene el poder religioso TOTAL de los humanos de este mundo, y una influencia completa en las decisiones de los demás reinos.

Las zonas descritas, y el mapa están basados en ciudades reales, de ahí que los nombres se parezcan (Louise es una noble, de una gran y respetada familia; generando un gran problema para ella y su "falta" habilidad para controlar la magia)

(Comienzo de Spoilers)

Bueno, si yo me pusiera a criticar a todos y cada uno de los personajes; me tomaría demasiado tiempo, así que solo hablaré de los que me parecen más importantes e influyentes a lo largo de la historia.